第一部分 虚构作品

第一章 英美法系国家和地区的影视作品

虚构的电影作品，通俗地讲就是故事片，这些影片有些是根据真实的故事创作而成，有的则是在现实生活基础上挖掘、提炼、整理后创作的故事片。也许这些作品在创作上突破了现实生活中条条框框、自然定律的限制，但它的内部逻辑必须合乎常理，合乎生活的逻辑；需要指出的是，庭审片有时会和真实的情景有所差异。

从观影经验中，我们可以看到，在早期的电影中，律师是有良好职业道德操守的专业人士，到了20世纪80年代末至90年代初，有悖于职业道德的律师形象开始在银幕上增多，贪婪、缺乏职业道德和不称职的律师形象为数不少；还有，正式的司法制度在像美国这样的国家也很少能够发挥其应有的作用，即使在办案过程中遵循正确的法律程序，实际的结果也会是不公正的。

出现这样问题的原因是多方面的，有时是因为法律本身并不符合正义的观念，有时是因为法官或者是陪审团犯了错；也有一些情况是律师运气好，或者是敢于无视规则，尽管遭遇挫折，最终实现了司法正义。对于学校的学生，或者是刚出校门踏上社会的年轻人而言，观影有助于丰富他们的人生阅历，使他们对现实有一个相对比较客观的认识，不至于过于理想化。

在虚构的这部分一共选取了60部、制作时间跨度相差101年的作品，它们是根据不同的影片内容择优进行选择的结果，而影片涉及的法律、道德及法律文化皆属于重要的范畴，笔者希望在这个前提下，给读者提供一个较为多元的认识大千世界的文化视角，同时让他们对世界电影业的发展有更深入的认识。

影片排序上，除了前面选取了众所周知的著名法庭片外，其他作品大多是按照国家、出品时间先后安排顺序的。

第一节 美国

美国电影在西方世界占居主导地位。虽然美国只有200多年的历史，但在电影诞生的120多年中，美国电影已逐渐形成了自己鲜明的特色。如今美国好莱坞电影已成为美国文化大厦的重要基石。

一 《杀死一只知更鸟》（1962年）

导演：罗伯特·马利根（Robert Mulligan）

主演：格里高利·派克、玛丽·巴德哈姆、罗伯特·杜瓦尔等

编剧：霍顿·福特

片长：129分钟

制片国家：美国

色彩：黑白

出品公司：环球国际

上映日期：1962年12月25日

主要奖项：1963年获得奥斯卡最佳男主角、最佳改编剧本、黑白片最佳艺术指导和布景三项奖

原著：哈珀·李

1．影片介绍

影片《杀死一只知更鸟》（To Kill a Mockingbird）是根据美国女作家哈珀·李1960年的长篇小说改编的电影，小说中部分人物是哈珀·李根据生活中原型人物撰写的，此书于1961年获得普利策小说奖，至今已经被翻译成40多种语言文字，是美国当代文学的经典之作。影片1962年上映后，获得第25届奥斯卡三项大奖，其中，男主角格里高利·派克（Gregory Peck）获得了奥斯卡最佳男主角奖。

电影讲述了20世纪30年代初美国经济大萧条时期，在南部的一个小镇，三个天真孩子的生活因为两桩冤案而改变。羸弱而失语的人、固守太多偏见的无知的人，还有恪守原则的善良的律师父亲，迫使孩子们艰难地去理解成人世界里的偏见和冷漠，理解真相所包含的危机和无奈，同时尝试着去理解坏人也可能无辜。

在《杀死一只知更鸟》里，一向以英俊潇洒面貌出现在银幕上的派克，戴起了一副宽边眼镜，显得格外庄重、老成。他在影片里扮演不顾个人安危，为黑人伸张正义的英雄律师——阿提克斯·芬奇。

芬奇在南方梅岗镇任职，他为人正直沉稳，常不计报酬地为穷人们伸张正义。芬奇对年幼丧母的女儿斯各特与儿子杰姆既严格，又慈祥。有一次谈起打鸟，他对孩子们说，不要去杀死知更鸟，因为它们只为人类歌唱，从来不做危害人类的事情。

当时在南方，歧视黑人的现象十分严重。芬奇去法院为黑人汤姆·罗宾逊当辩护律师。白人检察官指控汤姆犯有强奸罪，芬奇经过认真调查，发现事实并非如此。于是，在法庭上，他实事求是地为汤姆辩护，把对汤姆的不实指控一一加以驳斥。芬奇要求法庭宣判汤姆无罪，义正辞严地呼吁人们要尊重事实，维护人类的尊严与平等。由于陪审团都是白人，通过争论后仍判汤姆有罪。

事后，持种族偏见的白人对芬奇一家进行挑衅和恫吓，杰姆与斯各特在参加万圣节庆祝活动时遭到一伙歹徒袭击，杰姆的胳膊被扭断。

面对压力，芬奇不畏强暴，他继续为汤姆申诉。在主线之外，芬奇的言行让很多人改变了对社会地位、种族差异的认识，意识到了自己以前不曾意识到的人性的善。

《杀死一只知更鸟》是好莱坞20世纪60年代初自由主义的先声。当时正值美国国内黑人与白人矛盾冲突激化之际，电影表面上说的是经济大萧条时的事情，实际是在影射当时美国国内的现状。

2．主要角色及文化象征

斯各特和杰姆的父亲阿提克斯·芬奇（Atticus Finch）是名律师，出身于中产世家。他年轻时是神射手，发妻已逝。阿提克斯·芬奇是幽默的人，他用自己的方式将道德、正义感成功地传递给了下一代，是梅岗镇里为数不多的坚持致力于种族平等的居民之一。

在汤姆·罗宾逊被指控强奸了一名白人女子后，阿提克斯·芬奇毅然为其辩护。因此，他的家庭成为镇上有种族歧视居民发泄愤怒的对象。阿提克斯·芬奇睿智、信念坚定，具有设身处地为他人着想的优秀品格，他在影片中作为道义的化身出现。

珍·路易斯·斯各特·芬奇（Jean Louise Scout Finch）：小说的叙述者。她是一个男子气的女孩，十分聪明。她的内心始终相信小镇的居民是善良的。尽管后来汤姆·罗宾逊案的审判出现仇恨与偏见，对她的信念是个考验。但最终，她能以更成熟的眼光去发现和欣赏他人的善良，又不忽视其罪恶。

杰姆·阿提克斯·芬奇（Jeremy Atticus Finch）：斯各特的哥哥，童年时作为典型的美国男孩，经常与妹妹玩耍。他勇敢、善良、有正义感和同情心，是妹妹最好的朋友和保护者（后来还为保护妹妹导致一只手残废）。而汤姆·罗宾逊案的审判对他的信念有近乎毁灭性的打击。

亚瑟·“布”·拉德力（Arthur“Boo”Radley）：象征无辜的受害者，也是最重要的“知更鸟”。他足不出户，常为孩子们留下一些陈旧的小礼物，并且在杰姆和斯各特被袭击时拯救了他们。他十分善良，象征了人类的公义与善良会遭到威胁。

汤姆·罗宾逊（Tom Robinson）：一个在种植园工作的诚实黑人。他被诬陷犯有强奸罪，最终在逃跑中被射杀。他也是一只“知更鸟”——什么坏事都没做，只是“用它们的心唱歌给我们听”。他象征天真会被罪恶吞噬。

鲍伯·尤厄尔（Bob Ewell）：是镇上最贫穷的白人之一，同时也是个酒鬼。他诬陷汤姆·罗宾逊强奸他女儿，后来还无耻地威胁和伤害阿提克斯·芬奇的家人。他代表的是美国南方黑暗、无知、种族仇恨的一面。

3．影片解读

《杀死一只知更鸟》采用了减法的改编方式，保留了小说的主要故事情节，将几年间发生的故事改成审判前后几天发生的事情。为了凸显小说的主题，剧本采用以亚瑟·布·拉德力的故事为辅、以对汤姆·罗宾逊的审判为主的结构。

在2003年6月3日，美国电影协会评选揭晓“100名银幕英雄与恶人”，由演员、导演、影评人及电影专家学者等1500人组成的评审团，从400多名候选人中，挑选出最令观众难忘的50名银幕英雄与50名银幕恶人。派克饰演的、为黑人青年辩护、争取正义的白人律师芬奇，名列英雄第一。

美国电影协会评审团认为格里高利·派克扮演的这个律师人物形象位居银幕英雄榜榜首实至名归。

芬奇律师的形象鼓舞了律政界人士，他也成为一个普遍意义上的代表正义的英雄。有人说他是代表“自苏格拉底以来所有不肯屈服于暴政统治之下的文明斗士”。

放在历史背景下，派克和他所扮演的芬奇律师对20世纪60年代的美国黑人运动起到了正面的影响。派克在影片中有长达9分钟的为黑人汤姆辩护的场面，他慷慨陈词、异常动人，据说导演喊停的时候，整个摄制组都鼓起掌来。人们还记得他面向陪审团的陈词：“在我们的国家，法庭是最重要的天平。在法庭上，所有的人都生而平等。”

在银幕之外，派克也是一位黑人民权运动的支持者。1968年，当黑人民权领袖马丁·路德·金遭种族主义者暗杀身亡时，身为美国电影艺术与科学院（Academy of Motion Picture Artsand Sciences）主席的派克毅然宣布将奥斯卡颁奖典礼推迟两天，以哀悼这位伟大的人权斗士。在那个风云变幻、政治环境险恶的年代，这样的决定就是一个义举。

格里高利·派克曾说，我将我所有的一切都倾注于他（芬奇律师）的身上——我所有的情感，我46年的人生经验，以及我对种族歧视与社会不公的憎恶之情。

派克曾在加州南部的一个小镇上度过童年，他作为一个父亲，对孩子有充分的理解。

对于芬奇这个角色，派克认定自己“不用任何表演就可以置身于芬奇的地位。同时，我觉得自己好像完全认得那两个孩子”。

在电影的拍摄现场，原著作者哈珀·李来探班，看到早已不是《罗马假日》中白马王子模样的派克，她眼中噙满了泪水。派克走到她面前，问她为什么哭，哈珀·李说：“我刚才看到你大腹便便的样子，和我父亲生前一模一样。”而派克则回答说：“哈珀，那才是真正的表演。”

1963年，格里高利·派克凭借这个角色而得到了奥斯卡金像奖；40年后，派克安然去世。隐居的哈珀·李听到这个消息之后说，格里高利·派克本是个美男子，阿提克斯·芬奇让他扮演了自己。

小说和电影诞生在黑人民权运动的时代背景下。优秀的作品，不会仅存于一时，这部小说和改编后的电影受到推崇有很大原因是当时的社会环境，但之所以延续至今，则是源自作品对人性的触及，以及文本散发出来的自然魅力。

4．法律文化

影片用儿童的视角，赋予作品引人入胜的悬疑色彩，这种手法的运用，使种族、阶级和宗教这些词语在影片中开始变得不再冰冷，淳朴的情感随着影片内容的推进得以酝酿，真相层层剥开。影片一面对美国所面临的种族歧视、种族主义盛行的问题聚焦；一面通过律师芬奇在法庭上的辩论，揭示偏见是愚蠢、盲从的核心命题，将平等、公正的理念植入人心，从这一点看，影片的意义超过了影片本身，堪称好莱坞优秀影片的典范。

知更鸟（Mockingbird）在字面上与情节没什么联系，但在作品中具有象征意义，代表天真与无辜者。而“杀死一只知更鸟”的故事就是一个罪恶毁灭天真与无辜者的故事。小说中的杰姆、汤姆·罗宾逊、迪尔（Dill）、布、雷蒙德先生（Mr. Raymoud）、梅耶拉·尤厄尔（Mayella Ewell）都是“知更鸟”。

亚瑟·“布”·拉德力在小说中很少露面，但孩子们对“布”的态度的变化是衡量孩子们从童年的天真发展为具有成人的道德观的重要尺度。

开始时，足不出户的“布”在孩子们眼中代表了恐怖的恶魔，随着“布”不断向孩子们赠送小礼物，为杰姆缝补裤子，他在孩子们眼中的形象逐渐真实起来。最后，“布”从鲍伯·尤厄尔手中救出了斯各特和杰姆时，在斯各特眼里，“布”已由一个“鬼魂”变成了一个人。“布”象征了人类高贵的善良品质，尽管曾经受到伤害，但内心的纯洁善良贯穿在他整个生命中。

在美国南方有一句俗语：杀死知更鸟是一种罪恶。《杀死一只知更鸟》就是取自这句俗语，略去了“是一种罪恶”。所以，从电影片名看，影片更像是对一个事件的陈述，这种客观的平静，暗藏着控诉的力量。知更鸟只高唱动人的歌曲，不做任何伤害他人的事情，不破坏花草，不毁坏谷仓，只是为了愉悦听众而尽情歌唱。所以打死这样无害的生灵就是一种罪恶，一种毫无意义的杀戮。

影片中有两只主要的“知更鸟”，一个是斯各特的邻居亚瑟·布·拉德利；另一个是黑人汤姆·罗宾逊。前者是邻里间偏见流言的受害者，后者是美国社会对黑人歧视的牺牲品。

影片中的故事来源于当时社会的真实状况，取材于真实的案件。在美国有一个著名的“斯科茨伯勒男孩诉亚拉巴马州案件”（Scottsboro Boys v. the State of Alabama）: 1931年3月31日，在亚拉巴马州的斯科茨伯勒， 9名年龄在13岁至21岁的黑人男孩，乘坐穿过亚拉巴马州乡村的敞篷货车时因斗殴被捕入狱，随后被控强奸了两名搭乘同列货车的白人女孩——鲁比·贝茨（Ruby Bates）和维多利亚·普赖斯（Victoria Price）。在警方受理指控后，给两名女孩进行体检的医生说，并未发生过强奸。尽管有这一证据，但9名男孩中还是有8人被州法院定罪并判死刑。当年只有13岁的罗伊·赖特（Roy Wright）幸免于最终的死刑判决。

美国最高法院在“鲍威尔诉亚拉巴马州”案（1932年）和“诺里斯诉亚拉巴马州”案（1935年）中，推翻了当地法院的定罪和死刑判决——第一个案件是由于被告未得到充分的律师协助，第二个案子是由于黑人被排斥在陪审团之外。

尽管如此，1935年至1937年，亚拉巴马州又提出进一步起诉。有4人再次被定罪，判处长期监禁。针对其余5人的指控被撤销了。

安迪·赖特（Andy Wright）是1950年最后一个获释的人。此时离他被捕入狱已过去了19年2个月15天；被称为这一团伙头子的海伍德·帕特森于1948年越狱逃往美国中西部的密歇根州（Michigan），那里没有法定的种族隔离政策，州长拒绝将他引渡回亚拉巴马州。帕特森亡命时出版了自己的《斯科茨伯勒男孩》（Scottsboro Boy）一书。他1952年死于癌症，终年39岁。

奥齐·鲍威尔（Ozzie Powell）和克拉伦斯·诺里斯的名字曾出现在两个里程碑式的美国最高法院的裁决中，他俩于1946年获假释出狱，30年后，诺里斯寻求并得到了当时任亚拉巴马州州长的乔治·C．华莱士（Geroge C. Wallace）的无条件赦免。华莱士以前支持该州的种族隔离政策，但到了20世纪70年代，法定的种族隔离政策在该州被废除，华莱士州长便想改正过去的错误。

1979年，克拉伦斯·诺里斯出版了名为《最后一个斯科茨伯勒男孩》（The Last of the Scottsboro Boys）的著作，记录了自己那段苦难的经历。他死于1989年，在9人中最后一个离开人世。

“斯科茨伯勒男孩诉亚拉巴马州案件”的事发地点是斯科茨伯勒，它当时是一个不为人知的小城镇，但因发生了美国历史上最著名的民权案件之一而声名远扬，这里也是当时种族隔离状况严重的美国南方的腹地。

当年的经济大萧条对美国人心理的影响，不是仅用贫困就能解释的，一系列的矛盾都在蓄势待发，当时的总统胡佛实施的一系列政策华而不实，很多报纸指责他满嘴谎言。全国到处都是一派衰败的景象，金融巨头们畏首畏尾、鼠目寸光，不乐观的前景让人们踌躇不前。人们不再愿意相信什么，面对束手无策的政府，人民的信心跌到了谷底，对以后的生活没有了希望，在这样的情绪下，很多社会问题凸显，就像影片中表现的一样，人们总是一触即发，随时准备将满腔的积怨发泄出来。于是，就有了这样各种复杂情绪下的牺牲者——汤姆·罗宾逊。

美国联邦最高法院：是美国联邦法院系统的最高审级和最高审判机关，是唯一由宪法规定的联邦法院。1869年根据国会法令规定，由首席法官1人和法官8人组成，9位大法官中，有1位是美国首席大法官。

现任首席大法官为约翰·罗伯茨（John G. Roberts Jr. ）。

5．法理分析

在“斯科茨伯勒男孩诉亚拉巴马州案件”发生50多年前，美国联邦最高法院就已废止了州法院禁止黑人加入陪审团的条款（斯特劳德诉西弗吉尼亚州案，Strauder v. West Virginia, 1879年），但是，在20世纪30年代，亚拉巴马州的陪审团依然都是白人男子，黑人和女性被认为不适合加入陪审团。

陪审员是根据选民名单挑选的，那时黑人没有选举权，所以，他们不可能进入陪审团，如果有黑人进入陪审团，检察官也会将其除名。直到1986年“巴特森案件”（Batson v. Kentucky）之后，联邦最高法院才禁止律师以种族为名质疑陪审员。

在种族歧视的道路上，美国走过了一段漫长的历史，在障碍扫除以后，2008年，美国诞生了第一位黑人总统，美国的历史被彻底改写。

二 《十二怒汉》（1957年）

导演：悉尼·卢曼特

编剧：瑞吉诺·罗斯

制片人：亨利·方达

主演：亨利·方达、马丁·鲍尔萨姆、约翰·费德勒、杰克·克卢格曼、埃德贝格利、马歇尔、李·科布

色彩：黑白

片长：96分钟

上映日期：1957年4月

出品公司：米高梅电影公司

主要奖项：影片获柏林金熊奖

1．影片介绍

影片《十二怒汉》（Twelve Angry Men）是导演悉尼·卢曼特的处女作，悉尼·卢曼特将电视界的纽约派导演特有的写实和知性风格带入影片中。这部由亨利·方达主演的、以陪审团为主角的法庭电影，最终成为探讨美国陪审员制度和法律正义的经典之作。

在法庭上，要由12个人组成的陪审团决定一个被指控杀害父亲的18岁男孩最后的判决。

这12个人有各自的职业与生活。有巧舌如簧的广告商、仗义执言的工程师、毫无见地的富家子、歧视平民的新贵族、性情暴躁的老警察、精明冷静的银行家、只赶时间的推销员等。每个人都有自己思考和说话的方式，但除了亨利·方达扮演的工程师之外，其余的人都对这个案子不屑一顾，在还未进行讨论之前就认定男孩是杀人凶手。

证据也显示男孩是有罪的，大家觉得似乎毫无讨论的必要。陪审团第一次的表决结果是11对1，认为男孩有罪，按照法律程序，陪审团必须取得一致的意见，也就是12对0的表决结果才会被法庭所采纳。

首先站出来表态认定孩子无罪的是工程师戴维，由于戴维的坚持和随着对三个关键证据的科学推测，赞成无罪的想法开始在其他11个陪审员之间扩散。对男孩是否有罪的表决也开始出现戏剧性的改变：11vs.1、9vs.3、8vs.4、6vs.6、3vs.9、1vs.11。

影片通过各种不同人生观的冲突，思维方式的较量，产生结果的一一呈现，最后，所有的陪审员都负责任地投出了自己神圣的一票。12个陪审员都达成了一致无罪的意见。

2．影片解读

陪审团中的12个普通人，素不相识，为了一桩杀人案，坐在了一起。他们是被司法制度挑选出来组成这个案件的陪审团的，他们要决定另一个人的命运。他们本来不懂法律，是在法律强加的义务下而被迫来到法庭的。他们来自不同的家庭，具有不同的生活背景，从事不同的职业，有自身更关心的利益，有不同的人生经验、偏好和性格。

在经过6天枯燥的听审之后，法官对陪审团发布了裁决指示。被告是年仅18岁的男孩，被控在午夜杀害了自己的父亲。法庭上提供的证据极具说服力：居住在对面的妇女透过卧室及飞驶的火车窗户，看到被告举刀杀人；楼下的老人听到被告高喊“我要杀了你”及身体倒地声音，并发现被告跑下楼梯；刺进父亲胸膛的刀子和被告曾经购买的弹簧刀一模一样；而被告声称从午夜11点到凌晨3点之间在看电影的证词极不可信，因为他连刚看过的电影名字也说不出来。

最终他的命运被交到了12位陪审员手中，他们分别是：

1号陪审员，一所高中的球队教练，会议的主持人，负责主持会议并维持秩序。他在整个讨论过程中几乎没有发表任何个人观点，因而也看不出他的想法，但他对整个讨论过程的贡献是功不可没的。正如影片的标题，“12怒汉”，讨论展开后几乎所有人都处于一种愤怒或焦躁不安的状态。在几次讨论可能出现僵局的情况下都是1号陪审员力排众议，让大家按照会议的流程完成了整个讨论。

2号陪审员，是个戴着眼镜，小个子，有些害羞的中年人。第一次作陪审员，是个善良的老好人，在讨论进行时热心地给大家发润喉糖吃。在主角（8号陪审员）开始对证据进行质疑时，他有同感，但没有追随主角对抗其他人的勇气。在讨论中途赞成被告无罪，促成了6比6的平局。

3号陪审员，在影片中大多时候给人留下的印象是一个愤怒的中年人，总是咆哮着要判处被告有罪，是最后一个还坚持被告有罪的人。在他眼中此案证据确凿，他恨不得亲手送被告上电椅，不理解其他人为什么会有质疑。实际上他的结论并不牢固，在讨论中不断地摆立场，认为证人、证物、证言确凿。

其实他自己的儿子未成年时和他打了一架离家出走，影片中也有交代，但直到最后才点明了这一点才是他如此坚持被告有罪的原因。正是有着这样痛苦的过去和不愿承担自己错误的心理，他才把对儿子产生的恨投射到了被告身上，心理学上将此称为“移情”现象。尽管如此，他仍然一直将儿子的照片带在身上。当他最后在其他11人的逼视下，咆哮着对照片中的儿子大喊“是你毁掉了你自己的一生”时，他已经认识到这一点，啜泣着说出了“无罪”，给了这场漫长的辩论一个结局，也给了自己爱恨交织的感情一个了结。

4号陪审员，戴着眼镜，是个头发稀疏的中年人，做股票分析工作。自始至终都极为理性与冷静，并自信于自己的智商。比起3号，他才是认为被告有罪的一方中最难以说服的。他始终试图用理性与逻辑证明被告有罪，但在最后9号陪审员指出他和众人都忽略了的关键细节后，他被说服了，同意被告无罪。

他相信自己的智商和理性，在与主角等人的辩论中也始终冷静克制，以理服人，但没想到人非圣贤，孰能无过，他还是忽略了关键的细节。另外在最后10号陪审员发表阶级偏见言论时，其他人都纷纷离席背对以示抗议，只有他坐着听到了最后，并对10号说“闭嘴，然后再也不要说话了”，忍耐力非凡。

5号陪审员，在贫民窟中长大，对自己的出身感到自卑。讨论开始时很少发言，但后来也开始加入讨论，支持无罪的一方，并结合自身的经历提供了许多有价值的信息。

6号陪审员，普通上班族，正义感很强。在讨论最开始陷入僵局时还曾劝说8号，认为他肯定错了，但在看到越来越多可疑之处时也投向了无罪的一方，促成了平局。在3号对9号态度无礼时，他是第一个站出来警告3号的人。

7号陪审员，是个做销售的球迷。他在主角刚开始质疑时是反对最激烈的，因为他买好了晚上的球票准备看球，不想在这里浪费时间。讨论到后来变得越来越不耐烦，局面成为6比6平局时他反而支持无罪一方，只是为了早点结束他认为无聊的讨论。这种只关心自己享乐与利益的人，最终也无法从讨论中得到启迪。

8号陪审员，是影片主角，整个事件是因他而起。一开始其他人都认为被告有罪，他发出了质疑，将讨论由本来预计5分钟就解决的事拖延了一个小时，动机是认为仅仅5分钟就决定了一个孩子的生死不可接受，必须先谈一谈。

开始，他并没有充分的理由来质疑案件的证据，疑问是在讨论中不断被发现、放大的。正是不能草菅人命的信念，促使他以非凡的勇气，从一开始的1对11，到力争盟友，完成了彻底的逆转。

凶手是不是男孩，从展现出来的证据来看，仍然是存疑的。但“疑罪从无”的精神，可能避免一个悲剧的发生。

9号陪审员，本片最大亮点之一，他观察到的两处细节至关重要：1号证人，在9号陪审员的观察中，“他是个穿破外套的老头，努力掩饰自己的缺点，是个安静、怯懦、不起眼的老头，一辈子一无所成，没人认得他，75年来没人征求过他的意见”。就是这样的老头，在心理上有夸大事实的动机。2号证人，在9号的眼中，“大约是45岁的女士，但很努力让自己看起来像35岁，化妆，染发，穿年轻姑娘才会穿的衣服”。

仿佛9号陪审员的眼睛可以洞察一切，直入人心。他是一个瘦小而精神的老头，在众人中是第一个支持主角的。开始时，主角以1对11，承受着很大的压力，只好提议进行一次投票，若除他以外所有人意见仍不变，那就按有罪处理。这时是9号陪审员在11个人中投出了反对票，使讨论得以进行下去。

结尾的演讲曾提到，对于一个事件的发起来说，第一个支持者非常重要，这标志着从无人支持到有人给力的质变。9号就扮演了这个角色。临近最后，也是他发现了所有人都忽略的一个问题，最终说服了4号。影片最后，众人在雨过天晴后走出法院，9号与8号简单地握手、交换姓名，就彼此致意离去了，君子之交淡如水，莫过于此吧。

10号陪审员，是个怀有阶级偏见的老人。与3号一样，认为被告有罪，只是不停地给结论、摆立场。这种人只能在处于多数优势时强硬，在其处于弱势并需要摆明道理时显得不堪一击，最后发表的阶级偏见言论引来了所有人的厌恶，黯然退出。

11号陪审员，是一位钟表匠，是早期支持主角的人之一。在整个讨论过程中他有两点表现令人印象深刻：一是在7号从认为有罪到认为无罪的改变中被7号无所谓的态度所激怒，正义凛然地质问是不是在拿生命当儿戏，若认为有罪就要坚持下去，而7号在其严厉的质问下也无言以对；二是在众人的争论逐渐向人身攻击演变时，他站出来提醒大家他们所担负的责任，提醒他们采取这样畅所欲言的民主形式正是他们国家强盛的原因。他为讨论的进行发挥了重要的作用。

12号陪审员，是一个开朗健谈的人，戴一副黑框眼镜。开始给人的感觉与7号类似，也对讨论不在意，还在讨论过程中在纸上画棋类游戏打发时间。但在最后质疑逐渐升级，局面渐渐明朗时严肃起来，同意无罪的判断。

这部影片节奏利落，结构紧凑，主题严肃，丝毫没有受到故事场景的局限而显得沉闷，演员们均有精彩的表现，将一个探讨陪审团制度利弊的故事演绎得极具戏剧效果，冲突不断。

影片通过演员的出色表演，折射出人性的高贵、正直，也鞭挞了人性的脆弱和自私。

3．法律文化

影片说明了美国陪审团制度的特点，即：不是证明嫌疑人无罪，而是证明该案证据不够充分，无法定罪。这也是西方法律制度“宁可放走一万，不可错杀一个”的典型例子。

这并不是一部普通的法庭电影或者推理电影，推理只是手段，即使最终他们都同意了无罪，但他们所赞同的也只是存在太多“可能”，没有足够的证据判处那个孩子死刑，而不代表孩子真的没杀人。影片所要探讨的是这种制度的合理性和展现这些制度执行者的人性。

影片的剧本也是影片杰出的关键。编剧瑞吉诺·罗斯在缜密、理性、充满力量的剧作中，提出一个伟大的命题：在民主社会中，人们应当如何行使自己手中的权力？隐藏其后的是更高层面的哲学思考：在艰难的环境下，我们仍应力图保持对生命的尊重。罗斯的剧本，人物刻画饱满，悬念冲突迭起，起先是涓涓细流，中段是波涛汹涌，最后是排山倒海一般的戏剧力量，至今仍有力地“冲击”着半个多世纪后的观众。

4．法理分析

影片中多次提到证据，陪审团的讨论也是围绕着与证据相关的话题展开无罪推断。

证据（evidence）是指依照诉讼规则认定案件事实的依据。证据对于当事人进行诉讼活动、维护自己的合法权益，对于法院查明案件事实、依法正确裁判都具有十分重要的意义。证据是诉讼的核心问题，在任何一起案件的审判过程中，都需要通过证据和证据形成的证据链还原事件的本来面目，依据充足的证据而做出的裁判才有可能是公正的裁判。目前学界对证据制度的研究已经成为一门专门科目，称为证据学或证据法学。

在影片的案件中，缺乏有力的直接证据给判案带来了一些麻烦，但是陪审团对间接证据的分析最后使被告人起死回生。

直接证据和间接证据：证明案件真实情况的一切事实，都是证据。一起案件中的证据有很多，所谓间接证据，就是指本身不能直接证明案件的主要事实，而需要同其他证据结合起来才能证明案件主要事实的证据。单独一个间接证据不能直接证明案件的主要事实，它只有同其他证据结合起来才能证明主要事实。间接证据具有依赖性、关联性，间接证据对案件主要事实的证明方法是推断，同时间接证据具有排他性。

对刑事诉讼中的间接证据的审查判断，应从三方面进行。

一查物证的来源是否合法，其外形属性等特征是否与案件事实有联系，看有无假冒和伪造的情况。

二查证人的品质，与犯罪嫌疑人的关系及其他客观条件，看是否出于不良动机或受其他影响，使提供的证言失实。

三查鉴定材料是否可靠，鉴定人是否有一定的专业知识和资格，看鉴定结论是否准确可信。对证据进行综合分析，应把握以下两个方面：一是综合审查证据，正确排除矛盾；二是推断要符合逻辑和情理。

在理解直接证据与间接证据的分类标准时，要注意几个问题。

第一，分类的范围内只涉及证明案件主要事实的证据。

第二，所谓案件主要事实的两个方面，是对于肯定意义上的直接证据而言；而否定性直接证据则不然，只要能据以否定其中任何一个方面的内容，就是直接证据。

第三，直接证据与间接证据都可以是原始证据或是传来证据，其划分同证据是否直接来源于案件事实无关。

直接证据对案件主要事实的证明方法简单，无须经过复杂的推理过程，其在诉讼中的证明作用是显而易见的。但是必须强调，直接证据也必须依赖于其他证据查证属实，才能作为定案根据。此外，由于其证明的范围不同，认定案件时必须将其与其他证据相结合进行综合审查判定。特别是在刑事诉讼中，法律明确规定：“只有被告人陈述，没有其他证据的，不能认定被告人有罪和处以刑罚。”

间接证据的主要特点是不能独自证明案件主要事实，因此，任何间接证据都必须与其他证据相结合才能证明案件主要事实。而且，间接证据与案件主要事实的关联方式往往是间接的，用于证明案件主要事实必须经过逻辑推理。在特定条件下，可以完全依靠间接证据判明案件真相。我国《刑事诉讼法》第46条规定，只有被告人陈述，没有其他证据的，不能认定被告人有罪和处以刑罚；没有被告人陈述，证据充分确凿的，可以认定被告人有罪和处以刑罚。

在影片中，陪审团在案件的审判中起到了决定性的作用。这和美国实行的陪审制度是分不开的。

（1）陪审制度

陪审制度就是以英美为代表的国家机关吸收一定数量的普通公民参加刑事案件和民事案件的审判的一种制度，一般采取大陪审团（grand jury）和小陪审团（petty jury）两种形式。

大陪审团一般只运用于刑事案件，通常由23名陪审员组成（美国联邦诉讼规则规定，可以低于12人，但不能低于6人），职责主要是在庭审前，确定被告是否有犯罪嫌疑和是否提起公诉。所以大陪审团应当对检察官提出的被告人的罪证是否成立进行审查，而且这种审查是在被告人和其他律师不出席的情况下做出的。审查后，按照多数表决的原则裁定检察官控告的证据是否成立或不足，从而决定案件是否起诉。

小陪审团一般由若干陪审员组成，法国是9人，英国为8人，美国为6～7人，职责是听取庭审，查看证据，然后进行评议，就案件的事实部分进行裁决。

（2）陪审员

陪审员要有一定的资格条件，这是世界各国特别是西方国家的通例。如在英国，根据1974年《陪审团法》的规定，凡在议会或地方选举中登记为选民，年龄18岁至65岁，自13岁起在英国居住5年以上，没有因犯罪被剥夺审判权或因职业限制不得参加陪审的男女，可担任陪审员。

美国的联邦法院和各州法院的规定不同，但一般是从陪审员的国籍、年龄、住所、交流能力、有没有重罪前科和职业的性质等几个方面进行限定，比如审判时未满18周岁，不在本地居住，不通晓英语，听力有缺陷或者有犯罪前科等，都没有资格当陪审员。

像律师、法官、医生、消防队员、教师和政府官员也不能充当陪审员。做出如此规定，原因之一是不能允许少数专业人员的垄断，而由一部分公民以普通人的情感、常识和判断力参与司法活动；原因之二是陪审员一旦设定，往往是强制性的，对于一定社会职业人员，例如消防队员等特殊职业群体，当他们担负的社会责任比参与审判更加重大时，也会把他们同时排除在外。

对于陪审员的选择也有严格的规则限制。美国的刑事诉讼规则中规定，陪审员一般从选民登记名单或者驾驶执照持有者名单中挑选产生，也有的从电话簿或报税单上挑选。挑选的原始名单一般包括80%的地区人口，有时甚至达到了90%。通常由书记员采取随机抽签的形式挑选。初选出来的陪审员一般为20人，重大案件可达40～50人；初选者将得到法院的发函通知或传票，并被要求提供其基本情况；拒绝陪审义务者将受到惩罚。

（3）陪审团的审判规则

美国的刑事程序的基础是美国宪法，陪审制度上升为宪法的一项原则，美国宪法第五修正案规定：“无论何人，除非根据大陪审团的报告或起诉书，不受死罪或其他重罪的审判……”

第六修正案：“在一切刑事诉讼中，被告有权由犯罪行为发生地的州和地区的公正陪审团予以迅速和公开的审判……”

第七修正案：“在习惯法的诉讼中，其争执价额超过二十美元，由陪审团审判的权力应受到保护。由陪审团裁决的事实，合众国的任何法院除非按照习惯法规则，不得重新审查。”

《美国联邦民事诉讼规则》第6章第38条规定：“要求陪审团审判的权力”共包括权利保障、要求、争点的确定、放弃、海事和海上请求5款内容。第47条规定：“选定陪审成员”，包括对陪审团人员的询问、强制回避、免除3款内容。第48条规定：陪审团成员人数——参与裁决。第51条：对陪审团的指示：异议。

（4）不适用范围

陪审团审理的多为比较严重的刑事案件，普通的刑事和民事案件一般不适用陪审团制度。陪审团审理要耗费大量的人力、物力，程序复杂烦琐，审理时间冗长拖沓，不利于纠纷迅速及时地解决。同时由于陪审员不具备法律专业知识，无法保证他们对证据和事实的认定能够符合法律的规定和精神，因此，关于陪审团的存废问题，一直是英美法等国家争论激烈的话题。

以后的趋势可能是：对陪审团审理案件的适用条件加以严格限制，以保证这种有限的司法资源在最需要它的地方发挥作用。

值得注意的是，在政府对陪审团保护不利的情况下，很容易发生陪审员被买通或被威胁的事件，影响判断的完全公正、客观。

三 《奇异博士》（2016年）

导演：斯科特·德瑞克森

编剧：史蒂夫·迪特寇、托马斯·迪恩·唐纳利、斯坦·李、乔·斯派茨、约书亚·奥本海默

主演：本尼迪克特·康伯巴奇、蒂尔达·斯文顿、麦斯·米科尔森、切瓦特·埃加福特、瑞秋·麦克亚当斯

类型：动作、科幻、奇幻、冒险

制片国家：美国

片长：115分钟

上映日期：2016年11月4日

1．影片介绍

《奇异博士》（Doctor Strange）是一部带有奇幻色彩的影片，讲述了性格高傲的神经外科手术专家史蒂芬·斯特兰奇（本尼迪克特·康伯巴奇饰）事业有成，在遭遇一次车祸之后，双手无法掌控手术刀，不能继续医生的职业生涯。一次，他无意中发现一个受到重创恢复神速的人，这让他看到了希望。为了治伤，他远赴异域尼泊尔学习神秘的玄学，历经千辛万苦，见到了古一法师（蒂尔达·斯文顿饰），开启了他拜师学艺的生涯。史蒂芬·斯特兰奇把自己曾经的自负抛在了一边，开始接触和学习鲜为人知的玄学以及多维空间世界的学问。

在纽约的格林威治村，变身奇异博士的斯特兰奇，无形中成为现实世界和多维空间的中间人，他利用超自然能力和神器来保护世界，还要与力量强大、党羽众多的卡西利亚斯（麦斯·米科尔森饰）一决高下，来拯救即将崩塌的多维世界。影片中设计了以下一些角色。

史蒂芬·斯特兰奇（奇异博士）：原是一位知名的外科医生，凭借高超的医术被外界誉为上帝对手术界的恩赐，不料在一场车祸中，他的双手粉碎性骨折，无法拿起手术刀。为了寻找良方，他走遍世界，最终，他在尼泊尔喜马拉雅山遇见了古一，被其收为弟子，开始学习神秘的咒术与魔法。史蒂芬·斯特兰奇历经磨炼，最终成为一代至尊大法师——奇异博士。

古一、远古者（至尊魔法师）：一位隐居的大师，在卡玛塔泽被毁后，她开始了自己的游历，在获得维山蒂之书和阿戈摩托之眼后，通过维山蒂试炼成为至尊法师，在喜马拉雅山建庙收徒。当遇见史蒂芬·斯特兰奇后，这位久经风雨的圣人看到了他身上的潜能，向他传授衣钵；在与强敌决战时，大师牺牲性命，帮他制服敌人。

卡尔·莫度（莫度男爵）：奇异博士的大师兄，在拜师学艺的道路上，他偏离了正道，投向邪神多玛姆修炼黑魔法。看着师傅打算把奇异博士培养成至尊法师接班人，他心生嫉妒，欺师灭祖，被奇异博士和古一联手挫败后，莫度男爵被清理出门户，从此成为奇异博士一生的死对头（这些是后话）。

克丽斯汀·帕尔默：医术高明的外科创伤医生，是斯特兰奇医生的同事兼朋友。当斯特兰奇双手失去功能后，两人的关系急转直下，克丽斯汀意识到，斯特兰奇必须重新挖掘自身的价值。她未想到有一天斯特兰奇会走上一条非同寻常之路。

卡西利亚斯：莫度男爵的同门师弟，修行的唯一目的就是用魔法救回死去的妻儿。然而在发现白魔法行不通之后，他开始堕入黑魔法深渊，并成立了自己的教团。他们打破时空，盗取了古一封禁的黑魔法古籍，最终被一股强大的力量吸引，万劫不复。这股强大的力量，就是邪神多玛姆。

王：是卡玛泰姬收藏大量神秘图书的图书馆管理员，他不仅要决定谁才值得翻阅古一法师的私人藏书，还要防止神圣的咒语落入邪恶人之手。王为人谦逊、安静，也从不犯错。奇异博士学成下山后，古一将王派往纽约格林威治，让其在至圣所中辅佐奇异博士，两人从此相依为命。

2．影片分析

《奇异博士》是漫威影业出品的电影。影片视觉风格统一，从头至尾，对非物质的存在都有很好的呈现，视觉影像没有脱离故事本身，呈现效果也自然、流畅，建筑物的扭曲、转动和宇宙的奇观，像一只万花筒。

漫威影业作为电影制作发行公司，其专业水准有目共睹，它先后掀起的超级英雄观影狂潮，从最初的《美国队长》 《绿巨人》 《钢铁侠》《蜘蛛侠》《雷神》到《奇异博士》，从单体电影到群体乱斗，都带给观众很好的视觉上的享受，可谓千奇百怪，令业界同行望尘莫及。

2016年，漫威影业的创作内容从变异和科技进入了灵异世界。因为灵异世界不受日常科学的影响，对空间的转换和时间的变化也成为《奇异博士》的最大亮点，不仅带给人们有趣、奇妙、惊险的体验，也促使人们产生对宇宙的哲学思考。

在影片中，奇异博士斯特兰奇的转变是推动整部电影剧情发展的重要元素，影片的主题是：人类最终的目的不只是成就自我，而是拯救更多的人。

影片结尾，是动作戏的高潮，在这段戏里导演以各种方式来利用时间。特效镜头不光给人以视觉上的惊艳，还兼有叙事功能。

《奇异博士》于2015年11月在尼泊尔开机，在伦敦、纽约、香港、加德满都等地拍摄。其中香港街头大战一幕，道路长达180米，搭建时参考了艺术部门在香港搜集到的种种素材，共囊括了35家商店，大战的一场戏，拍摄难度是漫威影业拍摄动作场景中最难的戏之一。这场戏分几个阶段拍摄，摧毁，恢复原样，再逐渐摧毁。为了拍好这场毁灭场景，拍摄中使用了350吨碎石，用了21套场景，包括规模最大的卡玛泰姬庭院及街道，布景面积达1250平方米。

影片的艺术部门对于电影的视觉呈现至关重要，部门中49位员工全速开工，忙于绘画、雕塑、手制模型、3D打印等工作，电影制作过程中，总共创作了近800幅绘画、3000张概念设计图和40套模型。其中，奇异博士的廓形斗篷，在漫威漫画中非常重要，而设计并制作这件斗篷是服装部门最大的工作量，20位工作人员都投身其中，根据拍摄中斗篷有各种不同功用的需求，最终做了18件斗篷。电影中，至圣所的地址——布里克大街177A号，是虚构的地址，5位艺术家花了大概10个月时间，才确定了至圣所大厅的设计和细节。

3．法律文化

影片讲述的是一个远离尘世、不受法律约束的空间发生的故事。

在科幻和魔幻之间存在着一条模糊地带，在迷信与科学之间也存在着巨大的鸿沟，很多江湖术士喜欢在科学与迷信之间构建一座摇摇欲坠的桥梁，希望通过这座桥梁，把迷信与科学绑在一起。那些神秘文化推崇者、不可知论者、虔诚的宗教徒、沉溺于迷信的享受精神世界快感的人，填补了科学与未知之间巨大的空白地段，构成了一个几乎无人监管的阴阳界。

在这里，他们呼风唤雨，拉帮结派，妄图打通人界、神界和灵异界之间的坚固壁垒，并在三界之间自由穿梭，让精神获得最大程度的解放。在古老信仰与魔障的控制之下，他们乐此不疲，前赴后继，坚信这种虔诚既能延年益寿，也能超越肉体。

世界知名魔术师大卫·科波菲尔通过高科技手段将一架飞机隐形，那是用障眼法做到的。

东方的神秘文化对西方人有很强的吸引力，在印度当地和喜马拉雅山脚下，也流传着很多荒诞不经的神奇传说，比如修士悬空漂浮、隔空取物等。神秘文化欣赏一下还可以，但是不能当真。

奇异博士，在现实世界，他是一名残疾人；在灵界，他是功力强大的英勇战士，可以上天入地，随时改变物体形状，获得了非同一般的超能力，不但战胜了身体缺陷，还承担起了拯救世界的重任。这是幻想，同样也不能当真。

四 《碟中谍：幽灵协议》（2011年）

导演：布拉德·伯德

编剧：Josh Appelbaum、André Nemec、布鲁斯·盖勒

主演：汤姆·克鲁斯、杰瑞米·雷纳、西蒙·佩吉、宝拉·巴顿、乔什·哈洛威

类型：动作、惊悚、犯罪、冒险

制片国家：美国

语言：英语、俄语、阿拉伯语

片长：133分钟

上映日期：2011年12月21日（美国）

1．影片介绍

影片《碟中谍：幽灵协议》（Mission Impossible: Ghost Protocol）讲述了俄罗斯克里姆林宫被炸，特工伊桑·亨特所在的小组被迫解散，他们必须设法洗去在克里姆林宫爆炸事件中的嫌疑，并阻止俄美战争的爆发的故事。

影片开始，特工汉纳威（乔什·哈洛威饰）在执行任务时遇害，核机密文件被女杀手莫伦（蕾雅·赛杜饰）截获。为了找回文件，特工班吉（西蒙·佩吉饰）和特工简（宝拉·巴顿饰）从俄罗斯监狱救出了伊桑·亨特（汤姆·克鲁斯饰）。他们接收的幽灵协议任务便是从克里姆林宫盗取核军事设施的密码。

当他们接近目标时，他们发现恐怖分子亨德里克斯（迈克尔·恩奎斯特饰）已捷足先登，抢走了核密码，并引爆炸弹，嫁祸他们。

俄罗斯政府随即宣布，这起袭击已经超越了一般的恐怖袭击的范畴，是“战争挑衅”行为。俄罗斯政府的这番论调让它的对头美国政府如坐针毡。

在爆炸中，亨特被炸晕，遭到逮捕，受困于医院中，脱险之后逃出，又遭俄特工追捕，幸好他身手矫捷，才化险为夷。不过，亨特的上司遭枪击丧生，只剩下其助手布兰德（杰瑞米·雷纳饰）与亨特死里逃生，还有班吉和简。亨特的上司在死前，给亨特布置了执行“幽灵协议”的秘密计划，没有官方记录和支持、没有后援，亨特只能依靠自己的力量来完成任务。

他们四个人开始了最后一搏，从迪拜到印度，他们出生入死，与恐怖分子斗智斗勇，力挽狂澜，完成了不可能完成的任务，阻止了美俄之间的核战争爆发，洗刷了克里姆林宫爆炸的嫌疑。

2．影片分析

《碟中谍》系列电影，从1996年第一部上映到2015年，已有5部上映，其中以第四部口碑最佳。在这个系列中主角都是由汤姆·克鲁斯扮演，他扮演的角色带领手下特工，完成了一个又一个不可能完成的任务。在这个系列的第二部，影片起用了中国香港导演吴宇森执导，吴宇森在第二部中，引进了易容的面膜元素，以后这个元素一直在这个系列的影片中被沿用、保留了下来。

影片《碟中谍：幽灵协议》延续了《碟中谍》系列的风格，即男主人公亨特一次次地借助高科技来完成看似“不可能”的任务，由此也带来了一场场紧张、刺激的动作戏。开场时的越狱、在迪拜的沙尘暴中的追车戏，都十分扣人心弦。影片还采用了IMAX技术手段摄制了部分场景，即亨特在迪拜高楼跳楼的那一段，这也是影片的高潮段落，汤姆·克鲁斯亲自上阵勇攀世界第一高塔——迪拜哈利法塔，新技术使这段戏精彩万分，银幕内徒手攀岩，意外不断；银幕外观众紧张不已，尖叫连连。而动画导演布拉德·伯德和英国喜剧演员西蒙·佩吉的加入也为影片增添了不少幽默元素。

特工团队的各种高科技装备也让人大开眼界。近距离模拟场景、换肤、磁力手套、眼球加膜控制打印机等都别出心裁。

该片的拍摄地点在俄罗斯、迪拜、印度、美国辗转，好似一条热门的旅游线路，风光无限。影片走的是成熟精英团队路线，以汤姆·克鲁斯为中心的一众特工，向人们展示了出神入化的绝技，这支时尚的特工队伍还展现了独特的品位与魅力，各种高级跑车、西装、女士套装、晚礼服一起亮相银幕。

3．法律文化

影片打的是情报战，维护的是国家利益，阻止的是核战争的爆发。敌人是恐怖分子。

情报战：围绕获取和运用情报而展开的斗争，又称情报作战。狭义的情报战是指敌我双方为获取对方情报和防御对方搜集情报而进行的各种对抗活动。

一般来说，情报战是指某个国家、集团为了满足某些利益或政治驱动，特别是以战争为目的，采取各种手段，有意识、有目的地搜集、窃取和控制、利用对方的有关情报，同时防止对方的类似行动，削弱或摧毁敌方情报侦察能力，影响、制止或改变敌方决策而展开的对抗和斗争，是现代化战争中一种非常重要的作战方式。

五 《黑皮书》（2006年）

导演：保罗·范霍文

编剧：杰拉德·索特曼

制片人：杰隆·贝克

类型：惊悚、战争、剧情

主演：卡里斯·范·侯登、赛巴斯汀·柯赫、汤姆·霍夫曼

片长：145分钟

上映日期：2006年9月14日（荷兰）

出品公司：索尼经典

制片国家：德国、荷兰

1．影片介绍

影片《黑皮书》（Zwartboek）讲述了一位大屠杀中的幸存者、犹太女歌手加入抵抗组织，利用美貌获得德军机密情报、营救被俘的抵抗组织战士的故事。

二战快要结束时，荷兰战场上的幸存者、德国犹太女孩瑞秋（Rache，卡里斯·范·侯登饰）加入了荷兰地下抵抗组织，想找出组织内部的叛徒，她家所有人由于此人的出卖被害。

瑞秋进入德国队伍当中，化名爱丽丝（Ellis），以便和德国人相处。德国军官蒙茨（赛巴斯汀·柯赫饰）对爱丽丝很好，为她安排了工作。

荷兰抵抗组织要营救被俘的自己人，让爱丽丝帮助，计划被叛徒得知，行动失败。德军方面与荷兰抵抗组织都把她视为敌人，使她陷入绝境。一直爱护她的蒙茨与她一起逃离，并设法躲起来，以等待战争的结束。

战争结束了，却没有给爱丽丝带来自由，因为每一个幸存者在一定程度上都是有罪的，而她必须找出那个叛徒。

导演保罗·范霍文和编剧杰拉德·索特曼为了这部影片，共同构思筹备了近20年。该片在某种程度上融入了导演保罗·范霍文的亲身经历。影片是导演1983年离开家乡荷兰后拍的第一部德语电影，拍摄地选在荷兰海牙和鹿特丹东部，演员和工作人员也都是荷兰人。影片中的歌曲都由主演卡里斯·范·侯登演唱。

影片投资1600万美元，是荷兰历史上投资最大的影片。拍摄中由于资金没有到位，几乎陷于停机，直到2005年注资完成，拍摄工作才得以继续进行。

由于拍摄时间超过了预期，本该出现在一出舞台剧上的卡里斯·范·侯登不得不在电影制作现场工作，剧院将《黑皮书》的制作公司告上了法庭。

2．影片解读

人往往在诱惑面前暴露其最本质的属性，而战争和死亡毫无疑问就是丈量其深浅的尺度，二战法西斯的所作所为，是人类史上最令人痛心疾首的篇章。

二战期间，德国军队惨无人道，在对犹太人进行疯狂屠杀的同时，还对其财富虎视眈眈。他们对有钱的犹太人采取实名登记，目的就是想如何将他们消灭掉，然后将其钱财收入囊中。没有人性的掠取，是侵略者最险恶的用心。

《黑皮书》向我们再现的就是这样真实的丑恶行径。

《黑皮书》中的主人公瑞秋是犹太魅力女性，她穿越死亡的边缘，历经艰难万险，见证了战争带给犹太人巨大的伤害以及他们的财富是如何落到丑恶的德国和荷兰恶人手上的。

在我国也同样有过此类的劫难，英法联军火烧圆明园就是一次变相的掠夺财富；日本侵略者在侵华战争中对东北的资源进行了疯狂的掠夺；等等。所以战争不仅仅是武力的威慑，更是对人性的蹂躏和对财富的劫掠。

《黑皮书》在揭露和痛斥人性险恶方面，十分深刻。剧中反面角色汉斯混入荷兰游击队中，掌握、摸清有钱犹太人的底细，他不能明目张胆地抢劫，就和德国军官们狼狈为奸，借机逐一地消灭他们，然后侵吞瓜分犹太人的财富。

汉斯犹如我们抗日战争中的汉奸角色，且比汉奸更隐蔽、凶狠，是荷兰游击队中的败类和叛徒。瑞秋一直没有发现汉斯的真实身份，还当他是真正的勇士。瑞秋一家的惨死也与他有关，游击队负责人葛本的儿子蒂姆由于汉斯的告密，被德国军队抓获，牺牲了年轻的生命。汉斯是一个罪恶累累的人。

瑞秋发现汉斯的真面目已是二战结束以后，当时成为军官的汉斯发现了被凌辱的瑞秋，将她救出，目的是要神不知、鬼不觉地让她死去。

他试图给瑞秋注射过量的胰岛素，被瑞秋机智地逃脱了。瑞秋手里拿着律师斯马尔的黑皮笔记本，最终她发现是汉斯出卖了地下组织。看了黑皮笔记，误解瑞秋的葛本因此也醒悟了过来，他与瑞秋联手处决了汉斯，为众多死去的犹太人报了仇。

该片在剧情上预设了伏笔，如果不是战争结束，如果瑞秋不巧遇汉斯，秘密可能会被永久隐匿。所幸的是这个藏有重要秘密的黑皮笔记本被瑞秋意外截获。

每一个民族都有败类，而汉斯伪装得非常高明。他作为一个荷兰人，出卖自己的同胞，给德国人当走狗，对知情者绝不手软，可惜他遇到的是瑞秋这样的“好猎手”。

瑞秋这个美丽的犹太歌星，坚强勇敢，散发着女性独特的魅力。失去亲人的打击没有让她沉沦，她反而坚强地成为波兰游击队的一员。在执行任务的过程中，她的美丽动人打动了德国军官蒙茨，接近蒙茨后，瑞秋成功地将窃听器藏入德军军官富兰肯的壁画中，窃取情报。

瑞秋和蒙茨被富兰肯出卖，二人双双被抓，后被蒙茨身边的军官救出，逃离了德军军营。蒙茨也有痛失亲人的经历，他愿意和律师斯马尔谈判，不再随便枪杀荷兰人，蒙茨的行为，激怒了他的上司富兰肯，最终被这个上司枪决，因为这违背了法西斯的宗旨。当瑞秋听到蒙茨被枪决时，瑞秋真情流露，爆发撕心裂肺的哭声。战争夺走了瑞秋身边一个个最爱的人。

当初瑞秋搭讪蒙茨，并坠入情网，原动力是想复仇，为自己的家人和更多的同胞，后来她付出了真情。导演赋予瑞秋万种风情的魅力，而这个角色，也成为点亮这部影片的重要元素之一。

瑞秋顽强的精神，在战后继续有所体现，她改名换姓离开荷兰，在以色列安家，成为一名老师，并且养育了两个儿子，她开始了新生活。

影片采取顺叙和倒叙相结合的手法，以瑞秋的记忆为突破口，她在农场意外和曾在德国军营工作的罗妮相遇，一段充满坎坷、屈辱的故事拉开序幕，且首尾呼应，在现在和过去的比较中，作品表达了和平珍贵的理念。

《黑皮书》延续了导演人文关怀和惊悚悬疑气氛并重的电影风格，影片区别于战争题材的控诉反思片，从特定人群着手，还原被忽视的历史真相。

影片情节紧张刺激，绝不庸俗与肤浅。在影片即将结尾的时候，关键词“黑皮书”才出现，破解迷雾、点亮主题。间谍、情色、悬疑、动作等，保罗·范霍文把所能呈现的剧情线索在影片中恰到好处地表现出来，让观众在观影中感受到惊险、刺激，不沉闷，却惊艳，成功完成了一个犹太女人的史诗叙述。该片获得威尼斯电影节最佳影片、最佳导演和最佳女主演的提名。

3．法理分析

影片讲述的是二战期间德国法西斯及其帮凶对荷兰人民犯下的不可饶恕的罪行。战后，国际法庭对其罪恶行径进行开庭审判，但是，法西斯对人们造成巨大伤害，仅仅通过法庭审判对其裁决还远远不够。下面对一些词条的解释，有助于我们加深对战争罪的认识，同时珍惜我们现在来之不易的和平。

战争罪：指违反战争法规或惯例的罪行。这种违反包括谋杀、为奴役或为其他目的而虐待或放逐占领地平民、谋杀或虐待战俘、杀害人质、掠夺公私财产、毁灭城镇或乡村或基于非军事必要之破坏，但不以此为限。

战争犯罪的主体往往是以国家及国家机构或某团体和组织的名义实施的犯罪。

依照以上各条，仅从《黑皮书》这部影片中反映的内容可以看出，德国法西斯对荷兰人民所犯的战争罪，几乎涵盖了所有条目，德国法西斯在二战期间，在占领国中的作为，可谓肆无忌惮，丧心病狂，罪恶滔天。

下面是一些著名的阐述战争法和战争罪的国际条约和国际战争罪的审判：

《海牙公约》是于1899年和1907年在荷兰海牙的第一次和第二次和平会议上达成的国际条约。加上1864年和1949年日内瓦公约，这些条约是现世国际法诞生初期的第一批正式阐述战争法和战争罪的条约。

《日内瓦公约》是1864年至1949年通过的4部相关条约的总称，在作战行为方面代表了国际法的法律基础。截至2007年，共有194个国家和地区以不同的方式成为《日内瓦公约》的缔约方，但也有一些签署国常常违反《日内瓦公约》的规定，或利用法律规定的模棱两可之处，或通过政治斡旋来规避法律程序和原则。

莱比锡战争罪审判：德意志帝国最高法院于1921年对数名第一次世界大战中的德国军官进行了战争罪的审判。

1945年纽伦堡审判：以1945年8月8日《纽伦堡法庭宪章》中的定义为基础，战争罪的现代理念在纽伦堡审判中得到了进一步发展（参见纽伦堡原则）。除了战争罪，《纽伦堡法庭宪章》还定义了反和平罪和危害人类罪，这两种罪行也常常发生在战争期间并与战争罪同时出现。

1946年远东国际军事法庭：1946年5月3日，东京战争罪法庭（通称为东京审判）开庭审判日本帝国领导人在第二次世界大战期间所犯下的三种罪行：A级（反和平罪）, B级（战争罪）和C级（危害人类罪）罪行。

在中国抗日战争时期，日军也在中国犯下了大量不可饶恕的战争罪行，如南京大屠杀、实行“三光”政策等。

4．法律文化

第二次世界大战从1939年9月1日至1945年9月2日整整持续了16年。是以德意志第三帝国、意大利王国、日本帝国三个法西斯轴心国和匈牙利王国、罗马尼亚王国、保加利亚王国等仆从国为一方，以反法西斯同盟和全世界反法西斯力量为另一方进行的第二次全球规模的战争。

从欧洲到亚洲，从大西洋到太平洋，先后有61个国家和地区、20亿以上的人口被卷入战争，作战区域面积达2200万平方千米。据不完全统计，战争中军民共伤亡9000余万人，4万多亿美元付诸流水。

第二次世界大战最后以美国、苏联、英国、中国等反法西斯国家和世界人民战胜法西斯侵略者、赢得世界和平与进步而告终。

第二次世界大战是由德意志第三帝国、意大利王国、日本法西斯挑起的，它给整个人类造成了极大的灾难。作为对战争负有不可推卸责任的德日两国能否对战争进行深刻的反省，是它们能否为深受战争之苦的世界人民所宽恕，并从而成为政治大国的重要条件。当欧洲国家决心翻过那一页黑暗历史时，历史问题却仍然深深困扰着亚洲国家。

第二次世界大战后，德日在对待这一历史问题上采取了截然不同的态度：德国建立了反省战争的系统机制，对战争进行了彻底的反省；日本却百般抵赖，自战争结束以来竭力否认其对外战争的侵略性质，歪曲给被侵略国及其人民造成的惨重灾难的历史事实。

尤其是近几年来，日本美化其对外战争，为其对外侵略战争翻案的议论甚嚣尘上，上至日本首相、内阁官员及参众两院议员，下至数目众多的民间组织、民间团体乃至个人，掀起了这场美化侵略战争的运动，日本这一举动引起了世界尤其是深受日本侵略之苦的亚洲各国的警觉和强烈的反对。

第二次世界大战深刻地改变了人类历史。其影响广泛地涉及政治、经济、军事、外交、文化和科技各个层面。以军事科技的发展为中介，人类的智慧与自然界的能量完美地结合在一起，被极大地释放出来，战争的破坏力空前增大、战争手段空前增多、战争样式空前丰富、战争空间空前广阔。人类的战争活动自此由盲目走向自觉、由浮躁走向理智、由幼稚走向成熟，进入一个新的历史阶段。

六 《律政俏佳人》（2001年）

导演：罗伯特·路克蒂克

编剧：凯伦·麦考拉、凯伦·麦卡勒、克尔斯滕·史密斯

主演：瑞茜·威瑟斯彭、卢克·威尔逊、塞尔玛·布莱尔、马修·戴维斯、维克多·加博

类型：喜剧/爱情

制片国家：美国

片长：96分钟

上映日期：2001年7月13日（美国）

1．影片介绍

影片《律政俏佳人》（Legally Blonde）的主角艾丽·伍兹（瑞茜·威瑟斯彭饰）是一个金发美女，也是学校妇女联合会的主席，风光无限。她的男友沃纳（马修·戴维斯饰）条件不错，拥有富贵的出身和出众的外表，两人十分般配。

但沃纳未曾打算娶艾丽为妻，理由是她太漂亮了。沃纳来自美国东海岸一个精英家庭，从小接受的理念是：头发黄，见识短，金发美女，头脑空空。

大学毕业后，沃纳考取了哈佛法学院，把艾丽给甩了，沃纳与过去预科时的女友重修旧好。

艾丽不甘心失败，要证明给沃纳看，自己不但美貌，而且有智慧。她刻苦学习，也考入了哈佛法学院。这里，没有游泳池，也没有商场，艾丽不能靠美貌混日子，为了心上人，为了所有被蔑视的金发美女，她开始奋斗。

艾丽在哈佛的第一堂课遭遇了灾难——因为没有为要上的课程做准备，被严格的女教授勒令离开教室，经过这次教训后，艾丽开始投入学习中，渐渐地，她在哈佛法学院，靠着自己的努力和智慧干出了一番事业，并收获了甜美爱情与友情。

2．影片分析

影片的全名是《律政俏佳人：红、白和金发》，红和白是美国国旗上的颜色，影片在7月中旬上映，意在打爱国主义的牌。

美国民众对国内政治的热情远高过对国际政治的热情，自己的政府是怎么回事，作为纳税人都愿意知道。影片内容涉及华盛顿和国会，制作方希望观众以此对华盛顿感兴趣。从美国学术重镇哈佛到国家的政治中心华盛顿，《律政俏佳人》的背景有些分量。

在这样的背景下进行娱乐，也算另辟蹊径。影片开辟的是给金发美女翻案，同时融入大量时尚元素，引人注目。影片的重点不在男女浪漫情缘上，而是艾丽挖掘自身潜力，用实力证明自己能力的成长过程。

艾丽无疑是优秀律师的榜样，她的成功不仅在法庭上，还有她展现的个人价值，以及她身上热情、聪明和善良的品质。她关心他人，为他们解决问题，无论对方的地位如何，这也是律师专业人员应具有的品德，影片中艾丽有多处表现了这种仁爱。片中为艾丽引路的老守门人西德尼，由美国老牌电视喜剧明星鲍伯·纽哈特扮演。他在美国是位传奇人物，年过七旬，在影片中以艾丽的政治事务导师（业余的）的形象出现。

3．法律文化

哈佛大学招生委员会录取艾丽，是因为作为一个时尚的成年人，艾丽很好地展现了“多样性”，这位不是少数民族、富有的白人进入了法学院，在传统上法学院被视作“男人的天下”，而律师的成功也往往取决于具有男性特征的法庭内外的竞争力等。

影片《律政俏佳人》表明，除了男人之外，女性也能依靠自身的经验和能力，在律师行当取得成功，她们可以与男性在职业生涯中形成互补，打破僵局，赢得官司。

《律政俏佳人》选用瑞茜作女主角，是因为她既有梅格·瑞安的可爱，让人想亲近，又有朱迪·福斯特的睿智和看待世界的严肃态度，从而将“女强人”形象软化，使艾丽的形象同时合乎男女观众的口味，并用喜剧效果，而不是用戏剧冲突的手法来强化这些元素，这是影片值得肯定的地方。

七 《生命的证据》（2000年）

导演：泰勒·海克福德

编剧：托尼·吉尔罗伊

主演：梅格·瑞恩、拉塞尔·克罗、大卫·摩斯、帕梅拉·里德、大卫·卡罗素

类型：剧情、动作、惊悚、冒险

制片国家：美国

语言：英语、西班牙语、俄语、意大利语、法语

片长：135分钟

上映日期：2000年12月8日

1．影片介绍

影片《生命的证据》（Proof of Life）是一部由21个国家的电影人联合拍摄的国际性影片，讲述的是国际反恐怖组织营救被绑架人质的故事。随着经济的全球化，一些西方国家的不法之徒干起了绑架人质、勒索赎金的营生。

在拉丁美洲某国家任职的美国工程师彼得·鲍曼（大卫·摩斯饰）在上班路上，遭遇当地的一支反政府武装的绑架，一同被绑架的是同一时段途经这条道路的人们。后来叛军们得知了他的真实身份，认为这个美国人是一个有价值的人质，于是开口索要六百万美元的赎金。然而，工程师的美国老板经营状况不佳，公司处在破产的边缘，无力向绑架者提供这笔昂贵的赎金。

在万般无奈之际，彼得的妻子艾丽丝（梅格·瑞恩饰）不得不走上前台，亲自出面为她丈夫四处奔走。她求助于一位专门从事人质危机谈判的专家泰瑞·索恩（拉塞尔·克罗饰），泰瑞在他得力属下迪诺（大卫·卡罗素饰）以及三位受过专门训练的雇佣军成员的全力帮助下，决定采取大胆的举措，营救彼得。

在援救计划的实施过程中，泰瑞与艾丽丝之间萌发爱意，使这个美人救夫的故事变得错综复杂。

2．影片分析

一对感情濒临破裂的夫妻，丈夫意外遭绑架，妻子寻求专业人员的营救。影片由家庭、爱情、伦理的矛盾冲突而引发思考。

身为工程师的丈夫彼得·鲍曼到拉丁美洲工作，忙碌的工作使他忽略了妻子的感受，夫妻冲突加剧。而他主持的项目，物资供应不上，工程面临停工，这是遭绑架前彼得的状况。在一家专门处理人质危机公司任职的退伍军人泰瑞·索恩将要营救遭匪徒绑架的彼得时，因彼得所在公司无力支付泰瑞公司的酬劳，营救计划搁浅。

彼得的妻子艾丽丝万念俱灰，决定用自己的方式救回丈夫的性命，但孤身一人在拉美的她，根本无法应付险恶的环境和众多的绑匪。眼看艾丽丝要被骗，面临人财两空，泰瑞因良心不安，决定以个人名义展开救援，他的适时出现，解决了艾丽丝与假意救赎专家间的冲突，避免了艾丽丝损失的产生。

泰瑞是澳洲的退伍军人，他性格坚毅，善于洞察敌人弱点，在过去的9年间，多次处理过棘手的绑架案件，成功地营救出多名身陷险境的人质。在这次与绑匪的交谈中，他发现案件存在诸多蹊跷，幕后主使者的身份不单纯。

而泰瑞和艾丽丝在长时间与绑匪的谈判周旋过程中，产生了互相依靠、彼此信任、似有似无的情愫。在此考验的是主角的道德底线，救人，是出于职责和对艾丽丝的承诺，可是救回人质以后会怎样？

在谈判和营救行动中，任何意外都可能导致人质丧命。影片中，彼得出逃失败，所有人都认为彼得死了，包括艾丽丝，但泰瑞仍能理智分析、处置，得出人质仍然存活的判断，并设法找到知情人证实了这一判断的正确性，这些行为，除了表现了泰瑞的勇气之外，还展现出他一切从大局出发的人格魅力。

早在绑架发生之前，艾丽丝与彼得的婚姻濒临破裂，随后发生的事情令她心力交瘁，泰瑞的出现不仅帮助她解决了生活中的困难，也让她找到了心灵上的依靠，她的心不由自主地向泰瑞靠近，但又充满了罪恶感。

最后问题解决方式似乎很简单，却让人回味。经过一番精心的策划，泰瑞冒着生命危险前往叛军基地，救出了彼得。最后一个镜头拉远时，可以看到泰瑞人性的光辉在无限放大。在这一刻，人们可以发现这部影片的结尾和1998年上映的影片《马语者》的结尾是何其相似，但是这部影片中的主角更具有牺牲精神。

彼得在被劫持后对家庭和人生又有了新感悟，也许，劫后余生的彼得是能带给艾丽丝幸福的人。

影片中的冲突以这样的方式解决，带给人们更多的感悟和思考，毕竟生活不是像表面呈现的那样简单，而理智与人性也是人类生命中值得珍视的财富。

值得一提的是，在泰瑞率领一行雇佣军潜入叛军军营救人质一场戏中，山地丛林作战，营救小组成员互相掩护，配合之默契、点射之精准，营救过程逼真写实，全程实景拍摄，没用特技，成为影片的看点之一。

主角拉塞尔·克罗的表演十分出色，沉稳、内敛、可靠，又不乏智慧和激情，有人称拉塞尔·克罗的崛起是“好莱坞奶油小生横行时代的终结”不无道理，他的坚韧、悍勇，无法不打动观众的心。

3．法律文化

影片讲述在一个家庭即将破碎的时候，一宗绑架发生了，在生死关头，个人幸福暂时被搁置到一边，经历了100多天的磨难与生死考验之后，走出个人生活小圈子的当事人双方对生命的意义又有了新的认识和体悟，夫妻之间的爱有了进一步的升华。

这对夫妻之间发生的故事也给观众带来许多思考，一个家庭的建立需要一定的基础，其中包含丰富的内容和复杂的情感，夫妻间那种相濡以沫的情感是外人无法替代的；除非夫妻双方的感情走到了尽头，轻率地建立与破坏家庭的行为，都是不负责任的。在生活中，夫妻双方都要各有所担当，这样的婚姻才走得长远。

4．法理分析

一个家庭除了需要夫妻感情的维系，也需要法律的保护，这个法律就是婚姻家庭法。

婚姻家庭法，是指调整婚姻家庭关系的法律，此类法律有不同的名称，其含义也不尽相同。我国的婚姻家庭法是规定婚姻家庭关系的发生和终止，以及婚姻家庭主体之间，其他近亲属之间的权利义务的法律规范的总和。婚姻家庭法是民法中的一项基本制度。

新中国婚姻家庭法，从1950年《婚姻法》的初创、20世纪60年代中期至20世纪70年代末的停滞、1980年《婚姻法》的恢复和发展，至20世纪90年代，逐渐形成了以《婚姻法》为主干、以《收养法》和《婚姻登记管理条例》为配套、以其他部门法相关规范和各个不同效力层级的法律渊源为补充的分散化结构态势。

八 《马语者》（1998年）

导演：罗伯特·雷德福

编剧：艾瑞克·罗斯、理查德·拉·格拉文斯

主演：罗伯特·雷德福、克里斯汀·斯科特·托马斯、斯嘉丽·约翰逊

影片分类：伦理（生活）片

影片产地：美国

制片公司：迪斯尼影片公司

影片长度：168分钟

出品年份：1998年

1．影片介绍

影片《马语者》（The Horse Whisperer）讲述了在纽约州北部，一个冬日的早晨，14岁的小姑娘格蕾丝和她的好朋友朱蒂一起骑马漫步在林间。刚下过一场大雪，马儿爬坡时滑倒，她俩连人带马冲到公路上。此时，一辆载重卡车疾驶而来，灾难发生了。

朱蒂和她的马当场毙命，格蕾丝因她的马“朝圣者”的挣扎、跑到路边而保住了性命。但她右腿受伤严重，医生不得不给她做了截肢手术。

格蕾丝的母亲安妮是纽约一家著名杂志的编辑，她与丈夫罗伯特只有格蕾丝一个孩子。她发现，遭遇车祸以后要使女儿的心理恢复正常，首先必须挽救“朝圣者”的生命。它和它的主人一样在精神上都受到重创。

当听说蒙大拿州有一位叫汤姆·布克的人是为马治病的高手后，安妮打电话向他求救，但遭到了对方的拒绝。安妮不肯放弃，她开车，带着格蕾丝和“朝圣者”一起前往蒙大拿州。

汤姆被安妮的诚意和母爱所感动，答应为马治病。汤姆能用特有的语言与马交流，在他的细心照料下，“朝圣者”恢复了活力，格蕾丝也得救了，在汤姆的帮助下，她战胜了悲观与绝望，重新跃上了马背。

安妮为此也付出了代价，她被杂志社解雇了，她与丈夫罗伯特的关系也出现了裂痕。

安妮发现具有非凡人格魅力的汤姆值得她去爱。但是他们又是很不同的人，认清了这一点，安妮最终选择了离开。

2．影片分析

影片画面优美，音效丰富，生活气息浓郁，视听效果极佳。但是观众的内心并不轻松，人们和主人公一起经历了一次心灵历险。

格蕾丝在花季失去了腿，失去了好朋友，心爱的马受重伤，这给她内心造成了很大创伤，如果不能得到及时医治，她的人生很有可能就此毁掉。在去给马治病的路程中，她的表现也足以证明了这一点。

格蕾丝这一角色由斯嘉丽·约翰逊扮演，虽然她和影片中人物的年龄一样大，14岁，但是她9岁就开始从影，而且小有成就，此时的她已是一个有表演经验的演员，对角色的把握很到位，她在此片中的精彩表现受到观众好评。

格蕾丝初遇汤姆时也采用了十分不合作的态度，但是汤姆不像她母亲安妮那样好对付，格蕾丝这次遇到的是一个强大的对手，最终格蕾丝不得不做出退让，与汤姆采取了合作的态度。

汤姆在治疗马的过程中，对格蕾丝的心理也做了成功治疗，让她知道自己还是一个有用的人，慢慢地，格蕾丝恢复了自信，成为一个心理健康的人。

安妮也是一个心理上需要治疗的母亲。她虽然外表坚强，独断专行；但是她的内心很紧张，她的弦始终绷得很紧。在汤姆给格蕾丝治疗马的过程中，她实际上也间接受益，她开始打开心扉，恢复了一颗平常心，人生态度有了改观，变得达观、自信、平和、放松。她和汤姆的感情虽然没有结果，但还是非常美好。

安妮的丈夫也经历了人生历险，正如他自己所说：“发生在马身上的事情，也同样发生在我身上了。”他对这个问题的处理很理智，他是一个心理成熟的人，算得上一个强者。

其实，影片真正讲述的是一个成长的故事。所有的人都有成长，其中还穿插了一个小男孩的成长做陪衬，人物形象丰满。

影片中主人公处理问题的方式给人以启迪。

影片结尾处用了一个航拍远景，并用音乐传递着主人公浓烈的情感，荡气回肠，十分感人，影片也在高潮中结束，达到了余音绕梁的艺术效果。

影片中的乡村音乐也是一大亮点。

3．法律文化

安妮和汤姆最终没有走到一起，原因是多方面的，但是最重要的是，人生在世，人把自己内心的家园看得比实际的家更重，这就是——心灵家园。汤姆在牧场生活惯了，而且他从小就在这样的环境中长大，他离不开牧场，喜欢这里的生活，这里是他的根。

每个人都有心灵家园，这和生活环境有关。汤姆的前妻是个音乐家，她的艺术生命在音乐殿堂。所以她和汤姆分手也是必然的。因为两个人的心灵家园不一样，不在同一个地方。影片中的这段介绍也为安妮与汤姆的命运埋下了伏笔。

正是有了以往的经历，汤姆对此有深刻的认识，他拒绝了安妮，从这一点看，汤姆是真心爱安妮，也完全是为安妮着想。

安妮在大城市长大，过惯了城市生活，她父亲是外交官，与汤姆的文化背景也不一样。所以，安妮的心灵家园和汤姆是不同的。

我们在现实生活中也可以发现一些相似的例子。一些少数民族居民，离开他们世代生活的家园来到城市定居，生活条件比以前好多了，但是他们并不快乐。这是因为对他们而言，他们失去的是心灵的家园，这一点在有文化的人身上反映得特别强烈。

比如，纪录片《神鹿呀，我们的神鹿》 （编导：孙曾日，片长：73分钟，拍摄时间为：1993年1月～1995年6月，中央电视台出品。1997年获十一届“帕尔努”传记片电影节评委会奖）中的主人公——鄂温克族女画家柳芭，大学毕业以后分到了大城市，但是她融不进那里，就回家了。她是属于她们民族的，但是她们民族在政府的动员下迁到城市定居后，进入了汉民族文化圈，文化的不同，造成了她灵魂失去家园的悲剧，最终柳芭在这部纪录片拍完n年后，心情不好，经常喝酒，一次酒后，不慎跌入河中，结束了年轻的生命。

《马语者》通过抚慰、挽救一只极富灵性的动物——马，逐渐揭露了人类的矛盾和人性的弱点。影片诠释出一种哲理：不仅是马类需要马语者，或许，我们人类在这个纷繁复杂的社会中更需要人语者。

影片的男主角罗伯特·雷德福在电影中，将成熟稳重的男主人公这一形象演绎到了极致。从这部电影中，我们既看到了男主人公为人处世的原则，也感悟到人类高尚的境界。影片大气磅礴，不乏深情款款的配乐，烘托出男主人公不可抵挡的人格魅力。

九 《国家公敌》（1998年）

导演：托尼·斯科特

编剧：大卫·马可尼

主演：威尔·史密斯、吉恩·哈克曼、强·沃特、莉莎·博内特、雷吉娜·金

类型：剧情、动作、惊悚

制片国家：美国

片长：132分钟/ 140分钟（加长版）

上映日期：1998年11月20日（美国）

1．影片介绍

影片《国家公敌》（Enemy of the State）中迪恩（威尔·史密斯饰）是一个家庭生活和美、前途一片光明的黑人执业律师。圣诞节前夕，正当他心情愉快地帮太太选购圣诞礼物的时候，偶遇一位久未见面的同学。同学后面有追兵，极度恐慌，央求迪恩救他，仓皇中他拿了迪恩的名片，匆匆地逃跑了。就在他横穿马路时，意外遭遇车祸，当场死亡。

自此，迪恩的生活发生了天翻地覆的变化。

迪恩被莫名卷入一起谋杀案中，因为车祸丧生的同学，将一张记录着一桩国会议员被杀过程的磁盘，放在迪恩的袋子里。当时谋杀国会议员的美国国家安全局的雷诺兹和他的属下，为了取回磁盘，追杀迪恩的同学，他们在车祸现场发现了迪恩的名片后，开始寻找线索跟踪迪恩，他们不惜动用国家资源，采用高科技手段进行卫星监控，企图夺回磁盘，杀人灭口。

家庭、事业与生命受到极大威胁的迪恩，迫于无奈，只得逃亡，只身展开了追查幕后真凶之路。

他唯一的救兵是前安全局探员、对安全局的伎俩一清二楚、知道如何反制的Brill。

2．影片分析

影片故事取材于詹姆斯·班福德（James Bamford）在1983年出版的小说The Puzzle Palace和《巴尔的摩太阳报》在1995年刊登的系列报道。

影片讲述的是国家侵害个人隐私的主题，是人人关心的题材。在众多国家安全局题材的影片中，该片出类拔萃。它的精彩不仅在于威尔·史密斯的表演，更在于无孔不入的科技监控手段。

科技让世界变小了，也把人类的生活变透明了。迪恩等人的出现，轰动了美国国家安全局这所在全球叱咤风云的机构。

从技术层面上看，这部好莱坞动作大片里包含了所有该类型片应有的好莱坞元素：动作、大场面、枪战、高科技、国家安全局、推理、悬疑等，影片节奏感强，虽然知道结局是主角一定脱险，坏人一定被惩处，但心里还是会不时地为迪恩捏一把汗。

3．法律文化

在影片中，迪恩在公共场合给家里打了一个电话，就立刻暴露了他的行踪，这让人不能不佩服美国国家安全局的监控能力，同时不由得对公民的隐私权就这样被任意践踏感到深深的担忧。

在美国这样的事不是孤立出现的。

自从2013年6月初开始，美国前防务承包商雇员爱德华·斯诺登先后通过多家媒体披露美国国家安全局“棱镜”项目等涉及的机密文件，指认美国情报机构多年来在国内外持续监视互联网活动以及通信运营商用户信息。“棱镜门”事件引起国际社会的高度关注，直接波及美俄关系，以及美国与欧盟的关系。

在“棱镜门”事发之前的20多年前，就有涉及公权滥用的小说和系列报道，这说明，在美国公权滥用的情况由来已久。

而《国家公敌》表现公权力量如何被滥用，赋予了影片出色的内容。电影中威尔·史密斯饰演的律师只因一次意外，就成为特权阶级铲除的对象，他为了保全性命，不得不以一己之力对抗政治家调用国家机器的碾压，而这台科技发达的国家机器，正如影片中看见的那样，对公民的生活进行无孔不入的侵犯，随着剧情的推进，影片已不再是一部单纯的动作片，还揭示了导演对未来公民个人隐私被完全暴露于国家机器之下的隐忧。

作为一个国家公民，面对这部1998年的作品，依然感到有震撼人心的力量。人们不禁要问，国家究竟被赋予了多少权力？

4．法理分析

隐私权是指自然人享有的私人生活安宁与私人信息秘密依法受到保护，不被他人非法侵扰、知悉、收集、利用和公开的一种人格权，而且权利主体对他人在何种程度上可以介入自己的私生活，对自己的隐私是否向他人公开以及公开的人群范围和程度等具有决定权。隐私权是一种基本人格权利。

在影片《国家公敌》里，主人公及其家人、朋友不仅丝毫没有个人隐私而言，性命也没有了保障，这是十分可怕的事情，而更可恶的是，对方打着为国家机构办案的幌子不断加害于主人公，把他弄得身败名裂。对于这样滥用公权的国家败类，影片中的主人公进行坚决的反击，并用智慧合法地战胜了强敌。

隐私权是近几年才为大家所熟悉的概念，即便在西方，隐私权这一概念的出现也只有一百多年的历史。

1890年，美国的两位法学家布兰蒂斯和沃伦在哈佛大学《法学评论》上发表了一篇题为《隐私权》的文章，并在该文中使用了“隐私权”一词，被公认为隐私权概念的首次出现。

保护隐私权的法律制度首先是在美国建立起来的。美国先后于1970年制定了《公开签账账单法》, 1974年制定了《隐私权法》《家庭教育及隐私权法》《财务隐私权法》等。随后，其他国家也开始相继在立法中保护隐私权。

在法国，1978年通过了一项有关资料处理的法律规定：资料的处理不得损害个人身份、私人生活以及个人和公众的自由。在德国，二战以后，因为新宪法确立了一般人格权，从而隐私权的地位也逐渐被确立了。德国一般采取判例的形式保护隐私权，其主要法律依据是民法典第12条、第823条、第824条、第825条和宪法第1条、第2条。此外也制定了一些单行法规，如1977年颁布的《联邦数据保护法》等。

隐私权的保护在国际法上也同样受到关注。联合国大会1948年通过的《世界人权宣言》第12条规定：“任何人的私生活、家庭、住宅和通信不得任意干涉，他的荣誉和名誉不得加以攻击。”1966年联合国大会通过的《公民权利和政治权利国际公约》第17条也规定：“刑事审判应该公开进行，但为了保护个人隐私，可以不公开审判。”

十 《王牌对王牌》（1998年）

导演：F．加里·格雷

编剧：詹姆斯·德莫纳克、凯文·福克斯

主演：塞缪尔·杰克逊、凯文·史派西、大卫·摩斯、朗·瑞弗金、保罗·吉亚玛提

类型：剧情、犯罪

制片国家：美国、德国

语言：英语

片长：140分钟

上映日期：1998年7月29日

1．影片介绍

影片《王牌对王牌》（The Negotiator）是改编自美国圣路易斯警察局处理过的一个真实案件。

丹尼·罗曼原是芝加哥警局最顶尖的谈判高手，却陷入了生平最大的困境：他不但无故背负了盗用公款的罪名，还被陷害成为一宗杀警案的头号嫌疑犯，在申诉无门的情况下，丹尼在20层楼高的芝加哥警局总部绑架了一群人做人质。

美国霹雳小组的狙击手很快包围了大楼，所有的枪口都瞄准了丹尼，紧张的情势一触即发，昔日的谈判高手，沦落为挟持人质的“歹徒”。

为了在有限的时间内找出真凶，洗刷自己的罪名，丹尼要求和另一管区的谈判专家克里斯·史宾恩谈话。于是，两位谈判专家开始面对面地接触，一场意志的较量开始，人们屏气凝神，等待王牌对王牌的结果。影片节奏紧凑，集结了20世纪90年代好莱坞两大实力派男演员。

本片故事构思最初是由执行制片人罗伯特·斯通和韦伯斯特·斯通兄弟俩提出的。

制作人大卫·郝伯曼被故事中的内在矛盾吸引：为什么一位执法者非要以身试法去证明自己的清白？赫伯曼认为这种情节设置和随之而来的道德困境值得关注，于是请来编剧詹姆斯·德莫纳克和凯文·福克斯创作剧本。两位编剧对影片素材也很感兴趣，其中的凯文·福克斯出身于警察世家，对警察行业非常了解。

阿诺恩·米尔坎的电影公司New Regency决定注资拍摄，并选定由F．加里·格雷担任导演。格雷认为影片故事奇特而新颖，是一部很难界定类型的电影，对他来说，它在剧情和动作方面都达到了极致。

制作人米尔坎说，最有趣的是双方的较量，人质谈判专家必须立即赶到现场，而他根本不了解对手，他必须缩小同罪犯之间的距离，深入对方内心，并能设身处地地体恤对方，从而改变罪犯的行为。

主创人员深信影片故事足以吸引塞缪尔·杰克逊和凯文·史派西加盟。于是他们向两人提出邀请，两位大牌欣然同意出演。

2．影片分析

“双雄对决”一向是影迷喜爱的警匪片元素。影片中两个顶尖谈判专家之间的对决、英雄惺惺相惜的对弈十分吸引人。

在这里我们看到了吴宇森电影风格对好莱坞影片的影响，因为传统的好莱坞这类影片是不涉及感情的。

凯文·史派西与塞缪尔·杰克逊两个人的强强对决，也让观众感受到演员演技的魅力，电影中同是谈判专家的两大演技高手既针锋相对，又相互合作，这种设置，非常精彩。

涉及具体的谈判，不管背景或实质性问题如何，通常有两个要素：必须有共同的利益，必须有冲突的问题。没有共同的利益，便没有任何谈判的目的；没有冲突，则没有任何实质的谈判内容。

谈判本质上讲是涉及多项任务和目标的沟通和互动过程。每一次谈判都存在两个条件：一个是最低条件，这是一方在谈判中不可退让的条件，因此被称为“阻抗点”（Resistance Point）；另一个就是最高条件。

《王牌对王牌》将冲突与利益呈现出来，在谈判中进行问题的解决。

在谈判这条明线的背后，影片深刻地诠释了人性的贪婪与丑陋。然而，邪不胜正，这是影片的主题和价值所在。

丹尼是芝加哥警察局的谈判专家，解救过无数人质，同时也拯救了无数罪犯，影片以丹尼的一次行动为开头，向我们展示了作为一个谈判专家应该具有的良好的心理素质以及丰富的知识。

谈判专家用看似普通聊天的方式，实质上却在争取着解救人质的时间，转移着劫持者的注意力。有时候知识可能成为扭转时局的关键，也可能就此激怒劫持者。

影片中丹尼在与史宾恩的交锋中也谈到了西部片。他们还就片中男主角是否已死争执了一番，其实这也是非正面的交锋；心理素质也是不可缺少的，在千钧一发之际，人的神经高度紧张，这是最考验人心理素质的时候，每一个细小的失误都有可能触发劫持者的神经，酿成大祸。

谈判始于丹尼的劫持，此时他喊道：“I'm not going to jail today! ”这暗示了他的条件。深谙谈判策略的丹尼最终提出了四项条件，其中查明杀人凶手、查明200万美元伤残基金是谁偷走的是丹尼的阻抗点，即还事实一个真相，证明自己的清白。

从谈判手段来说要注意几点。

第一，深谙谈判之道的丹尼要求与史宾恩进行谈判。这是丹尼的策略，因为他知道既然有人能杀了他的朋友也能杀了他，而芝加哥警方早已腐败、黑暗，警局中存在着想要置他于死地的人。正如丹尼所说，选择史宾恩是因为对于史宾恩来说，丹尼是个陌生人，只有这样，谈判才能顺利进行，才有可能取得丹尼想要的结果。

他了解史宾恩曾经有55个小时的不间断谈判经验。拒绝使用武力是另一个原因——保障自己和人质的安全。

第二，通过表达自己与警员的关系博得了警员们的同情。在史宾恩赶路的同时，丹尼再次表明自己想要证明自己清白的强烈愿望与警局内部想置他于死地的现状。这就向这群人施加了压力，他们不敢轻举妄动。这一手段在指挥下令开枪杀掉丹尼时起了作用。尽管狙击手已经掌握了最好的时机，他却并未扣动扳机。

第三，争取舆论的支持，让公众的压力迫使当局无法轻易地干掉丹尼。尽管知道自己在公众面前因莫须有罪名而成为众矢之的，丹尼仍然让人们站在道义与人质的角度上思考。他喊道：“我只需要多一点时间，他们就想杀死我，这就是芝加哥警方解救人质时最大限度保护人质生命的政策！”

第四，找到利益的共同点，必要时进行交换。共同的利益是谈判的必要条件。影片中丹尼与史宾恩的两次正面对峙的几个细节体现出这一点。史宾恩在进入丹尼劫持人质的房间之前下令将暖气关上，迫使丹尼以一个人质交换，并且史宾恩也提出自己的要求——人质安全，否则将终止谈判。两次谈判中，两人的共同利益就是需要谈判这个平台，丹尼需要同史宾恩谈判拖延时间，找出足够的证据证明自己的清白；而史宾恩需要尽全力保障人质的安全。

影片中不断体现的谈判技巧，为影片增色不少，印证了中文译名“王牌对王牌”。电话，在谈判中不仅起着沟通的作用，也成为两人斗志斗勇的平台。丹尼听见史宾恩的手机发出电池不足的声音，知道史宾恩当时还在路上，并未在20分钟内赶到市政大楼，并向史宾恩提出，表示自己有足够的能力拆穿史宾恩的小把戏，起到威慑的作用。丹尼假装杀死攻击他的人，以此威胁暗处的坏人不要以为他不敢杀人。史宾恩在这之后两次挂断电话，而丹尼两次重新打回来，使当时在丹尼一方的优势向史宾恩转移，史宾恩表示丹尼是有求于自己的。

第二次正面交锋中，史宾恩将供电中断，丹尼要求恢复供电，同时要求给人质提供食物和毯子，这时，史宾恩反复问丹尼，是否有求于他，并表示杀了人质并不能对丹尼更有利，同时以自己随时可能中断谈判，让外边的警察干掉丹尼为威胁，加大谈判的筹码，使优势进一步转移，在双方的“讨价还价”中，谈判重启。丹尼在犯罪嫌疑人的电脑里找到了相关的录音证据，要求史宾恩向死者的妻子寻求更多的证据，以一名人质进行交换，然而此时，史宾恩想要蒙骗丹尼，解救人质心切，当以为这一切都结束的时候，戏剧性的场面出现，丹尼揭穿了史宾恩，也使谈判陷入僵局，显示了史宾恩从单纯想要解救人质，到希望同时证明丹尼清白的转变过程。

几个回合，几次心理上的拉锯战，两个谈判专家用着各种智慧，斗智斗勇，迫使对方有求于自己，使谈判的优势在双方之间转移。

谈判是一门学问。影片中两个谈判专家的冲突在事态的变化中不断升级，使谈判得以延续的是两人共同的利益，对方使用的计谋，一方能轻易看破，但大家都心照不宣，继续着谈判。两个英雄之间的默契，最终成就了真相，成就了正义。两个演员的出色表演，让观众体验了王牌对王牌的力量。

谈判是此片的一个亮点。警局内的思想变质者与丹尼、史宾恩、Maggie甚至看似小人的Rudy，形成了鲜明的对比，恶与善，丑与美，显而易见。

3．法理分析

犯罪心理学（Criminal Psychology）是一门研究犯人的意志、思想、意图及反应的学科，和犯罪人类学相关联。主要深入研究“是什么导致人犯罪”的问题，也包含人犯罪后的反应，如在逃跑中或在法庭上的。犯罪心理学家也可以作为证人，以帮助法庭了解犯人的心理。精神病学也有处理到一部分犯罪行为。

在《王牌对王牌》这部影片中，两位谈判专家充分运用了犯罪心理学的原理与对方斗智斗勇，最后赢得了对方的信任。

犯罪心理学有狭义和广义之说，犯罪心理学的研究对象也有狭义和广义之分。

狭义的犯罪心理学的研究对象是犯罪人即犯罪主体的心理和行为，也就是说犯罪心理和犯罪是其研究对象，它只研究犯罪人的个性缺陷及有关的心理学问题。犯罪主体的心理包括其心理过程和个性心理、犯罪心理结构形成的原因和过程、犯罪心理外化为犯罪行为的机理、犯罪过程中的心理活动、犯罪心理发展变化的规律以及怎样对犯罪心理结构施加影响和加以教育改造等。

广义的犯罪心理学的研究对象，除包括狭义的犯罪心理学的研究对象之外，还包括犯罪对策中的心理学问题，如预防犯罪、惩治犯罪以及教育改造罪犯的心理学问题；还包括有犯罪倾向（即尚未实施犯罪行为）的人的心理和刑满释放人员的心理；还包括被害者心理、证人心理、侦查心理、审讯心理、审判心理以及犯罪的心理预测等。简单地说，广义的犯罪心理学既研究犯罪人的心理和行为，又研究与罪犯作斗争的对策心理学部分，即被认为是司法心理学的有关内容。

十一 《魔鬼代言人》（1997年）

导演：泰勒·海克福德

编剧：乔纳森·勒姆金、托尼·吉尔罗伊

主演：基努·里维斯、阿尔·帕西诺、查理兹·塞隆、杰弗瑞·琼斯

制片国家：美国、德国

片长：144分钟

上映日期：1997年10月17日

1．影片介绍

《魔鬼代言人》（The Devil's Advocate）是根据艾伦·德肖维茨的小说改编的影片，讲述了年轻有为的律师罗麦斯经不住高薪、豪宅的诱惑，带着妻子从家乡来到纽约发展。为了追求利益和打赢官司，他明知被告有罪仍为其辩护，甚至不惜隐瞒证据，违反律师的天职，最后终于觉悟，改邪归正，获得重生的故事。

罗麦斯是一个年轻有为的律师，他有着连续辩护不败的战绩。一天纽约一家很有影响力的律师行以高薪和豪宅的优厚条件相请，他不听母亲的劝告带着妻子玛丽，离开佛罗里达的家乡来到纽约发展。

成功继续伴随着罗麦斯，很多案件在他的辩护下胜诉。与此同时，他也意识到自己为之洗脱罪名的客户并非清白。

玛丽住着豪宅，手上有花不完的钞票，她却渐渐地感到与罗麦斯疏远了，而且生活并不幸福。最后，玛丽总是能看到诡异的情景，整个人的精神彻底崩溃。在强大的压力下，玛丽选择自杀。就在玛丽自杀的当天，罗麦斯从母亲那里得到一个惊人的秘密，原来罗麦斯任职的那家律师行的老板米尔顿是自己的父亲。气愤的罗麦斯去找米尔顿报仇。他开枪射杀米尔顿，米尔顿却毫发无损。

原来米尔顿就是撒旦，他要将整个世界据为己有。米尔顿有个女儿克丽丝塔，是罗麦斯同父异母的姐姐。米尔顿让罗麦斯和克丽丝塔为他繁衍家族后代，以此在千禧年时对付上帝。罗麦斯没有失去理智，他开枪自杀了。米尔顿的计划泡汤了，克丽丝塔也立刻变得颓废。米尔顿则化为一团火焰。

罗麦斯没有死，他回到了过去，那时他正要为盖提做辩护，因为盖提有罪，经历了这一过程的罗麦斯没有替他辩护，罗麦斯做了一件正确的事情。但虚荣永远是撒旦最喜欢的原罪，撒旦并没有消失，他还在观察着、诱惑着罗麦斯。

2．影片解读

阿尔·帕西诺扮演的角色名字来自《失乐园》的作者约翰·弥尔顿。《失乐园》以史诗一般的磅礴气势揭示了人的原罪与堕落。片中的台词“better to reign in hell than serve in heaven”（宁在地狱为王，不到天堂当差）也来自书中。

阿尔·帕西诺曾经5次拒绝出演这个角色，因为影片开始是部走特效路线的大片。后来导演泰勒·海克福德请人重写剧本，帕西诺这回满意了，但他又怕自己塑造不好，还推荐过肖恩·康纳利和罗伯特·雷德福来演。

里维斯饰演的主人公罗麦斯本是一个年轻律师，在法庭上常胜不败，事情就是从罗麦斯得知当事人真的是一名罪犯开始的。律师的职业是为人脱罪，还是澄清事实真相？影片对一贯奉行的司法辩护制度提出了质疑。律师，尤其是成功的大律师，一向是有钱人的工具；而面对金钱的诱惑，又有多少律师能够主持社会正义？

影片中由阿尔·帕西诺饰演的律师行的魔鬼老板米尔顿，是纵容甚至煽动社会罪行的重要力量。尽管影片最后把现实转换为带有宗教色彩的魔幻世界，观众还是能轻易得出结论，并把矛头指向利用司法制度的丑恶人物，甚至是司法制度本身。这是人人都存疑，但都无法摆脱和战胜的制度。制度的不完善提供给罪犯脱身的可能。

律师行的老板米尔顿，不同于一般的魔鬼或相类似的角色。他所依赖的力量，不是威逼利诱，而更多的是激发人们自己内心深处的“恶”。无论是谁，总会有“私心”的时候，此时人类的良心是最脆弱的，而这一刻自制力丧失，发展下去，会堕入魔道，难以自拔。米尔顿的阴谋就是利用这个时刻，达到控制私欲，进而控制心灵的企图。

接近尾声，真相大白，罗麦斯发现自己竟然是魔鬼的儿子。此时的魔鬼撒旦撕去了米尔顿的伪装，赤裸裸地亮出自己的身份和意图，一大段激烈攻击社会道德正义的言辞，令罗麦斯无可辩驳。

这段戏激昂亢奋，帕西诺精彩的演出令整个场面熠熠生辉。曾经主演过《教父》系列的帕西诺，是具有上一代美国社会观念的代表人物，他在《教父》中的角色代表了当时的社会青年面对上一代的态度。而在此片中由他饰演的魔鬼，被下一代以自杀的方式进行反抗，似乎影射了20世纪90年代美国年轻人的精神状态。

“邪恶”的出身与道德的不洁使青年一代无力反抗道德沦丧的资产阶级父辈，但逐渐清醒后他们又沮丧愧疚，精神的矛盾与软弱最终导致他们采取唯一的解决方式——自杀。著名的摇滚乐最后的英雄科特·寇本的自杀也是这种社会情绪的祭品之一，不能不说这是正被消费主义吞噬的现代社会悲剧之一。

好莱坞电影不会留下令人遗憾的结局，就在撒旦在火焰中灭亡的时候，一个意外的情节又峰回路转：罗麦斯回到了等待抉择的人生十字路口。最后的结果仍然是正义战胜邪恶。

影片最后一个镜头是撒旦注视着观众，似乎提醒每一个走在人生十字路口的人：“我在等着你！”

此片和法庭电影有很大差异，它并不以布局严谨、唇枪舌剑的案件来吸引观众，而是以一个律师为样板来刻画虚荣令人堕落。

律师本应捍卫法律正义，但为了追求利益和打赢官司，明知被告有罪仍为他辩护，甚至不惜隐瞒证据，违反律师的天职，米尔顿这个魔鬼化身的角色，在片中其实是主人翁心魔的具象化。假如人类本身没有虚荣和欲望作祟，魔鬼便无法将他任意摆弄。

3．法律文化

影片中有一个观点，“Free Will”，翻译成意志自由，是基督教里的概念，深入西方民心。Free Will是人类最重要的权利之一。因为Free Will，我们可以决定自己投向上帝或者魔鬼，决定做对的事情，还是错的事情，最终决定自己将要成为怎样的一个人。

人生即选择！让我们看基努·里维斯扮演的小镇律师罗麦斯面对撒旦的诱惑，是怎样做出自己的选择的。

第一次是在小镇上，罗麦斯为一个小学教师的猥亵案做辩护。

第二次他已经被纽约著名的律师行吸收，为一个非法屠杀动物的大客户进行辩护。

第三次是为枪杀妻儿三条人命的纽约房产大亨做无罪辩护。

实际上三个案件，是撒旦的三次试探，罗麦斯为之辩护的当事人都有罪，而且撒旦让罗麦斯在辩护的过程中，得知了真相。他要看罗麦斯在名声和正义之间，到底会做怎样的选择？

罗麦斯做出的选择是为他的当事人做了无罪的辩护，而且都获得了成功。

他想要成功的欲望盖过了一切：

他已经有了连赢几十场的记录，他不能不为了自己的荣誉而战；

他在新的律师事务所刚刚获得重用，他需要一场胜利来奠定自己在事务所里的地位；

受理了一半才得知真相，他不得不把事情继续下去，中途退出就会在律师界名声尽毁。

第四次考验是最残酷的考验。罗麦斯在为房产大亨辩护的同时，他的妻子玛丽精神出了严重的问题，她需要他，作为丈夫罗麦斯应该陪伴她、照顾她。但罗麦斯在还有机会挽救妻子的时候，为了工作而狠心离开，于是她活生生地在他面前割断了自己的颈大动脉。

罗麦斯为了名，为了虚荣心，为了追求成功，昧着良心做事，终于造成无法挽回的错误，失去了深爱的人。

从某种意义来说，撒旦（以律师行老板米尔顿的形象出现的）并没有对他做特别的事情，他只是给了考验他的机会，这些机会对于普通人来说，也会遇到，不需要特别安排，让人扼腕的是，撒旦每一次考验他时，也给了他选择的机会，罗麦斯完全可以掉头而去，选择另外一条路；但每一次罗麦斯都选择了撒旦希望的道路，他往撒旦的方向越走越近，最终掉入了这个无尽的深渊。

十二 《洛城机密》（1997年）

导演：柯蒂斯·汉森

编剧：布莱恩·海尔格兰德、柯蒂斯·汉森、詹姆斯·艾罗瑞

主演：凯文·史派西、罗素·克劳、盖·皮尔斯、詹姆斯·克伦威尔、金·贝辛格

类型：剧情、悬疑、惊悚、犯罪

制片国家：美国

片长：138分钟

上映日期：1997年9月19日（美国）

奖项：1998年获奥斯卡最佳女配角、最佳改编剧本奖

1．影片介绍

《洛城机密》 （L. A. Confidential）是根据1990年詹姆斯·艾罗瑞（James Elloy）的同名小说改编的电影，影片描写了20世纪50年代警界腐败、犯罪纵横的美国洛杉矶。

20世纪50年代的洛杉矶是一个充满各种“交易”的城市，很多人都有可能为利益驱动，走到一起。

年轻的警校毕业生艾德·艾斯力（盖·皮尔斯饰）子承父业，野心勃勃，想在警界出人头地，因为他心中有个秘密，就是要找出当年开黑枪打死他父亲的内奸“路路·图马奇”；他做事严谨，不惜出卖同事和上司往上爬，因而也受到大家的排挤。

不久，艾德因表现出色被破格提升为警长。

毒品科警探杰克·文森（凯文·史派西饰）是警界名人，素有“警局明星”之称，常常出现在电视媒体中，他与《嘘嘘报》的八卦新闻记者狼狈为奸，靠揭发好莱坞大明星的桃色新闻赚取丰厚的报酬。巴德·怀特（罗素·克劳饰）警探铁面无私，但个性冲动，容易遭人利用。

这三名警察平时互不往来，却因为一桩餐厅命案联系在了一起。艾德找到了三个黑人嫌疑犯，判死刑结案，因此受到上级嘉奖；但他在进一步的调查中发现案子没有那么简单，他说服了杰克和他一起追查；巴德对餐厅命案一直心存怀疑，他找到的线索也显示，案子另有蹊跷。

他们三人在展开调查后，被卷入一个色情、毒品、谋杀、背叛、贪污、阴谋交织的网中。其间，三人共同发现了一个秘密：他们的局长达德利和黑社会有关。在破案过程中，艾德和巴德都爱上了和黑社会有牵连的妓女林恩，在情与法、正义与邪恶之间，几个男人展开了复杂的斗争。

达德利意识到自己的处境危险，开始实施缜密的灭口计划。杰克首先遇害，他临死之前传出一个重要信息：达德利就是杀害艾德父亲的凶手“路路·图马奇”。面对重要证人一个个被杀，情急之中，艾德想起一个可靠的好莱坞西警长，请求他帮忙。在胜利旅店，艾德、巴德终于和达德利交火了，几个回合下来，艾德右臂中弹倒在了地上，巴德也中了枪。就在达德利举枪要射杀艾德的千钧一发之际，巴德拿匕首奋力刺向达德利的腿部，达德利受伤，但同时又向巴德补了一枪，艾德顺势控制了达德利，达德利供出了犯罪事实，在大批警察到来之前，艾德射杀了达德利，为死去的父亲报了仇。

达德利作为警察局长与黑社会勾结犯罪，算是警署的一大丑闻，为了掩盖这个丑闻，警署同时授予艾德和达德利英雄称号。

巴德九死一生，他在结尾离开了警察行业，带着林恩去过自己的生活了。

2．影片分析

影片《洛城机密》是好莱坞犯罪题材的巅峰力作，剧本流畅、合理，每小段都有关键点，无论是悬疑，还是枪战、勾心斗角、美女，都符合商业片的规律。影片为了避免空洞乏味，突出了对人物性格的刻画，虽然有些模式化，却有力地吸引了观众的注意力，并以此推动剧情的发展。

影片成功塑造了三个个性鲜明的男性角色，难以预料的情节，忠奸难辨的警匪，峰回路转、错综复杂、悬念迭出的剧情，令人屏息；生动的人物群像，将人性的丑恶隐晦地展现出来，被扭曲的正义与官僚主义的阴暗，借无懈可击的正邪交锋淋漓尽致地呈现于光影中。

电影破案的过程，也是三位警员找回自我的过程，他们最终“涅槃”，传达了电影内在的深刻寓意。

影片《洛城机密》的导演在犯罪题材的背景下融入了悬疑理念，影片在20世纪五六十年代的故事背景中，又带有浓浓的怀旧风格。

3．法律文化

影片中几位演员的表演，烘托出了一个以暴制暴的主题。在当时的美国社会，法律与道德制度并不健全，正义的执行需要付出血的代价。

艾德的父亲、杰克以及众多的警察，在威胁到达德利的利益后，都被他以不正当的手段杀害了，在这样一个无视司法制度、作恶多年的罪犯面前，艾德执行了正义，杀死了这个祸害警署的败类。

具有讽刺意味的是达德利死后，警署为了保全颜面，授予他英雄的称号。

三位男主角虽然有着各自不同的人生经历、背景和处事原则，看上去也都不是那样完美，但是随着调查餐厅案件的展开，他们察觉到了幕后黑手的残暴，认识到事态的严重性，最终回归正义，惩恶扬善，纵然是付出生命的代价也在所不惜。

这部影片有着演员精彩的演技和深刻而震撼的主题探讨，不愧为奥斯卡经典影片。

十三 《变脸》（1997年）

导演：吴宇森

编剧：麦克·韦柏、迈克尔·科拉里

主演：约翰·特拉沃尔塔、尼古拉斯·凯奇、琼·艾伦、亚历桑德罗·尼沃拉、吉娜·格申

类型：动作、科幻、犯罪

制片国家：美国

语言：英语

片长：138分钟

上映日期：1997年6月27日（美国）

1．影片介绍

《变脸》（Face/Off）是一部派拉蒙影业公司出品、由吴宇森执导的影片。

电影讲述FBI探员亚瑟·西恩（约翰·特拉沃尔塔）追捕恐怖杀手凯斯·特洛伊（尼古拉斯·凯奇饰）长达8年之久。凯斯·特洛伊在刺杀FBI的高级探员西恩时，误杀了其独生子，愤怒的西恩发誓要亲手抓凯斯·特洛伊入狱。在线人的告密下，西恩有了亲自逮捕他的机会，趁着凯斯·特洛伊与他弟弟搭机逃亡之时，将他们绳之以法。枪战之后，凯斯·特洛伊因负伤而昏迷不醒。

一切都结束了，但没想到，西恩从凯斯·特洛伊弟弟那里得知，凯斯·特洛伊已经将威力强大的毒气炸弹安放在某个人多的公共场合，在警方进一步逼问时，凯斯·特洛伊的弟弟就是不说出放置炸弹的地点。

无奈之下，西恩的长官提出通过高科技的整容手术，让西恩与凯斯·特洛伊的容貌对换，再让假扮成凯斯·特洛伊的西恩进入监狱中，引诱凯斯的弟弟说出放置炸弹的地点。

这项“变脸”计划为FBI的高级机密，只有主事的医师与三位FBI长官知情。刚开始，一切顺利，西恩假扮凯斯·特洛伊混入监狱之中。没想到，原本处于昏迷中的凯斯·特洛伊清醒了过来，狡猾的他决定将计就计，他先杀了从事此项任务的医师与知情的FBI探员，然后，他也换上了西恩的脸，摇身一变成为FBI探员，进而让西恩的家庭与事业陷入危机，一场正邪双方的激战拉开了序幕。

阿诺·施瓦辛格和西尔维斯特·史泰龙曾是影片主演的最初人选，后来吴宇森成为导演，他认为约翰·特拉沃尔塔和尼古拉斯·凯奇更合适。

最初尼古拉斯·凯奇拒绝扮演凯斯·特洛伊，因为他对扮演坏人缺乏兴趣，后来他得知在影片的大部分时间里他在扮演一个英雄，很快便签约出演。

对于影片中很多船上的打斗和飞机冲出跑道的惊险场面，剧组最初打算用绿屏拍摄，但考虑到为故事的真实性服务，他们决定实景拍摄。

影片绝大部分是实景拍摄，只有个别场景在派拉蒙的摄影棚拍摄。制作设计师尼尔·斯匹萨克组建了由绘图师、布景师、模型制作师和建筑工人组成的制作团队来搭建布景。片中迪特里希顶楼发生的枪战戏是在洛杉矶市区的一栋闲置建筑的第九层和第十层拍摄的，五获奥斯卡提名的布景师加勒特·刘易斯负责设计房中华丽的背景，为了制造激烈枪战的破坏效果，特效部门在房间的墙壁和家具上制造了有5000多个弹印的效果。

曾为乔治空军基地的南加州国际机场为影片剧组提供了足够空间拍摄喷气机追逐的场景，封闭了10000英尺长的跑道。因为吴宇森不愿使用微缩模型和特效来拍摄，为了避免使用绿屏，使用了全尺寸的真实飞机。而快艇追逐场景是在圣佩德罗的洛杉矶港拍摄的，由于它是世界最繁忙的港口之一，所以要完成大量特效和特技的拍摄工作非常复杂，影片制片人在拍摄外景时，积极同港口管理机构、海岸警卫队、港口警方、消防部门和拖船公司取得联系。

2．影片分析

吴宇森在好莱坞的颠覆之作当属《变脸》，这也是一部真正的好莱坞大制作。影片悬疑丛生，高潮迭起的变脸互换，同时考验了尼古拉斯·凯奇与约翰·特拉沃尔塔两位好莱坞巨星的演技，交错换位的人生轨迹，亦正亦邪，双雄对决，影片成为暴力美学电影的时代经典。

每个男人心中都有浪漫的情怀，不过表现方式不同而已，吴宇森用他的暴力美学来表现其心中的日月。他的慢镜头、东方人特有的温情、胸中的大气凛然，交织在一起，构建了《变脸》这个神话。

导演的成就，除了自己的努力，机缘巧合也很重要。《变脸》就是机缘巧合下的好结果。两大一线男星的精彩表演，使经典的“双雄”套路得以完成。而吴氏的暴力美学，也得到了良好的保证。好莱坞的专业技术使得枪战场面更加火爆、好看，而符号化的教堂在西方语境之下也有了真正找到语义的迹象。真正让这部影片超越其他吴氏作品的关键，在于剧本本身的水准。《变脸》的剧本一方面给足了吴宇森发挥的空间，另一方面剧本本身的张力也促使吴宇森跳出了原来的格局。

变脸这一身份互换所造成的荒谬感，以及“身份”对人本质的影响，剧本都有着力刻画。西恩丧失身份后的痛苦所带来的巨大张力，也是吴宇森之前的电影所没有的。从商业片的层面来说，这样的探讨足够深刻，且鲜活有力，脱离了吴宇森英雄主义的窠臼，触及了人生更加深层次的话题，不仅提升了浪漫纯情的内涵，且兼具一些深刻的东西。

而影片中凯斯和西恩两个人物扮演者的巨星风采在两个角色相互对峙时也体现得淋漓尽致。三次交锋成为他们宿命发展的铺垫：在一次次的对抗中，找到迷失的自我，找到最终的目标！影片里，正与邪的界限不再那么清晰。变换身份后凯斯在他杀死的西恩小儿子的墓前有难掩的后悔，在西恩的女儿被欺负时挺身而出，教训坏小子，甚至在西恩的妻子失落时流露出脉脉温情。变换了身份的他们，体验了彼此的生活，在不自觉中填补了彼此生活中所缺乏的空白。西恩收养了凯斯的小儿子，他的母亲在死前露出满足的笑容。

结尾的甜腻暴露了吴宇森纯情的本质。在以编剧为首的一大帮专业而睿智的电影人的协助下，吴宇森一方面能够保持并完善自己的风格；另一方面暂时收敛纯情，提升影片的内涵。

3．法律文化

吴宇森是最擅长处理暴力美学的华人导演。《变脸》中的警探西恩，为追查真相，解除危机，将自己的容貌与恐怖分子凯斯交换；而真正的大坏蛋凯斯逃脱后却将计就计，扮演起探员西恩，并将少数知道机密的人杀死，让人忠奸难辨，这给警局带来了巨大的危害，西恩的老上司就不明不白地死在了这个恶人的手上。

正义与邪恶，不管脸面如何改变，心是不变的。西恩无论戴着怎样的面具，都拥有一颗炽热的心。在面对敌人孩子的时候，他选择了保护，孩子对于他来说永远是天使。西恩用纯美的音乐掩饰这世界的邪恶，也赢得了周围人的信任；凯斯面对自己弟弟的死亡，把仇恨归结于人类，扭曲的心灵促使他走向黑暗。

十四 《一级恐惧》（1996年）

导演：格里高利·霍布里特

编剧：斯蒂夫·沙甘、安·白德曼

主演：理查·基尔、劳拉·琳妮、约翰·马奥尼、阿尔法·伍达德、弗兰西斯·麦克多蒙德、爱德华·诺顿

类型：剧情、悬疑、惊悚、犯罪

制片国家：美国

语言：英语、西班牙语

片长：129分钟

上映日期：1996年4月3日（美国）

奖项：1997年爱德华·诺顿获得第54届美国金球奖最佳男配角奖，第69届奥斯卡金像奖最佳男配角（提名）

1．影片介绍

影片《一级恐惧》（Primal Fear）讲述了发生于芝加哥的一桩恐怖血案，辩护律师马丁·威尔在为嫌疑人艾伦辩护的过程中发现了其人格分裂的真相。

德高望重的老主教罗森被人谋杀，警察在现场抓到了满手鲜血的少年艾伦（爱德华·诺顿饰）。著名律师马丁·威尔（理查·基尔饰）决定经办此案。他认为艾伦是无辜的，并决定免费为他辩护。

在法庭上，女检察官瑞纳（劳拉·琳妮饰演）提出了大量不利于艾伦的证据，但都被马丁驳回。为了唤起艾伦的记忆，马丁和心理医生对艾伦进行了询问。随着问题的深入和严厉，艾伦开始逐渐由温顺变得凶狠无理。

马丁找到了被罗森收养的另一个男孩，发现主教收养艾伦是为了满足自己的窥淫癖。当他到拘留所就此质问艾伦时，艾伦突然像变了一个人，他自称“罗伊”，承认是自己杀死了罗森，并且保护了“艾伦”。在发泄后，“罗伊”又变回了艾伦，并且对刚才的一切毫无记忆。

心理医生在法庭上证明艾伦患有人格分裂症，他在被虐待至极度痛苦时就会变成凶手罗伊，但是医生无法证明这一点。瑞纳指出艾伦是因为在为罗森主教做色情表演时备受虐待而杀死了主教。这时，艾伦跳出了被告席，变成了罗伊。他攻击了瑞纳，全法庭的人都惊呆了。

法官决定取消陪审团，让艾伦入院，观察30天，由医生进行治疗。审判结束后，马丁去探望已经恢复常态的艾伦。临别时，艾伦请他代向瑞纳道歉，问她的脖子有没有受伤，马丁突然想到艾伦应该在发作后什么都无法记住。被识破的艾伦看着他狞笑起来。马丁终于明白，艾伦才是真正不存在的。从罗森收养了艾伦并把他带回那“神圣的地狱”时起，艾伦就已永远变成了罗伊。

2．影片解读

以血案为脉络的激辩，悬疑迭起的真、假、善、恶，构筑了《一级恐惧》。影片对宗教、战争、司法的讽刺与剧情的惊悚浑然天成；峰回路转的结局，更是出人意料，引人深思。

当时还是新人的诺顿无疑在此片中奉献了惊艳的演技，他亦正亦邪，娴熟自如地转换，将所饰演的角色演绎得淋漓尽致：善良时的无助、局促的表情让人心生怜悯；邪恶时的张狂与笑容让人不寒而栗。

影片开始，主教罗森被杀害在自己的房间里，全身中刀78处、惨不忍睹。警察赶到现场抓获了满手鲜血的少年艾伦。著名律师马丁·威尔决定免费为他辩护，用一切可能的方法证明艾伦的无辜。

与此同时，检控方的律师瑞纳则控告艾伦犯一级谋杀罪，检控方以沾有艾伦指纹的凶器、艾伦带有罗森血的鞋，还有艾伦身上的血迹以及他当时在杀人现场为证据向法庭说明艾伦“铁的”犯罪事实，但没有成功，原因是这些证据并不能证明当时犯罪现场只有艾伦和罗森主教，也就是并不能推翻马丁认为的“有第三人在场的”可能，而且检控方也没有明确说明艾伦的犯罪动机。马丁通过和艾伦的交流相信他患有“双重性格失忆症”，他确信艾伦是无辜的，法庭上马丁试图通过“第三人在场”可能、“双重性格失忆症”来对被告进行辩护，马丁也没有能证明艾伦并不是凶手的证据，部分是因为“双重性格失忆症”在法庭上很难证明。

马丁找到了关于罗森主教对艾伦、其女友、“罗伊”虐待的证据，再没有提供其他对艾伦有力的证据，事情发生转机是在检控方律师瑞纳对艾伦关于“那部录像带”的内容进行激烈盘问时，艾伦假装“罗伊”出现而攻击了瑞纳。这让在场的人员包括法官在内都相信艾伦是患有精神病，最终法官说：“我要解散陪审团，由法官判决，被告以精神失常为由申辩无罪。”马丁欣慰地去看艾伦，却被无奈、恐惧，甚至绝望的复杂情绪所包围，他看到了真相：主教是艾伦杀的，他骗过了所有的人！

3．法律文化

马丁对自己成为辩护律师的那句解释“我是性善论的信徒，我试着去理解为什么那些好人会做那些坏事”点出了正义的哲学；但是他的理想，最后被戏弄了。杀人犯在法庭上的表演骗过了所有人，最后被无罪释放。

对照前面的影片《十二怒汉》可以看出，法律如果被善加使用，就能够对普通公民起到保护作用；但如果是不幸被人利用，则是一件十分悲哀的事。

精神失常或临时性精神失常是刑事案中常用的一种法律辩护理由。

法律意义上的精神失常并不仅仅是对一个人是否患有精神疾病的判断。美国各州的法律不同，在认定“精神失常辩护”的大多数法院中，若某人符合以下三个条件之一，就可在法律上判定其患有精神失常。

第一，因患有精神障碍，被告不了解其所作所为属违法行为。

第二，因患有精神障碍，被告不知道自己当时（违法时）正在做什么。

第三，因患有精神障碍，被告被不可抗拒的力量强迫进行犯罪。

为何满足这些条件的人可以被免罪？实际上，这种说法成立的基础是美国和其他许多国家司法体系中最基本的原则之一：在大多数违法活动中，只有当某人确实是故意犯罪时，他才是有罪的。

精神疾病可能改变了人们对现实的理解，因此病人并未意识到自己的行为是在犯罪，或者他认为除了这样做之外别无选择。在这种情况下，某些法院认为，缺乏判定被告有罪所需要的这种故意因素。

为了证明被告患有法律意义上的精神失常，辩护者必须提供确凿的专家证词，表明被告所患有的（或曾患有的）精神疾病属于何种程度，然后要解释为何患有这类精神疾病就意味着被告不是故意犯罪。

陪审团不会裁定被告是否患有精神疾病；但会裁定辩护方的专家证词是否能证明这一事实，然后判定患有精神疾病是否意味着被告不属于故意犯罪。精神疾病本身并没有辩护意义——如果患有严重精神疾病的人实施故意犯罪，陪审团依然会认为其有罪。

十五 《狮子王》（1995年）

制片成本：4500万美元

拍摄地点：美国、非洲

拍摄日期：1992年6月至1994年3月

导演：罗杰·艾勒斯、罗伯·明可夫

编剧：艾琳·梅琪、乔纳森·罗伯特、琳达·沃尔夫顿

类型：动画、冒险、歌舞、剧情、励志

主演：马修·布罗德里克、詹姆斯·厄尔·琼斯、杰瑞米·艾恩斯、内森·连恩、莫伊拉·凯利、埃林·萨贝拉

片长：89分钟

上映时间：1994年6月24日（美国）

出品时间：1994年（第一部）

出品公司：华特·迪士尼影片公司

奖项：奥斯卡最佳原创歌曲奖、奥斯卡最佳配乐奖

背景取材：莎士比亚《哈姆雷特》

1．影片介绍

《狮子王》（The Lion King）是迪士尼出品的一部歌舞冒险动画电影，于1994年6月24日在美国公映，并在2002年发行IMAX版本，2011年9月16日发行3D版本。1998年、2004年迪士尼先后出品《狮子王》的第二部和第三部。

影片讲述了小狮子王辛巴在众多朋友的陪伴下，经历了生命中最光荣的时刻，也遭遇了人生最艰难的挑战，终于成长为不负众望的森林之王，在大自然中体验生命的真正意义。

影片开始，当太阳从地平线上升起时，非洲大草原苏醒了，万兽群集，荣耀欢呼，共同庆贺狮王木法沙（Mufasa）和王后沙拉碧（Sarabi）的小王子辛巴（Simba）的诞生。

充满智慧的老山魈（一说狒狒）——巫师拉飞奇（Rafiki）为小辛巴举行了洗礼，他捧起一把细沙撒在小辛巴头上，为其祝福。

狮王木法沙的弟弟刀疤（Scar）对辛巴的出生却仇恨不已，他认为如果不是辛巴，自己将会继承王位，因此他在心中埋下了仇恨的种子。

时光飞逝，辛巴长成健康、聪明的小狮子了，刀疤却一刻也没有放弃对他的嫉恨。一次，在刀疤的引诱下，辛巴和好朋友娜娜去国界外的大象墓地探险，3只受刀疤指使的鬣狗（土狼）突然出现，并围攻辛巴和娜娜，在这危急的时刻，木法沙及时赶到，赶走了土狼。

刀疤对辛巴被救十分恼怒，他决定与土狼们勾结杀了木法沙和辛巴，并且向土狼们做出种种许诺。

几天以后，刀疤又引诱辛巴到了一个山谷，然后指使土狼们追击角马，角马群受惊，朝辛巴狂奔过来，木法沙及时赶到，辛巴得救，但木法沙遭到了刀疤的暗算，被刀疤推下了山崖，洪水般的角马群冲了过去，辛巴在山谷里发现了父亲的尸体，他心里充满悲痛和内疚，认为是自己害死了父亲。

刀疤别有用心地极力怂恿辛巴逃走，同时又命令土狼们追杀辛巴。辛巴在荆棘丛的掩护下逃过一劫，土狼们只好向着辛巴逃远的背影尖叫道：“如果你敢回来，我们就杀了你！”

木法沙死了，辛巴也失踪了，刀疤顺理成章地当上了国王，并将土狼们引进了荣耀国（狮子王国）。

辛巴一路奔逃，直到筋疲力尽，昏倒在地上。两位好心的朋友——机智聪明的猫鼬丁满（Timon）和善良的疣猪彭彭（Pumbaa）救了他。

丁满和彭彭开导辛巴，不想过去，不想未来，也没有责任，只要为今天而活就可以了。日子一天天过去了，辛巴成长为一头英俊的雄狮，但过去那段时光始终挥之不去。

一次偶然的机会，辛巴和儿时的伙伴娜娜相遇。娜娜告诉辛巴，自从刀疤当上国王，大家就处在水深火热之中，她希望辛巴回去拯救他们，遭到了辛巴的拒绝。

这时，巫师拉飞奇也找到了辛巴，在他的循循善诱和父亲神灵的教导下，辛巴决定回狮子王国拯救子民。

回到狮子王国后，辛巴愤怒地向刀疤宣战：“这里已经不再属于你了！我回来啦，你选择吧，要么退位，要么就战斗！”狡猾的刀疤不想就此认输，为了拖延时间，他不断以辛巴害死父亲为借口诬陷辛巴，土狼也顺势将辛巴逼到了国王崖边，一个失足，辛巴从岩石上滑了下去。

以为辛巴必死无疑的刀疤告诉了他杀木法沙的事实，愤怒之中，辛巴化悲痛为力量，他奋力跃起，将刀疤打倒在地，并将这个卑鄙的叔叔推下了国王崖，刀疤成了土狼们的一顿美餐。

这时，大雨倾盆而下，好像在滋润干涸已久的土地。随后，辛巴在拉飞奇的授意下走上国王崖，用怒吼声宣告他的继位，在母亲和朋友们的欢呼与祝福声中，辛巴正式宣布执掌政权，成为荣耀国新的国王。

2．影片分析

影片《狮子王》是迪士尼花费4年时间制作的震撼巨作，是探究生命中的爱、责任与学习的温馨作品。影片中的音乐展现着浓厚的世界乐风，成功营造出非洲大地自然雄浑的生命气势，影片磅礴的史诗气质以及关于生命永恒话题的讲述，都使其成为西方动画历史上的一座丰碑。

影片绚丽的色彩、动人的音乐、夸张的形态、幽默机智的语言和人性化的动作，也使片中的动物形象个性鲜明、栩栩如生，辛巴、娜娜、木法沙、丁满、彭彭与刀疤、鬣狗之间的故事赢得了不同国度儿童的喜爱。

通过现象看本质，除去其轻松的喜剧元素，剥离其音乐剧的热闹外衣，1994年上映的《狮子王》，也是迪士尼史上最严肃的作品。 《狮子王》的内核是一个古老而严肃的故事，甚至有人认为影片过于严肃，不适合小朋友看。

虽说影片是迪士尼第一部原创剧本作品，故事对《哈姆雷特》的借鉴是显而易见的，创作团队坦言小狮王辛巴的生命历险是受莎翁戏剧、古希腊神话甚至圣经故事的启发。

不难看出，片中三个主要角色——老狮王木法沙，小狮王辛巴，老狮王的弟弟刀疤，都是《哈姆雷特》中角色的直接替换。辛巴和哈姆雷特一样，都“延误”了他们的复仇。关于哈姆雷特为什么对复仇行动犹豫不决、瞻前顾后，西方学者几百年来已经从文学、哲学、心理学等方面给出了解读。

针对复仇“拖延症”问题，《狮子王》中对辛巴的行为给出了简单、清晰但又合理的理由：刀疤设计害死了木法沙，却让辛巴误认为是自己的过失害死了父亲，进而辛巴由于愧疚而自行放逐，辛巴就是在这样的心境中逐渐长大的。这样的改编使《狮子王》的故事叙述合情合理。

影片后半段，木法沙以“鬼魂”的形式重现《哈姆雷特》中老哈姆雷特鬼魂出现，弱化了死亡的悲剧效果，但仍可看出《狮子王》主题的严肃性。

影片中也交织着诸多的主题。比如片头音乐《生生不息》引出的关于生命轮回的哲学，借着老狮王木法沙之口讲给了小辛巴，也讲给了银幕前的小观众们。

片名《狮子王》可以指木法沙，也可以指辛巴，或者刀疤，他们是非洲草原上曾经的狮子王。历史就是在一代又一代的君王更替中前行。

3．法律文化

影片将“弑君”“死亡”“欺骗”这些成人化的用语，尽量用无害的方式展现出来，精准地将善恶分明的是非观融入复杂的故事中。

辛巴的故事重心由哈姆雷特的“复仇”转移到了“责任”与“成长”。辛巴后来虽然战胜了刀疤，却没有像哈姆雷特一样亲手杀了篡位的叔叔。最后，刀疤是因为自己的不义被手下的一群土狼夺去了性命。

《狮子王》虽然是以喜剧收场的故事，但故事内核仍然是建立在沉重而古老的“复仇”主题之上，荣耀国的再度繁荣，是建立在杀戮与反杀戮的基础上的。

这使电影的结局与其他迪士尼经典动画的大团圆结局有所区别：片尾处辛巴在悲壮的音乐中，迈着沉重的步子登上雨中的荣耀石，统治已是满目疮痍的国家，便是这种缺憾式圆满结局的表达。

十六 《七宗罪》（1995年）

导演：大卫·芬奇

编剧：安德鲁·凯文·沃克

主演：摩根·弗里曼、布拉德·皮特、凯文·史派西、格温妮斯·帕特洛、安德鲁·凯文·沃克

类型：剧情、悬疑、惊悚、犯罪

制片国家：美国

语言：英语、葡萄牙语

片长：127分钟

上映日期：1995年9月22日（美国）

1．影片介绍

影片《七宗罪》（Se7en）以罪犯约翰·多伊制造的连环杀人案件为线索，从警员威廉·沙摩塞和大卫·米尔斯的视角出发，讲述了“七宗罪”系列谋杀案的故事。

威廉·沙摩塞是纽约警察局的刑事警官，也是个凶杀案专家，他当了32年的警察，几乎每一分钟都在辛勤工作，他看到了太多的不幸，感到身心疲惫，幸好还有7天就可以退休了，可以享享清福。为了接替他的工作，上司给他派了一个新搭档——年轻气盛的米尔斯，他是和妻子翠西一同搬到纽约来的，起初翠西并不同意来这座繁乱的城市，但米尔斯认为只有这里才能让他接手一些重要的案子，在他的百般劝说下，翠西同意了。威廉作风严谨，办事老成，米尔斯则有些冲动，心高气傲的他对威廉办案的方式不以为然。

也许冥冥之中已经注定，米尔斯的第一个案子正是威廉的最后一个案子：一个胖得出奇的男人在家中被杀了，可是在现场，米尔斯和威廉没有发现什么线索。紧接着另一起案子发生了，一位富有的辩护律师格特被杀害，在凶案现场的地板上，凶手用血写着两个字：贪婪。细心的威廉重新回到前一个案发现场，不漏掉每一个细节，终于在冰箱后面发现了两个字：暴食。这时他们醒悟到原来他是被强迫吃下大量的东西，直到胃被撑破而死的。威廉猛然想到了《失乐园》中基督教的七重罪孽：暴食、贪婪、懒惰、愤怒、骄傲、嫉妒和欲望。他认为接下来还会发生5桩谋杀案，分别与其他的诫条可怕地联系起来，但米尔斯不相信。

翠西邀请威廉来家中吃饭。米尔斯有些不高兴，翠西却和威廉谈得很愉快。

在事发现场发现的指纹使当事人毒贩维克多成了怀疑对象。他有前科，而且有心理疾病。当警察赶去拘捕他时，发现他已经死了，墙上写着“懒惰”二字。通过图书馆内部的调查资料，威廉终于把目标锁定为记者约翰·多伊，一个为了不留下自己的指纹而将手指上的皮剥掉的变态者。

当威廉和米尔斯前去寻找他时，他溜走了。在约翰家中，他们发现了一个金发妓女的照片，等他们找到她时，她也死了，旁边是“淫欲”两个字。

到星期日，威廉就要退休了，而约翰打来电话告诉他们，他又下手了。一个女人赤裸地死在床上，旁边写着“骄傲”。威廉决定办完这个案子再退休，约翰却突然来自首了。谨慎的威廉认为事情不会如此简单，因为还有两条罪未完成，约翰一定还有花招。约翰招认还有两具尸体，并愿意带他们去找。这时，有人给米尔斯送了个包裹来，威廉打开时却发现了里面竟是翠西的头颅，约翰告诉米尔斯是“嫉妒”杀死了翠西。盛怒、悲伤之下的米尔斯再也无法控制自己，开枪打死了约翰，他犯了“愤怒”之罪，完成7条训诫的最后一个。看着米尔斯被押上警车，威廉面对夕阳默默无语。

2．影片分析

影片的编剧安德鲁·凯文·沃克创作这部电影的灵感来自他在纽约为准备成为一个编剧时的体验。剧中角色威廉·沙摩塞的名字取材于安德鲁·凯文·沃克喜爱的戏剧家威廉·萨默塞特·毛姆。安德鲁·凯文·沃克用了两年时间，完成了这部电影的剧本创作。

导演大卫·芬奇为了强调电影场面的不协调性，刻意选择了纽约市充满湿气、涂鸦和阴暗的角落作为拍摄场景。

《七宗罪》的拍摄并非一帆风顺。影片结尾的设计是米尔斯见到遇害妻子的头颅，终于控制不住愤怒射杀前来自首的凶手，同时也令凶手得以实现他完成圣经“七宗罪”的构想，作为影片投资方之一的新线影业的主席认为这个结局太过黑暗，不允许用这个结局。之后影片的男主角布拉德·皮特对投资方说如果要改结局他就退出拍摄，最终投资方不得不让步，导演大卫·芬奇也得以按照自己的想法来完成影片的拍摄。

影片《七宗罪》的剧情与天主教中的七种死罪紧密相连，影片的高明之处在于没有机械性地将这七宗案件罗列在一起，而是从两名警探的视角出发，逐渐地推向案件背后的真相，而凯文·史派西扮演的连环杀手不但以自首的方式让案情峰回路转，第六、第七宗案子的完成更是出人意料。

影片中两个典型的警察形象塑造得很成功。年轻的警察血气方刚、冲动易怒，老警察沉着稳重、机智耐心，而且孜孜以求、心地善良。他们之间从抵触，到理解，再到互相关爱，属于一条温馨的线索。年轻的米尔斯就像一个冲动的小野兽一样，他自尊自信，不容许别人怀疑他，有着美好的愿望，于是他和美丽的妻子来到了这个危险的地区。老警察威廉是一个经验老道的长者，他关爱年轻人就像关爱自己的孩子。看着这两个人一起研究案情的样子，更像是父亲带着儿子一起走向成功的终点。他们的正义感驱使他们发挥出所有的能量，使他们第一次合作就能这样默契。

导演大卫·芬奇在这部影片中，不但打破了好莱坞传统类型电影的框框，还把惊喜带给观众，使这部看似侦探片的电影比其同类电影还要出色和震撼。

片中的美术指导与摄影技巧也同样的严谨细致。暗色调的渲染、不停下雨的城市、昏暗的灯光和明暗处理，不论何时似乎都笼罩着一层诡异的面纱。《七宗罪》的画面是清晰的、残酷的，甚至鲜血淋淋。

《七宗罪》的电影语言独特。大卫·芬奇把关注的焦点投向人性与社会的黑暗处，影像风格极致，震撼人心。影片绝大多数的剧情都靠两位主演支撑，影片的反角仅在影片的最后一幕出其不意地露面，在其出现后，加入大段独白，从而顺利地烘托他从头至尾无处不在的“幻感”。

影片完全打破传统惊悚片的套路，给反角以前所未有的大段台词。虽然影片是以对人性中原罪的探讨为宗旨，并且以七个匪夷所思的案件为依托，但导演在其中加入了大量米尔斯与妻子、他妻子与威廉的对话情节，这些看似与主题没有太大联系的情节，最终都成为烘托结局的绝佳素材，也从侧面突出了主题。

影片角色与人物也比较契合。弗里曼的豁达睿智、布拉德·皮特的血气方刚，都使他们非常适合所扮演的角色。而编剧也在该片中创造出了一个与众不同的反角——约翰·多伊，他精心设计了一套向邪恶世界挑战的方法，为每一宗原罪找到一个代表人物，然后用以毒攻毒的方式置人于死地。在他出场后的大段独白中，并没有什么深刻的理论，但句句发人深省。

《七宗罪》开创了一种不同于以往好莱坞影片的电影语言，片中的杀手杀人并非因为嗜血，他是凭着强大的理论信条加上妄念来实施他自以为是的通过“审判”和“布道”来拯救世界的目的的，这才是最可怕的。他找到了依据来实施对人的杀戮，这种恐怖并非来自感官上的，而是来自心理上的。这使《七宗罪》这部电影与美国社会现实生活建立起了心理上的联系。

3．法律文化

暴食、贪婪、懒惰、骄傲、嫉妒、愤怒、欲望，这是天主教明言的七宗原罪。影片中的主犯在前半段没有露面，但是他作案的手法已经让人感到震惊。他可以强迫一个人吃到胃部胀裂和内出血，可以花一年的时间精心“养育”他的受害人，为了实施完美的犯罪过程，他把自己的手指头的皮肤剥去，以免留下指纹。他控制着整个犯罪过程，人们在他的带领下，目睹他引以为傲的犯罪过程。

七种原罪横行，人们见怪不怪，其实这才是最大的恶魔。每天都有人因为贪婪、嫉妒、愤怒等而死，导演大卫·芬奇是想告诉人们：在这个物欲横流的世界上，太多的人已经迷失了自己，就连身为警察的米尔斯最后也因为爱妻被害而失去理智，开枪杀死了罪犯。

强大的罪犯，已经把这些寓意展现给了人们，他心平气和地到警察局里自首，一切还没有结束。

《七宗罪》深刻反映了道德沦丧等社会现实问题，影片在某种程度上严肃探讨了有意义的暴力与无意义的暴力的差别，激起了观众对“原罪”的思考。影片中的七桩案件忽隐忽现，若明若暗，不时有“山穷水复疑无路，柳暗花明又一村”的境界。影片中对犯罪心理学做了详尽的描述，而罪犯通过《圣经》的道德审判来杀人，更具社会意义。一个警察最终成为凶手计划的执行者，是对社会和人性的讽刺。

4．法律分析

当威廉和米尔斯通过案情分析找到嫌疑人约翰·多伊的住处时，遭到了他的袭击，米尔斯被打伤，还险些丧命，愤怒的米尔斯想要破门而入搜查约翰·多伊的住处。威廉极力阻止，威廉说，你如果现在进去，我们就无法起诉他，他将永远逍遥法外。

在美国的司法程序中，没有走合法的程序获得的罪证，将是无效的。最为经典的就是震惊世界的辛普森案件。警察在辛普森前妻家门口发现了凶案，于是在第一时间赶到了辛普森家，翻墙进院，采集了证据，但是警察进入辛普森家是在没有获取搜查证的情况下进行的，是非法行为，所以他们取得的重要证据，因为他们的鲁莽行为不能在法庭上作为指控嫌疑人的犯罪证据，而使得辛普森逃脱了法律的制裁。

十七 《肖申克的救赎》（1994年）

导演：弗兰克·德拉邦特

编剧：弗兰克·德拉邦特、斯蒂芬·金

主演：蒂姆·罗宾斯、摩根·弗里曼、鲍勃·冈顿、威廉姆·赛德勒、克兰西·布朗

类型：剧情、犯罪

制片国家：美国

片长：142分钟

上映日期：1994年9月10日（多伦多电影节）/1994年10月14日（美国）

奖项：1995年获第67届奥斯卡金像奖最佳影片（提名）

1．影片介绍

《肖申克的救赎》（The Shawshank Redemption）是根据著名作家斯蒂芬·金（Stephen Edwin King）的原著改编的影片。

故事发生在1947年，年轻银行家安迪（蒂姆·罗宾斯饰）因涉嫌杀害妻子及她的情人入狱。

安迪被判无期徒刑，将在肖申克监狱中度过余生。

瑞德，1927年因谋杀罪被判无期徒刑，数次假释都未获成功，是肖申克监狱中的“权威人物”，只要付得起钱，他就有办法搞到想要的东西：香烟、糖果、酒，甚至是大麻。

在监狱里，每当有新犯人进来，犯人们就会赌谁第一个夜晚会哭。瑞德认为书生气十足的安迪一定会哭，结果安迪的沉默让瑞德输掉了两包烟，也使瑞德对他刮目相看。

好长时间，安迪不和任何人接触，他在院子里悠闲地散步，就像走在公园里一样。一个月后，安迪请瑞德帮他搞的第一件东西是一把小石槌，说是想雕刻一些小东西消磨时光，并保证自己会想办法逃过狱里的例行检查。不久，瑞德就玩上了安迪刻的国际象棋。之后，安迪又搞到了一幅丽塔·海华丝的巨幅海报贴在了牢房的墙上。

一次，安迪和另外几个犯人外出劳动，无意中听到监狱官在讲上税的事。安迪说他有办法可以使监狱官合法地免去一大笔税金，作为交换，他为十几个犯人朋友每人争取到了两瓶Tiger啤酒。喝着啤酒，瑞德说，他感受到了自由。

由于安迪精通处理税款业务，为此摆脱了狱中繁重的体力劳动和其他变态囚犯的骚扰。不久，声名远扬的安迪为越来越多的狱警处理税务问题，包括孩子升学问题他们也来向他请教，安迪也逐步成为肖申克监狱长沃登洗黑钱的工具。

由于安迪不停地写信给州长，他为监狱申请到一小笔钱用于监狱图书馆的建设。监狱里的生活平淡，总要找一些事情来做，安迪听说瑞德很喜欢吹口琴，就买了一把送给他。夜深人静之后，悠扬而轻微的口琴声回荡在监狱里。

一个年轻犯人的到来，打破了安迪平静的生活。这个犯人以前在另一所监狱服刑时听到过安迪的案子，他知道谁是真凶！安迪向监狱长提出重新审理此案，遭到拒绝，还受到禁闭两个月的严重惩罚。为了防止安迪获释，监狱长设计害死了知情的年轻人！

面对残酷的现实，安迪变得很消沉。一天，他对瑞德说，“如果有一天，你可以获得假释，一定要到某个地方替我完成一个心愿。那是我第一次和妻子约会的地方，把那里一棵大橡树下埋的盒子挖出来，你就知道是什么了”。当天夜里，风雨交加，雷声大作，安迪越狱成功。

原来20年来，安迪每天都用那把小石槌挖洞，用海报将洞口遮住。安迪出狱后，领走了部分监狱长存的黑钱，告发了监狱长贪污受贿的真相。监狱长在自己存小账本的保险柜里见到的是安迪留下的一本《圣经》, 《圣经》里边被挖空成了一个小石槌状。

瑞德获释后，在橡树下埋的盒子里找到了一些现金。终于，安迪、瑞德在墨西哥阳光明媚的海滩重逢。

2．影片分析

《肖申克的救赎》是取自斯蒂芬·金《不同的季节》一书中收录的小说《丽塔·海华丝及肖申克监狱的救赎》而改编的影片。

影片的主题是“希望”。

电影的结构比原小说更精当，台词更有节奏感，也更有深意，人物形象更鲜活有力。导演以丰富、机巧的艺术文本，让自由精神飘扬在天地之间。

银行家安迪被指控枪杀了妻子及情人（实际上是被陷害），被判无期徒刑，关在肖申克监狱，以为一生就此毁灭，但他凭借智慧，在贪婪、残暴的狱卒手中为犯人们赢得了冰啤酒、图书馆和尊严。他用一把藏在《圣经》中的小石槌作为劳动工具，以当时所有美国男人的梦中情人丽塔·海华丝的巨幅海报作掩护，经历近20年的等待，终于在一个暴雨之夜踏上了自由之旅。

《肖申克的救赎》上映时影响不大，全球的票房为2800万美元。它在1995年冲刺奥斯卡奖时，面对《阿甘正传》《低俗小说》《四个婚礼和一个葬礼》等多部优秀影片的竞争，最终获七项提名，却空手而归。

在随后的有线电视播映和录像带租赁市场中，《肖申克的救赎》则获得了极大的成功；在互联网上也被影迷热捧，使这部电影在IMDB的评分攀升至首位，且在2000年之前一直位居IMDB评分榜之首。在新千年的各类最伟大电影的评选中，《肖申克的救赎》始终都占据着重要的位置，被公认为是世界电影史上的经典之作。

影片没有一般牢狱题材电影的阴霾和沉重，狱友情谊成为影片叙事中的副线，也是影片利用第三者旁白的重要依据。

斯蒂芬·金的主要小说都曾被搬上过银幕：《肖申克的救赎》《绿里奇迹》《闪灵》《迷雾》，这些在电影界熠熠生辉的影片，是影迷心中永恒的经典。在这些影片中，导演弗兰克·德拉邦特（Frank Darabont）执导了除《闪灵》之外的其他三部作品，《肖申克的救赎》几乎使他一夜成名，虽然影片没有获得奥斯卡奖，但是观众记住了作品中那个充满智慧、隐忍、善良的主人公安迪的形象。

影片中，安迪是一个英雄，他的胜利不是用刀枪剑戟搏杀，而是润物无声的智慧较量。一把放在掏空《圣经》中的小石槌成就了安迪走向自由之路，也使他实现自我救赎。

在影片中，有人在改变，也有人在习惯。影片中的“肖申克监狱”象征着一个相对封闭的社会环境，对于在监狱里待了50年的老托马斯来说，改变意味着毁灭；但对于年轻而富有激情的安迪来说，改变则是一种救赎。

《肖申克的救赎》其实是对自我的一种救赎。斯蒂芬·金这位悬疑大师是想通过这样的方式告诉人们，追求自我的人生并非是一个梦想，只是在于自己怎么去做。不管结果怎么样，这个过程很重要。

3．法律文化

全片通过监狱这一强制剥夺自由、高度强调纪律的特殊环境，展现作为个体的人对“时间流逝、环境改造”的恐惧。影片的结局有法国大仲马小说《基督山伯爵》式的复仇宣泄。

表面上，安迪利用专业知识，帮助监狱管理层逃税、洗黑钱，安于现状。暗地里，安迪将典狱长的非法收入存放在一个虚构的人物斯蒂文的名下，并为斯蒂文准备好了驾驶证、安全号等身份证件。安迪成功越狱后，用事先准备的斯蒂文这个身份，领走了监狱长存的部分黑钱，过上了有经济保障的生活。这是盗亦有道。

安迪向警方告发了监狱长贪污受贿的罪行。事发后，监狱长在存放账本的保险柜里看到安迪留下的《圣经》，扉页上写着：“监狱长，您说得对，得救之道，就在其中。”看到《圣经》里挖空的小石槌形状，监狱长明白安迪一直没有屈服。为了逃避惩处，监狱长选择饮弹自尽。

瑞德获得了假释，在橡树下找到了一盒埋在地下的现金和安迪留给他的一封信，他违反假释规定，寻找自由，来到芝华塔内欧。两个老朋友安迪和瑞德终于在墨西哥阳光明媚的海滩重逢。

仔细分析，安迪是一个性格有缺陷的人，他对妻子的背叛曾有谋杀的动机，如果没有别人先行动手，结果不得而知。这是安迪在狱中服刑不上诉的原因之一。

服刑就是在赎罪，但因谋杀未遂，判终身监禁，量刑过高，所以，安迪也没有放弃自救。

当唯一知道冤情的证人被杀，安迪的希望彻底破灭了。安迪看清了监狱长的嘴脸，实施了越狱，带走了监狱长的罪证。这是安迪对自己犯罪的另一种救赎。

影片在后来给了安迪自由人的身份，是因为安迪因被陷害坐了20年的牢。尽管安迪越狱依旧是犯罪，他还是获得了自由。

《肖申克的救赎》无疑是一部励志的杰作。面对挫折、艰难、失败，是消沉还是奋进，是坚持还是放弃，是偃旗息鼓还是励精图治，《肖申克的救赎》给了人们一个明确的答案。

4．法理分析

影片中的瑞德是通过假释离开监狱与安迪会合的，因此有必要介绍一下美国的假释制度。

假释只适用于被判处有期徒刑或无期徒刑的犯罪分子，但累犯以及因杀人、爆炸、抢劫、强奸、绑架等暴力性犯罪被判处10年以上有期徒刑、无期徒刑的犯罪分子除外。

假释是对犯罪分子有条件地提前释放，同时，国家并不排除对其继续执行尚未执行的那部分刑罚的可能性。这一特点决定了假释不适用于被判处其他刑罚的犯罪分子。假释是美国刑法中一个重要但又引起广泛争议的问题。目前，美国联邦一级已经废除了假释制度，但是大多数州仍然保留了关于假释的规定。

美国各州和联邦一级从1942年开始实行假释制度后，公众普遍担心，提早释放监狱犯人，有可能使犯罪活动增多。因此，要求对犯罪人员施以更长刑期以及统一判刑标准的呼声日益高涨。20世纪70年代中期，美国重新确立判刑条例，要求法官施以“固定刑期”，对很多刑事犯罪都规定了必须有最低刑期，有些假释委员会也被取消。

1984年，美国国会通过《全面控制犯罪法》，在联邦一级废除假释制度。根据这项法律，1987年11月1日之前有过犯罪活动的联邦监狱犯人在服满三分之一刑期后，仍然有资格得到假释，但是，在这之后有犯罪行为的联邦监狱犯人不享受这种待遇。如果他们在狱中表现好，每年最多可以减刑54天，释放后一段时间内仍要继续接受监视。

目前，虽然美国大多数州仍有假释的规定，但只有14个州保留了假释委员会。北卡罗来纳大学社会学和刑法学教授马里奥·帕帕罗奇比较了有假释委员会和没有假释委员会的州的不同。他说：“在没有假释委员会的州，比如说，法律规定抢劫罪的刑期是5年，犯罪人员在服满85%的刑期后便可获得假释，释放后一段时间内继续受到监视。但是，没有人对是否释放监狱犯人进行审议，即使他没有遵守监狱的规定，也都必须释放，这被称为 ‘法定释放’。在那些仍然有假释委员会的14个州，监狱犯人具备申请假释的资格后，假释委员会要详细审议他的档案，同时和犯罪受害人谈话，然后再决定是否可以提早释放。”

帕帕罗奇教授还说，监狱犯人必须同意假释条件，否则就得不到假释，而且假释期间必须遵纪守法，不能拥有武器，不准吸毒，必须遵守假释官员提出的所有规定等。如果获得假释的犯罪人员违反假释条件，他就会再次被关入监狱，继续服刑。

十八 《保镖》（1992年）

导演：米克·杰克逊

编剧：劳伦斯·卡斯丹

制片人：凯文·科斯特纳

主演：凯文·科斯特纳、惠特尼·休斯顿

制片、拍摄地：美国

片长：129分钟

上映日期：1992年11月25日

1．影片介绍

影片《保镖》（The Bodyguard）讲述了职业保镖和知名歌手之间的故事。

弗兰克（凯文·科斯特纳饰）是前总统的保镖，他责任心强，公私分明，从不和雇主发生感情。但是歌手梅伦（惠特尼·休斯顿饰）打破了他的信条。梅伦是一个魅力非凡的女歌星，一天她收到匿名信，恐吓说要杀掉她，梅伦只好请来弗兰克做保镖。尽管二人之前并不认识，但在相处中，弗兰克还是被梅伦的魅力征服，坠入爱河。

职业操守和理智让弗兰克变得自制。他认为梅伦是雇主，首要任务是保护她的安全，他刻意和梅伦保持一定的距离，这伤透了梅伦的心。当她怀疑弗兰克的真情时，弗兰克给了她一个坚定的答案。

这是歌坛巨星惠特妮·休斯顿初登银幕的电影处女作，也是她一生中最高的成就。影片像言情戏，且惊险不断，更重要的是，片中有不少惠特尼·休斯顿演绎的动听歌曲。

2．影片分析

凯文·科斯特纳在影片中塑造了一个全新的保镖弗兰克的形象。保镖在那个年代，一般是五大三粗、头脑简单的形象，在现实生活中这样的形象也比比皆是；但是凯文·科斯特纳塑造的这个弗兰克，一反常态，外形没有了以往保镖的特征，却技艺超群。他遇事冷静，有头脑，常常在一招之内制服对方，比如和托尼对打，弗兰克一个飞镖在托尼耳边飞过，便令对方知难而退。

影片情节曲折，险象环生，悬念一个接着一个。恐吓信投递人被抓住后，又出现了一个新的疑点——歌星梅伦的姐姐。可是紧接着这个姐姐被打死后，又出现了一个新的悬念：真正的杀手是谁呢？谜底在片尾揭晓。

影片的开头弗兰克正在找工作，结尾弗兰克又开始了新的保镖生涯，首尾呼应。弗兰克为什么没有继续为歌星梅伦做保镖，是因为两人产生了感情不利于工作，他们的感情让人感觉很美好。

《保镖》在1992年的影坛一炮走红，很大原因在于影片选材上的新颖性。作品将惊险、动作、枪战、娱乐和浪漫柔情成功地结合在了一起。

《保镖》所注重的不再是紧张刺激的情节发展和激烈的枪战场面，而是花大量的篇幅写人世间的感情。

保镖弗兰克与歌星梅伦原本相互厌恶排斥，但在接触中，梅伦逐渐看到了他身上充满温暖人情的一面，并发展到两人热恋，一个“情”字贯穿影片始终。

影片走了明星阵容的路子，由影帝凯文·科斯特纳与著名黑人女歌星惠特妮·休斯顿联手出演。凯文·科斯特纳演了一个他擅长的热情真挚、不动声色的热血硬汉角色，影片不时透露出温馨的生活气息。而惠特妮·休斯顿也表演得大开大阖，挥洒自如，将一个倔强、世俗、高傲但内心善良、渴望爱情的女歌星诠释得淋漓尽致。

导演大胆创意，将一段真挚热烈的爱情放置于两个不同肤色的人身上，并在影片中表现出来。这种肯定的黑白之恋在以往的电影中是不多见的，导演的创举为影片赢得了大量观众的称赞，也成为影片获得成功的重要原因之一。

3．法律文化

私人保镖（private bodyguards）是指公民为个人的人身及财产安全，而雇用的具有专业素质和能力的保护人。

现今社会，产业巨子、商界大亨由私人保镖保驾，影星、歌星也由私人保镖护航，国家元首、政界要人更是有私人保镖如影随行，甚至黑社会的领头人也对私人保镖笑脸相迎。私人保镖随时会碰到危险，随时准备献身。一名私人保镖，脑筋必须机动灵活，身手必须迅速敏捷，做到一招制胜，方可完成自己的使命。

在以往的电影中保镖大多是冷血的杀手，他们受过专门训练，也有严格的职业要求，当委托人遇险时，他们会在第一时间用自己的身体做盾牌，以保护委托人的安全。此片中保镖的形象一改沉静冷血的面貌，呈现在观众面前的是一个充满智慧、遇事不慌、温文尔雅，且具有绅士风度的处处充满爱心的人。他为了保护孩子和一个幸福的家庭甘受指责与冷遇，在危急时刻他挺身而出，舍己为人，这种至诚至善的人情演出为影片赢得了巨大的声誉。

十九 《修女也疯狂》（1992年）

出品时间：1992年

出品公司：试金石影片公司

发行公司：博伟电影公司

导演：埃米利·阿朵里诺

类型：喜剧、音乐

主演：乌比·戈德堡，玛吉·史密斯，凯西·纳杰米，哈威·凯尔，温迪·麦凯纳，玛丽·威克斯，比尔·纳恩，罗伯特·米兰达

制片国家：美国

拍摄地点：洛杉矶

片长：100分钟

上映日期：1992年5月29日（美国）

1．影片介绍

影片《修女也疯狂》（Sister Act）讲述了迪劳丽丝躲避黑社会追杀，藏进了修道院的故事。

迪劳丽丝原是月光夜总会的黑人女歌手。夜总会的老板、黑社会头目文森与她关系暧昧。由于文森将妻子穿过的皮大衣送给她，迪劳丽丝生气地去还给文森，意外撞见文森杀人的一幕。

见事情不妙，迪劳丽丝转身逃走，躲开了杀手的追击，向警官素恩报案，讲述了事情经过。素恩要她作为证人出庭作证。在此之前，为了保证安全，素恩将她藏到了圣·凯瑟琳修道院。迪劳丽丝生性活泼好动，喜欢抛头露面，她无法忍受修道院沉寂、冷清的生活，晚上跑去酒吧散心，院长只好把她安排到唱诗班里。

在唱诗班，她的特长得到发挥，经过她改造的唱诗班在做弥撒时高唱流行歌曲，仅是把歌词改成赞美天主的内容。这个改变受到了主教的赞赏，受到鼓励的迪劳丽丝把修女们带到大街搞卫生、画壁画、做宣传，与民众交流，修道院一下在当地火了起来，很多人走进教堂参加活动，引来电视台的人拍摄、采访，电视画面上出现了迪劳丽丝，破坏了素恩藏匿迪劳丽丝的计划，让他十分恼火。

而教皇决定来修道院访问的消息使修女们兴奋不已，在唱诗班加紧准备的时候，素恩告诉迪劳丽丝法庭决定提前审理文森一案，她很快就可以自由了。

在教皇来到的前一天，警察局中的内线向文森告了密，等素恩找到迪劳丽丝时，她已经被文森的手下抓走了。修女们知道了这个消息决定去营救迪劳丽丝。

在月光夜总会里，文森的手下看着穿着修女服的迪劳丽丝以为她是修女，怕受到天主的惩罚，迟迟不敢动手杀她。在文森准备亲自动手时，素恩及时赶到，解救了修女们，文森被捕了。

为教皇举行的演唱如期举行，教皇十分满意。

最初的剧本于1987年完成，原定贝蒂·米勒出演迪劳丽丝。后来剧本又被好多编剧一再改写，最终的作品已经不是一个人的了，所以最后大家共用了一个笔名。

迪劳丽丝的藏身地是位于旧金山的圣保罗天主教教堂（St. Paul's Catholic Church）。

影片结尾唱诗班给教皇唱歌的时候，布鲁斯兄弟乐队（Blues Brothers）出现在背景中。

片中的学校是里诺的圣托马斯·阿奎奈天主教学校（St. Thomas Aquinas Catholic School），拍摄时它并不是作为学校来经营的。

导演认为里诺的警察局外观看起来不像警察局，片中的警察局是在里诺的邮局拍摄的。邮局外边停放着影片保安人员开的巡逻警车以使场景更真实。

本片是黑人谐星乌比·戈德堡的代表作，片中对大量有名的老歌重新填词，制造出喜剧效果。

专业的影评家一致认为这是一部“亲切幽默但又不失温馨的喜剧影片”。该片推出不到一个月，票房过亿元，这在1992年算是一个奇迹。

2．影片分析

影片喜剧效果的最大来源即迪劳丽丝将她真实世界中的身份藏进一身修女服，做出种种离经叛道的行为。当狂野歌手遇到苦行修女，巨大差异的冲撞带来了特殊的喜剧效果和思考。

歌手是在世俗世界中离金钱利益博弈最近的人，他们来往于赌场、酒吧、黑社会头子之间，是身经百战的老油条；而修女则是社会中过得最为单纯或者说是“最无趣”的一群人，她们日出而作，日落而息，生活规律，有条不紊。

当迪劳丽丝偷偷溜出去到酒吧玩耍时，两个单纯的修女认为她要去“救助迷失的人们”。世俗世界对金钱和利益的追求令人利令智昏，修女们却守着清规戒律和道德标准。两相对比，他们追求的不同就自然地显现出来了，如何让自己的人生更有价值，是每一个人都要面对和选择的。

音乐歌舞片作为好莱坞电影类型片的一种，是将音乐歌舞穿插在情节之中推动剧情发展或游离于情节之外作为单纯的艺术奇观展示。影片将音乐融入唱诗班这一载体，在推动情节的同时给我们带来了音乐享受。

影片中的音乐是片中的亮点。从酒吧歌手的歌到唱诗班的歌，都很好地推动了剧情，特别是最后的《I Will Follow Him》，在片末将剧情推向了高潮，成为英文金曲传唱不休。

片中音乐成功地将圣歌式吟唱与流行音乐结合起来，给观众带来很不一样的视听感受。

3．法律文化

在影片中，因为迪劳丽丝目睹一宗杀人案，她作为关键证人而被警方藏匿到教堂，以待开庭时为警方作证。

证人必须是能对案件提供证据的非当事人。证人是知道案件事实情况并向司法行政机关提供证言的人。凭借证人的证言来查清案件事实为古今中外的法律所重视，也是各种诉讼运用最广泛的一种证据形式。

在我国，除因生理上、精神上有缺陷或者年幼而不能辨别是非、不能正确表达意志的人以外，凡是知道案件情况的人，都有作证的义务。证人应如实地提供证言，如果作伪证或隐匿罪证，要负法律责任。

根据我国刑事诉讼法及有关司法解释的规定，证人应当出庭作证，证人证言必须在法庭上经过公诉人、被害人和被告人、辩护人双方讯问、质证，在听取各方证人的证言并且经过查实以后，才能作为定案的根据。但符合下列情形，经人民法院准许的，证人可以不出庭作证：未成年人、庭审期间身患严重疾病或者行动极为不便的、其证言对案件的审判不起直接决定作用的、有其他特殊原因的。

二十 《沉默的羔羊》（1991年）

导演：乔纳森·戴米

编剧：托马斯·哈里斯、特德·塔利

类型：惊悚

主演：朱迪·福斯特、安东尼·霍普金斯

片长：118分钟

上映日期：1991年2月14日

奖项：1992年获得第64届奥斯卡奖最佳影片、最佳男演员、最佳女演员、最佳导演、最佳改编剧本5项大奖，还获得第49届美国金球奖剧情类最佳影片、法国凯撒奖最佳外国电影等奖项

1．影片介绍

影片《沉默的羔羊》（The Silence of the Lambs）讲述了实习特工克拉丽斯为了追寻杀人狂野牛比尔的线索，前往一所监狱访问精神病专家汉尼拔博士，汉尼拔给克拉丽斯提供了一些线索，帮助克拉丽斯最终找到了野牛比尔，并将其击毙的故事。

这是改编自托马斯·哈里斯同名小说的电影。故事灵感源于华盛顿大学刑事学专家凯珀尔与连环杀手特德·邦迪的真实经历，邦迪当时帮助凯珀尔教授调查绿河连环杀手；1989年1月，邦迪被处死，而真正的绿河杀手在2001年才被抓获，绿河杀手谋害女性达48人。该片中联邦调查局的特工以及罪犯多数取自生活原型。拍摄前，主要创作人员全部到联邦调查局实地体验生活。

特德·塔利编写《沉默的羔羊》剧本时原本希望朱迪·福斯特扮演剧中女主角克拉丽丝·史达琳，此外艾玛·汤普森也是扮演克拉丽丝的人选之一。但乔纳森·戴米接手执导该片时，认为福斯特并不适合，希望由米歇尔·菲佛扮演，但米歇尔·菲佛因为该片过于血腥而拒绝演出。戴米随即又重新启用了朱迪·福斯特。

2．影片解读

这是20世纪90年代以来深刻反映美国社会犯罪问题的经典之作。第64届奥斯卡奖评委会在授予《沉默的羔羊》奥斯卡奖最佳影片时的授奖评语为：《沉默的羔羊》是一部具有复杂的情节和激烈的戏剧冲突的影片，也是一部相当出色的娱乐片。它的艺术性也很为人称道，那种精神上的对抗、那种“天使和魔鬼”的鲜明对比、那种建立在较缓慢节奏上的内在哲理性给人的印象是深刻的，所以它能在电影史上留下一笔。

影片继承了好莱坞惊悚片的传统，叙事方式上则突破了惊悚片的模式，将惊悚片与推理片巧妙地结合在一起。

影片场景设置以封闭的室内环境为主，缺乏激烈火爆的动作性，但由于采用了希区柯克式的悬念手法和现代惊悚片的心理分析方法，影片情节扑朔迷离，并将观众带入一个象征性的人类潜意识世界中。

影片中三个主要人物的个性设置非同寻常。

克拉丽丝·史达琳：性格复杂，既理智聪明又有野心，是FBI受训实习探员。为了侦破连环谋杀案，奉命前去探望食人狂魔汉尼拔·莱克特博士，试图从他那儿获得杀人犯的心理行为资料。经过几番努力，她最终找到了杀人犯野牛比尔的藏身处，并成功破获了案件。

汉尼拔·莱克特：智商极高，思维敏捷，有些精神变态的中年男子，有食人肉的恐怖嗜好。他沉着、冷静、知识渊博、足智多谋。警方虽将他关在重度精神病人的牢狱中，却仍然不得不承认他具有超出常人的精神病学识，于是派出了实习探员克拉丽丝去请教他案情。在两人的最后一次面对面的谈话中，汉尼拔·莱克特给了克拉丽丝资料，之后汉尼拔·莱克特利用两名警员给他送晚餐的机会成功地逃离了监狱。

野牛比尔：变态杀人狂魔，有变装癖。他是一个性变态的罪犯，犯下一连串杀人案件，并且剥下死者的皮，最后被FBI受训实习探员克拉丽丝·史达琳击毙。

影片中，演员的表演极具特色，他们成功地完成了影片中角色所赋予的使命。朱迪·福斯特展现了出色的演艺才华，塑造了一个勇敢而顽强的女特工形象。扮演汉尼拔博士的安东尼·霍普金斯的表演，可谓惊心动魄，达到了艺术的极致：他即使只是坐着一言不发，神态同样有极强的表现力，他那从容不迫的话语和动作，使人对他既敬畏又着迷。虽然他演的是反派角色，却使人无法对他产生憎恨之情，而被他的魅力所吸引。

影片还是一部心理分析片。导演运用了大量篇幅来展现人物的内心世界，探讨人物的心理过程，而幽暗的镜头处理、高超的音乐运用和非正面表现的暴力镜头，为影片增添了无尽的紧张氛围。

影片对汉尼拔的脱逃这一情节的镜头处理尤为出色。汉尼拔的脱逃方式，在很大程度上是通过侧面的描写加以表现的，光影、色彩的运用为影片营造了出色的氛围，略去过程而只展示发生和结果的暴力场面处理的方式，令人紧张地透不过气来，比直接表现所能达到的效果更佳。影片最后的开放式结尾为影片增添了无穷的意蕴。

《沉默的羔羊》无疑是20世纪90年代以来深刻反映美国社会犯罪问题的经典之作。

3．法律文化

《沉默的羔羊》通过探索人物心理疾患，试图探寻当代美国社会恐怖的根源，这使影片的主题得以深化，寓示了好莱坞“文以载道”的策略。

影片的社会命题也很有寓意。警察为了捕捉一名杀人狂魔而不得不求助于另一名杀人狂魔，本身就具有强烈的荒诞与讽刺意味。

影片在寻找人类社会的恐怖之源的同时，得出了一个“由于秩序本身的问题造成的，反过来危及秩序的犯罪病例”的结论，从这个层面上讲影片又具有一定的社会意义。

从主题上说，影片的恐怖是社会中的一些人要面对的真实恐惧——从社会底层往上爬的阻力、女性遭遇的歧视和威胁、压倒性的暴力、无法反抗的束缚、绝对孤独。整部片子象征意味非常强，很多细节都有寓意，直指人心。

二十一 《铁面无私》（1987年）

导演：布莱恩·德·帕尔玛

编剧：大卫·马梅

主演：凯文·科斯特纳、肖恩·康纳利、罗伯特·德尼罗、安迪·加西亚、查尔斯·马丁·史密斯

类型：剧情、惊悚、历史、犯罪

制片国家：美国

语言：英语

片长：119分钟

上映日期：1987年6月2日

奖项：1988年获第60届奥斯卡金像奖最佳男配角奖

1．影片介绍

影片《铁面无私》（The Untouchables）讲述了联邦官员纳斯在警员马龙的帮助下，最终战胜黑帮老大卡朋的故事。

在20世纪30年代的芝加哥，禁酒令的颁布，使贩卖私酒成了极为有利可图的行当。黑帮首领卡朋使用暴力手段控制着走私酒的市场，犯下了累累罪行。

新来的联邦官员纳斯决心打击酒类走私的活动，但他的第一次行动因走漏消息，以失败告终。在老警员马龙的引导下，纳斯重新振作起来，并且组成了一个行动小组。

纳斯摧毁了卡朋的地下仓库，拒绝了卡朋的贿赂，卡朋威胁纳斯，纳斯毫不妥协，又在边境查获了卡朋的走私车队，抓到了卡朋一位重要手下，马龙设法使他答应作指控卡朋的证人，但在法庭外的电梯里，证人和行动小组的一位成员都被卡朋的手下暗杀了。

愤怒的纳斯找卡朋算账，被老练的马龙制止。马龙从与卡朋勾结的警察局长那里得到了重要情报，就在纳斯前往马龙家时，马龙遭到了卡朋派出的杀手的袭击。依据马龙临终留下的线索，纳斯等人前往车站埋伏。一场枪战过后，纳斯抓住了卡朋的记账员。当卡朋以逃税的罪名被起诉时，卡朋的手下又企图采取行动，被纳斯及时察觉，经过一番较量，纳斯除掉了杀手，不仅为朋友们报了仇，同时还得到了一份卡朋的行贿名单。在法庭上，纳斯巧妙地让卡朋被判有罪。

2．影片分析

影片《铁面无私》的导演纯熟地运用电影技巧，把20世纪30年代禁酒时期警匪冲突的故事生动地展现在观众面前。影片气氛营造、场景布置和服装设计都弥漫着浓厚的怀旧气息；制造了错综复杂的矛盾冲突，在侦探与黑帮头目生死攸关的枪战戏中，导演和编剧共同创造出一种强烈的戏剧冲突。

电影借助在候机大厅里母亲推着的一辆婴儿车，将这场戏推向了撼动人心的悲剧高潮。重量不大的婴儿车像一个可称千斤的秤砣，使这场枪战戏扣人心弦，敌对双方之间原有的平面，变成了立体多元的戏剧空间；这个细节还引发观众对婴儿、母亲命运的担忧，从而造成“心悬于喉”的心理效应。通过这场戏，导演编织出一个不解的“连环扣”，它在引人入胜的同时，还增加了观众的探知欲，同时也使特定场景下的枪战场面富有了人情味。

在影片中，各个角色举手投足之间的绅士风度一览无遗。凯文·科斯特纳在片中饰演纳斯，他塑造出了一个坚定、勇敢的联邦官员形象，而老警员马龙的饰演者肖恩·康纳利也以其出色的表演而备受赞誉，在他的演绎下，男配角在中枪以后匍匐爬行的镜头成为影史经典，他最后以此角色获得了当年奥斯卡最佳男配角奖。

在此片中罗伯特·德尼罗完美地诠释了卡朋这一昔日黑帮风云人物的特定性格，他将那种类似“暴发户”所特有的炫耀和张狂演绎得淋漓尽致、入木三分，同时他还将黑帮老大特有的伪善与狠毒刻画到极致。比如，他在酒会上谈笑风生，可转眼就挥棒恶狠狠地打死出错的部下；再比如卡朋在听歌剧时会被感动得潸然泪下，可听到马龙被杀后却露出了微笑。他的表演使观众对于影片中卡朋这一人物既恨又怕，而这正是《铁面无私》这部影片所需要的。

影片中的音乐运用也十分出色。影片一开始，那富有时代气息的音乐节奏就为影片营造出了一个阴暗而混沌的氛围，透出一股惊险的意味，同时也反映出了整部影片的基调。

影片中每当情节处于发展变化的关键，与之相适应的音乐就会适时响起，大大地增强了影片的表达效果，画面与声音的巧妙组合使影片更为出色。其中以马龙被刺杀的这一场尤为出色，马龙浴血爬行的情景与悲剧的歌唱声相结合，使画面的表现力大为增加，内涵也更为深刻。这种技法极大地增强了影片的感染力，影片是声画组合的典范之作。

3．法律文化

影片的时代背景是美国出台禁酒令的时期。从1920年1月17日0时，美国宪法第18号修正案——禁酒法案（又称“伏尔斯泰得法案”）正式生效。根据这项法律规定，凡是制造、售卖乃至运输酒精含量超过0.5%以上的饮料皆属违法。自己在家里喝酒不算犯法，但与朋友共饮或举行酒宴则属违法，最高可被罚款1000美元及监禁半年。21岁以上的人才能买到酒，并需要出示年龄证明，而且只能到限定的地方购买。

这个禁酒令的出台，使贩卖私酒成了极为有利可图的行当。一些不法分子铤而走险，从事非法的贩卖私酒的活动，成为美国警方重拳出击的对象。

影片中黑帮首领卡朋就是使用暴力手段控制着走私酒市场的人，最后被纳斯送上了法庭。

二十二 《克莱默夫妇》（1979年）

导演：罗伯特·本顿

编剧：罗伯特·本顿

主演：达斯汀·霍夫曼、梅丽尔·斯特里普、简·亚历山大、贾斯汀·亨利、乔贝兹·威廉姆斯

类型：剧情、家庭

制片国家：美国

语言：英语

片长：105分钟

上映日期：1979年12月19日

奖项：1980年获得第52届奥斯卡金像奖最佳影片、最佳导演、最佳改编剧本、最佳男主角、最佳女配角五项大奖

1．影片介绍

影片《克莱默夫妇》（Kramer Versus Kramer）讲述了一个单亲家庭的孩子比利和父亲克莱默先生相依为命，最后和母亲重归于好的故事。

泰德·克莱默是一位生活在纽约的广告职员，他整天忙碌，忽视了妻子乔安娜。平日里他对妻子的种种要求也让妻子对这种失去自我的生活深感疲惫和厌倦，终于，她无法忍受这样的日子，在泰德拿下一个大客户怀着喜悦的心情回家打算庆祝的晚上，乔安娜收拾了行李，抛下丈夫和儿子离家出走。

乔安娜的离开，使泰德原本有序的生活骤然间陷入混乱之中。他无法兼顾工作和照顾孩子两件事，招致上司和儿子的不满。幸而有妻子的好友玛格丽特·菲尔普斯太太（也是楼里的邻居）的帮忙，让他混乱的工作、生活还能对付过去。泰德父子俩相依为命地生活着，渐渐地他们已亲密无间，难以分离。在一次玩耍中，比利不慎弄伤了眼睛，泰德抱着儿子疯狂地跑到医院。手术时，泰德紧紧地守在儿子身边寸步不离。

时间过去了一年多，泰德接到乔安娜的来电，两个人在一家餐馆见面。此时，重新找回自我的乔安娜，容光焕发，目前她已是收入丰厚的设计师，她来纽约是想获得比利的抚养权。一场官司不可避免，就在准备官司的时候，因为家庭生活拖累而在工作上屡出错误的泰德被老板开除了，为了打赢官司，泰德努力应聘，几经努力，终于在24小时内又找到了一份工作。

在法庭上，双方的律师咄咄逼人。虽然有玛格丽特出庭作证泰德是位好父亲，法官还是把监护权判给了乔安娜。为了避免影响比利，泰德决定放弃上诉，然而泰德在法庭上的陈述却打动了乔安娜。父子俩分离在即，两人一起做最后一顿早餐，在等待中，乔安娜打来电话，见到泰德后，乔安娜告诉他自己改变了主意，不再要求获得比利的监护权，父子不必分离了。

2．影片分析

影片《克莱默夫妇》是改编自艾弗里·科尔曼同名小说的电影。影片上映后，在欧美各国引起了强烈反响，原因之一是它的题材和主题深刻地触及了社会现实，从而产生了意想不到的艺术效果。

影片反映了当时美国社会中一个相当普遍的问题：家庭与婚姻问题。个人的理想、事业与家庭生活之间的矛盾导致了夫妇冲突和家庭离异。影片还涉及了西方社会中的一个敏感的问题——妇女解放问题，并对男女两性关系应如何调整，妇女应如何保卫自己的独立个性、追求生活的意义等问题做深入探讨。

《克莱默夫妇》在艺术上表现真情、以情动人。影片紧紧扣住人物的情感关系和情感线索，以亲情打动观众。影片几乎是由演员的面部形象、感情和冬日的风景组成，观众沉浸在影片营造的气氛之中被感动。

影片有几组对比性镜头生动体现了情节和人物性格的变化。第一个镜头就是乔安娜脸部的大特写——克制住眼泪的脸庞，最后一个镜头也是乔安娜脸部的大特写——临上楼时带有泪痕的脸。

同样，影片开始是乔安娜不顾丈夫的劝阻坚决出走，流着眼泪进电梯、下楼；结尾则是乔安娜回来，放弃了领走比利的要求，在丈夫的注视下拭去眼泪，进电梯、上楼。这些对比，体现了不可逆转的变化，也唤起观众无限的遐想。

影片中先后两次出现泰德和比利准备早餐的场面，象征着父子间的关系和泰德性格的变化，让人想到泰德在这18个月中付出的努力和艰辛。

达斯汀·霍夫曼和梅丽尔·斯特里普两位天才巨星在影片中融入真情的杰出表演，深深感动了观众。影片没有激烈的动作，全靠演员质朴无华、亲切自然的表演来塑造和表现人物。霍夫曼在拍片期间，正面临着影片中男主角泰德所面临的同样的婚姻和家庭问题，切身的感受和出色的表演天赋使他把人物演绎得栩栩如生。导演也鼓励演员大胆自由发挥。影片中乔安娜在法庭上的自白就是梅丽尔·斯特里普放弃剧中原有台词，根据故事情节和自己的感受即兴创作的。导演的大胆放手和演员的积极配合，使影片达到了真实动人的艺术效果，也为影片和他们各人带来了荣耀。

3．法律文化

影片中法庭上的一段戏涉及儿童利益的处置原则。

儿童“最佳利益”原则（The Principle of the Child's“Best Interests”）是联合国1989年《儿童权利公约》所倡导和现代许多国家处理儿童抚养和监护问题所遵循的首要原则，该公约的第3条规定，“应当首要考虑儿童的优先利益”，这也成为各国亲子法普遍恪守的最高立法准则。

美国各州自20世纪70年代以来，普遍采用子女最大利益理论，即儿童“最佳利益”原则，将子女的最大利益作为决定监护权归属的基本依据，并逐渐取代了母爱长久论，即不需要考虑父母的性别，而只考虑子女的最大利益。对于何为子女的最大利益（儿童“最佳利益”）, 《美国统一结婚离婚法》第402条有明确规定。

《欧洲人权公约》也充分体现对儿童权利优先性的保障，如《行使儿童权利欧洲公约》在序言部分承认“父母在保护、促进儿童优先权利方面具有重要作用”。

然而，在某些情况下，儿童的权利与父母的权利存在冲突，此时儿童权利的优先性会构成父母权利的限制。根据《欧洲人权公约》第8条第2款规定，如果这些限制在一个民主社会，对于“保护他人的权利和自由”是必要的，对私生活权与家庭生活权施以某种限制是合理的。当儿童的利益与父母的利益发生冲突时，这一条款为保护儿童的优先权利提供了依据。

《欧洲人权公约》第7议定书的第5条更加明确地承认了儿童权利的优先性：“无论在婚姻存续期间还是在婚姻解除之后，在配偶之间和他们与婚生子女的关系中，配偶双方享有同等的民事权利和民事义务，前述条款不妨碍成员国为了儿童的利益采取必要的措施。”

从这些儿童“最佳利益”公约中我们可以看出各国对儿童权益的保护。

二十三 《飞越疯人院》（1975年）

导演：米洛斯·福尔曼

编剧：肯·凯西、博·古德曼

主演：杰克·尼科尔森、路易丝·弗莱彻、丹尼·德维托、克里斯托弗·洛伊德

片长：133分钟

制片国家：美国

上映日期：1975年11月19日（美国）

色彩：彩色

奖项：1976年获得第48届奥斯卡金像奖最佳影片、最佳导演、最佳男主角、最佳女主角、最佳改编剧本奖

1．影片介绍

影片《飞越疯人院》（One Flew Over the Cuckoo's Nest）讲述了主人公麦克·默菲为了逃避监狱里的强制劳动，装作精神异常，被送进了精神病院。他的到来，给死气沉沉的精神病院带来了强烈冲击。

麦克·默菲（杰克·尼科尔森饰）来到精神病院后，平静的精神病院发生了一连串的事件。精神病院并非麦克·默菲想象中的自由避难所，护士长拉奇德（路易丝·弗莱彻饰）制定了一整套秩序，一切要以此为准则，病人们受到了严格的管制，还不时受到她的人格侮辱和折磨。

麦克·默菲对拉奇德的行为十分不满，冷嘲热讽，对她进行攻击。

拉奇德也处处针对麦克·默菲，用不人道的方式折磨病人。酷爱棒球的麦克·默菲提出看世界锦标赛实况转播的要求，拉奇德想方设法进行拒绝，麦克·默菲最后得到了高大的印第安人“酋长”的支持，凑够了表决的票数，拉奇德又以表决时间已过为借口拒绝打开电视机。

麦克·默菲想让被剥夺了自由、追求自己生存权利的病人们打起精神，快乐地生活一天，把病人们带上了汽车，来到了港口，偷了船，到远海钓鱼作乐，病人们欣喜若狂，但回来后，麦克·默菲受到了惩罚。

麦克·默菲对精神病院已无眷恋，准备离去。走之前，他把自己的女友和另一个女人带到精神病院。闻讯赶来的拉奇德侮辱了病人比利，使他割脉自杀。这使想要逃离精神病院的麦克·默菲再也忍无可忍，他扑上去，掐住了拉奇德的脖子，拉奇德没有死，麦克·默菲却受到了最惨无人道的待遇，被切除了大脑。

《飞越疯人院》改编自坎·凯西的同名小说。原著小说《飞越疯人院》发表于20世纪60年代，而60年代正是美国社会动荡不安的年代：二战结束后的东西方冷战、麦卡锡主义、马丁·路德·金倡导的黑人民权运动、肯尼迪总统被暗杀等，小说的作者借用文字表达了他对20世纪60年代美国体制的失望和不满。导演米洛斯·福尔曼作为捷克“新浪潮运动”的中坚力量，自1968年捷克的“布拉格之春”后流亡欧洲，并在1969年到达美国，1974年他拍了这部政治寓意强烈的影片。

片中大部分的临时演员都是真正的精神病患者。在影片中扮演“酋长”的威尔·山姆普逊，原本是公园的一名护林员，就住在电影拍摄地点附近的俄勒冈州。他被选中扮演该角色，是由于他是摄制组能找到的唯一一位与影片中的角色身高相符合的美国土著人。杰克·尼科尔森在片中扮演男主角麦克·默菲，他并不是制片方的第一选择，是三个候选人中的一个，在吉恩·哈克曼和马龙·白兰度都拒绝了这个角色之后，他接演了该角色，成功地塑造了麦克·默菲这一个性鲜明的人物形象，并获得了奥斯卡最佳男主角奖的殊荣。

2．影片分析

这是一部话题奇特、惊心动魄、内涵丰富的影片，公演后好评如潮。该片获得了1976年5项奥斯卡奖，即最佳影片、最佳男主角、最佳女主角、最佳导演、最佳改编剧本奖。

在该片的影响下，精神病院这个远离公众视线的地方，几乎一夜之间成了西方世界的谈论热点。

人物设置

麦克·默菲是一个不经意闯入疯人院的“正常人”，并不是疯人院内部所诞生的一个反叛者。他的反叛来自他自己的天性，并非刻意而为。麦克·默菲热爱自由不受约束的天性使他既不能被外面的世界所接纳，也无法被疯人院内的世界所接纳。他对疯人院的秩序和规定缺乏忍耐力，而对于已定规则又加入了自我思考和诘问，这两点是疯人院的“统治者”最无法忍受的。在每个病人都开始对这些规则“合理与不合理”质疑后，疯人院真正陷入了疯狂。在麦克·默菲屡次质疑、挑战，甚至嘲笑不合理规则后，最终等待他的是一个不变的结局。

护士长拉奇德是医院病人最直接的“统治者”，她管理和维护着医院的规章和秩序。表面上她不动声色，神情端庄、威严，在她的眼中，她管理的仅仅是被社会遗弃的“疯子”，她从不考虑病人的内心感受，如果病人不服从管理，她就使用自己的权力和手段。在病人眼里，她是一个依靠暴力和处罚来维护自己权威的恶魔，她忠实执行的规则并非由病人自己制定。

印第安人“酋长”，沉默不语，目光呆滞，对于父亲的死，他内心深处一直难以忘怀。麦克的到来唤醒了“酋长”，他亲手杀死了毫无意识的麦克，维护了麦克的尊严，不让他被人愚弄，使他得到解脱，最后“酋长”搬起洗漱台、砸烂窗户逃出了疯人院。

比利口吃，懦弱，他是恋母情结的牺牲者，母亲的态度决定了他的生死，为了不让母亲失望，他宁可出卖朋友。可恶的拉奇德明知比利的弱点，还利用他的母亲对他进行威胁、恐吓，迫使他最后在绝望中结束了自己的生命，以此无力反抗。

影片主题

从原创作者角度分析作品，可从三个不同层面来解读。

第一，从原创作者角度看，本片是根据坎·凯西写的同名小说改编的，坎·凯西在写博士论文时，曾在精神病院里担任过一段时间的管理员。

《飞越疯人院》中叙述的中心故事是真实的，因此可以将它看成一部揭秘性的影片。作品真实地再现了精神病院里的种种丑陋现象，揭开了美国警方与精神病院暗中勾结、残害不服管教的犯人的黑幕。

第二，该作品大量运用了隐喻的艺术表现手法：片中的精神病院被隐喻为美国社会，护士长拉奇德和医护们被隐喻为社会的统治者和帮凶（电击、毒打病人），主人公麦克·默菲被隐喻为反抗美国现行制度的英雄，而病人被隐喻为精神受到压抑的美国人民。麦克·默菲的斗争虽然失败了，但还有人勇敢地成功地飞越疯人院。从这个角度看，它又是一部政治电影。

第三，该片还可被当作社会文化寓言来解读。认识片中的“酋长”的象征意义是解读途径之一。“酋长”是一个健康、强壮、生命力极强的印第安人，是硬被送入疯人院的几个人之一（10个举手的人都没病，都是能够做出判断的正常人）。他足智多谋，会装聋作哑（可以躲避伤害如吃药等）；还力大如牛；他对疯人院里的制度和以拉奇德为首的管理者反感、深恶痛绝，但既不像麦克·默菲那样莽撞、蛮干，又不像其他病人那样逆来顺受。他是唯一的成功者，在片中他是一个没有受到现代文化污染的原生态文化的象征。

在古老、神秘、原生态文化面前，我们反窥自身，看到浮躁的现代文化有时不堪一击。

3．法律文化

影片中每一个人物都具有象征意义。拉奇德显然是某个集团、某种文化的象征，但她不是一个脸谱化的人物，而是现实生活里一个比较典型的护士长。她长相忠厚，恪守职责，工作认真；她的言行举止很有分寸，特别是能运用民主手段否决所有病人的要求，还振振有词，说是为病人着想。在作品中用她作为一个喻体、一个符号来象征某些政客、某种文化现象贴切又传神。拉奇德那种包藏在和善与真理背后的凶险让人感到恐怖。

影片调动了包括色彩、光影在内的许多手段，最典型的是麦克·默菲刚进疯人院时穿着黑夹克、戴着深色帽子，与疯人院里白色墙体、家具、医生和病人身上的衣服形成强烈反差，暗喻他与生存环境的不协调，是个叛逆分之。随着一再失败，麦克·默菲身上的黑色也一再减少，当他被做了脑切除手术成为白痴后，他身上的色彩已与环境的色调一致了。这样的处理堪称杰作。

《飞越疯人院》是新好莱坞电影的代表作，就立意的高远、思想的深刻和表现手法的精湛而言，该片比新好莱坞电影的早期代表作又上升了一个层面。

《飞越疯人院》对美国社会的抨击是猛烈的，所提出的问题也是深刻的，该片堪称警世之作中的精品。

二十四 《教父》（1972年）

导演：弗朗西斯·福特·科波拉

编剧：马里奥·普佐、弗朗西斯·福特·科波拉

主演：马龙·白兰度、阿尔·帕西诺、詹姆斯·凯恩、罗伯特·杜瓦尔、黛安·基顿

制片国家：美国

上映日期：1972年3月15日（纽约首映）

片长：175分钟

奖项：1973年获得了第45届奥斯卡金像奖最佳电影、最佳男主角、最佳改编剧本奖

1．影片介绍

《教父》（The Godfather）是派拉蒙影业公司出品的一部黑帮题材的电影，改编自马里奥·普佐的同名小说。

影片讲述了以维托·唐·科莱昂为首的黑帮家族的发展过程以及科莱昂的小儿子迈克如何接任父亲成为黑帮首领的故事。

1945年夏天，美国本部黑手党科莱昂家族首领——教父维托·唐·科莱昂为小女儿康妮举行了盛大的婚礼。维托·唐·科莱昂有三个儿子，好色的长子逊尼、懦弱的次子弗雷德和从二战战场回来的小儿子迈克。其中逊尼是教父的得力助手；而迈克虽然精明能干，却对家族的事业没什么兴趣。

维托·唐·科莱昂是黑手党首领，同时也是许多弱小平民的保护神，深得人们爱戴。他有一个做人原则，就是决不贩毒害人，他拒绝了毒枭素洛佐的要求，因此激化了与纽约其他几个黑手党家族的矛盾。

圣诞前夕，素洛佐劫持了教父的教子汤姆，并派人暗杀教父。教父中枪入院。素洛佐要求汤姆设法让逊尼同意毒品买卖，重新谈判。逊尼有勇无谋，他发誓报仇，却无计可施。

迈克去医院探望父亲，他发现保镖已被收买，而警方也和素洛佐串通起来。家族间的火并一触即发。迈克制订了一个计策诱使素洛佐和警长前来谈判。在一家小餐馆内，迈克用事先藏在厕所内的手枪击毙了素洛佐和警长。

迈克逃到了西西里，在那里他娶了美丽的阿波萝妮亚，过着田园般的生活。此时，纽约各个黑手党家族间的仇杀越来越激烈。逊尼被康妮的丈夫卡洛出卖，被打得千疮百孔。教父伤愈复出，安排各家族间的和解。迈克也受到了袭击，被收买的保镖法布里奇奥在迈克的车上装了炸弹，迈克幸免于难，却痛失爱妻。

迈克于1951年回到了纽约，和前女友凯结了婚。日益衰老的教父将家族首领的位子传给了迈克。在教父病故之后，迈克开始了酝酿已久的复仇。他派人刺杀了另两个敌对家族的首领，并亲自杀死了谋害他前妻的法布里奇奥；同时，他也命人杀死了卡洛，为逊尼报了仇。

仇敌尽数铲除，康妮因为丈夫被杀而冲进了家门，疯狂地撕打迈克，迈克冷峻地命人把康妮送进了疯人院，他已经成了新一代的教父。

1973年这部电影获得了第45届奥斯卡金像奖最佳电影、最佳男主角、最佳改编剧本三项奖项；此外还获得了第30届美国金球奖最佳电影、最佳导演等奖项。2007年美国电影协会评选了“百年百佳影片”,《教父》排名第二。

影片《教父》描述了黑手党的产生、发展的全过程：外来移民为生活所逼，铤而走险，靠走私、赌博、贩毒、谋杀而在美国社会中争得一席之地。他们依赖非法营生而逐步发展壮大，其势力也渗透到各个领域，在政府枢纽部门也有了他们的代理人。当他们羽翼丰满时，便不满足于现有的非法地位，力求融入合法社会，毫无畏惧地享受他们的财富；然而，具有讽刺意味的是，他们由非法社会向合法社会的过渡却是依靠非法的暴力行为得以完成的。

影片的深层意义在于它为美国电影史上一个十分悠久的经典类型——犯罪片——开拓了广阔的前景，不仅拓展了犯罪片的表现领域，其思想意义和内涵也超越了暴力的范畴，并将主题升华为人类社会中最常见的权力交替中的深层意义——权力与罪恶的关系。

影片在20世纪70年代初轰动一时，取得了商业和评论上的双重成功。片中“教父”的扮演者马龙·白兰度带动的“马龙·白兰度热”像旋风一样波及整个世界，而导演科波拉也从此奠定了他在好莱坞中的“教父”地位。

马里奥·普佐当年创作的小说《教父》是美国文学创作中的一个转折点，它使黑手党问题引起了举国上下的普遍关注，从20世纪70年代初开始，反映黑手党的作品就如雨后春笋般繁盛起来，但是没有一部能同《教父》相提并论。

（1）创作背景

《教父》改编自马里奥·普佐于1969年出版的同名小说。小说中的主人公维托·唐·科莱昂的原型是被称为“黑帮总理”的Frank Costello以及暴徒Vito Genovese。Frank Costello和Vito Genovese都是纽约黑手党的成员，小说中的一些黑手党行动也源于两人制造的真实事件。小说中有些主要情节没能出现在影片中，比如维托·唐·科莱昂对早年生活的倒叙，包括他如何移居美国、怎样杀死唐·法努奇以及如何成为黑手党的教父。

（2）导演选择

弗朗西斯·福特·科波拉一开始不是执导《教父》的最初人选，在他担纲导演之前，制片方至少与两位导演接洽过此事，其中包括意大利导演赛尔乔·莱翁，但是对黑手党故事不感兴趣的莱翁回绝了制片方的邀请。科波拉起初不愿执导这部电影，因为他也担心影片有宣扬黑手党和暴力之嫌，有损他身为具有西西里血统之人的形象。后来科波拉发现影片可以成为对美国资本主义的隐喻时，便开始对影片充满热情，同意担纲执导。

（3）演员选择

制片方派拉蒙影业公司起初并不认同导演科波拉选定的演员，极力反对白兰度扮演维托·唐·科莱昂，希望劳伦斯·奥利弗担纲演出，但奥利弗因健康问题无法出演。派拉蒙影业公司的一位主管又建议请丹尼·托马斯扮演维托·唐·科莱昂，后来经过科波拉的一再恳求，制片方终于同意与白兰度签约，但前提是片酬必须远远低于以往，而且候选人务必参加试镜和签署绝不延误拍摄进度的协议。在试镜中，白兰度击败了竞争对手欧内斯特·博格宁，获得了派拉蒙公司上层的认可。

制片方本想请罗伯特·雷德福或瑞安·奥尼尔扮演迈克，科波拉则希望起用看上去像意大利人的陌生面孔。科波拉看中了初出茅庐的阿尔·帕西诺，可制片方认为身高只有1.7米的帕西诺不适合扮演迈克。虽然杰克·尼科尔森、达斯汀·霍夫曼、沃伦·比蒂、马丁·辛和詹姆斯·凯恩都参加了试镜，但科波拉仍坚持为帕西诺争取这个角色，并以退出拍摄相威胁，无奈之下制片方只得妥协。

除去片中的主角外，其他角色也竞争激烈。布鲁斯·邓恩、保罗·纽曼和史蒂夫·麦奎因都是扮演汤姆·哈根的最初人选。安东尼·博金斯和米亚·法罗也分别参加了桑尼和凯伊角色的试镜。罗伯特·德尼罗参加了迈克、桑尼、卡洛和鲍利四个角色的试镜，并得到了鲍利的角色，可科波拉选择用他完成“交易”，因为在制片方无法确定是否该让阿尔·帕西诺扮演迈克时，帕西诺已经签约出演《我的子弹会拐弯》，科波拉为了得到帕西诺，就必须用德尼罗交换。

（4）拍摄场景

1971年3月29日，《教父》正式开拍，片中沃尔兹住所的外景大多取自洛杉矶，其余外景则多数在纽约拍摄完成。影片中西红柿花园是在纽约长岛的一处私人居住地实景拍摄。为了拍摄迈克和凯伊在圣诞节的购物场景，剧组特地将已经关闭的Best Company旗舰店重新装扮起来。

（5）电影道具

在拍摄莫·格林被杀的镜头时，为打造出子弹射穿眼球的效果，剧组在演员的镜架上隐藏了两只管子，分别装有血液和BB弹及压缩空气，当枪响后，BB弹在压缩气体的作用下从内部击碎镜片，血液也随之涌出。麦克劳斯基额头中弹的效果也同样出自一系列机关，剧组为演员制作了一个假前额，并在额头中央留出缺口，向缺口注满血浆，然后再用一块“肌肉”堵住缺口。

2．影片解读

《教父》以沉郁冷静的风格讲述了一段颇具浪漫主义色彩的黑帮史诗，是电影史上最伟大的黑帮电影之一，被誉为男人的“圣经”。这部电影不但在评论、艺术和票房上都取得了成功，它还为后人树立了一个典范，是一部众口称赞的经典电影，在权威电影网站上的好评率高达百分之百；美国权威电影组织美国电影学院将其评为“美国最伟大的黑帮经典电影”。

《教父》对电影史、黑帮类型片、流行文化的影响深远，是很多导演心中的影史上最佳电影，马龙·白兰度、阿尔·帕西诺等演员的出色演绎，加上故事本身的史诗性，使得这部电影成为一部杰作。《教父》作为黑帮题材的电影，不是虚无主义地淡化宗教意味，相反这部影片有着深深的基督教烙印，但它很少讨论善恶，也很少用主观镜头表现宗教的道德观，只是在几个节点，集中表现人物内心的煎熬，举重若轻地表达这一层内涵。

《教父》叙事成熟，婚礼半小时的伏线密集，对庞大的人物关系网、情节发展起到关键作用；影片开头埋下的几处伏笔，在后来的剧情中全有呼应，而且令人感到新颖的是这几处呼应并不决定情节走向，而是草蛇灰线式连接。比如，殡仪馆老板第二次出现，是在教父长子逊尼被枪杀后，教父拜托他来为爱子整理遗容；蛋糕店老板的女婿恩佐第二次出现是在教父被枪击后，在医院里和迈克假扮保镖护卫教父。这几处情节，都没有决定剧情的走向，而是连接了前后剧情，将复杂的人物关系网融为紧密的整体；而且这种呼应是古典叙事中常见的“受恩-回报”式呼应，叙事节奏绵劲，对人物塑造本身也是一种渲染。

《教父》有多处极其经典的镜头运用，比如开场老教父背对镜头，听着殡仪馆老板讲话，光线很暗，等二人耳语过后，镜头突然正打，然后慢慢拉开，呈现全屋的场景，将教父威严的一面烘托得非常成功；影片结尾处，景深镜头的运用也堪称经典，凯站在近景，远远看着迈克接受手下表示臣服的吻手礼，之后门缓缓关上，象征意味十足。影片的打光是极为革命性的，在此之前几乎没有人尝试如此暗的光线，殡仪馆一段，是这种黑白对比光最为强烈的一幕，教父从黑影中走出来，五官轮廓分明，阴影的处理非常考究，出色地烘托了他此时的悲伤情绪。

《教父》的布景非常地道，作为一部时代剧，这部影片展现了线条流畅、凹凸有致的豪华轿车以及战后流行的各式帽子。科波拉和摄影师戈顿·威利斯一起，用彩色摄影实现了某些有意思的效果。影片刚开始的部分，有一种褐中带红的色泽，稍稍过曝，感觉就像是一份1946年的报纸增刊。

《教父》史诗般的宏大叙事将人带入了惊心动魄的时代，展现了波澜壮阔的图景，当然还有马龙·白兰度、阿尔·帕西诺和罗伯特·杜瓦尔等演员的伟大表演，尤其是马龙·白兰度和阿尔·帕西诺扮演的新旧两代“教父”，早已是电影史上的经典角色。《教父》使得马龙·白兰度再度辉煌，也使得阿尔·帕西诺自此登上绚烂的影坛，他们共同演绎了新旧教父之间的角色传承，虽然面对面的戏份不多，但在医院中简单的一句对白、一个亲吻、一个微笑，已经预示了终将到来的改朝换代。

《教父》系列从1972年至1990年，如果不是《教父3》水平下滑严重，这个系列的排名，还可以进一步前移。在科波拉投资《现代启示录》惨败后，他的后期作品总是多了几分烟火气。或许在穷困之中，拍片赚钱弥补那个惊人的黑洞，对他而言已经比追求艺术更加迫切。

三部《教父》，很精巧地采用了类似的结构——由一场盛大的庆典揭幕，再由一场盛大的杀戮落幕。导演或许是用这种方式，揭露黑道生活表面的华丽之下为一般人所无法看到的残酷血腥。

迈克穷其一生的努力，都是希望家族走上合法化的道路，但既陷因果，又怎能逃脱；所以，每每己方流淌的鲜血，都需要对方付出数倍的代价，而埋藏下的仇恨的种子，又在某一刻生根发芽，长出新的恶之花。

从年轻气盛、不屑家族所为的二战英雄，到临危受命、力挽家族于即倾的新一代教父，再到一怒之下血流漂杵的暗夜帝王，迈克走出的这一条人生轨迹，看似步步偶然，实则命中注定。他沉着冷静的性格使他承继老教父的衣钵，他比冲动易怒的长兄和懦弱无能的次兄，有着天然的优势。于是，他慢慢地走进黑暗，无法自拔；他脸上的纯真一点点消失，天使不再，撒旦君临。

对于家人，迈克是温柔而多情的。对于在西西里岛上不幸殒命的第一任妻子，他歉疚一生；对于曾经相濡以沫且为他诞下一子一女的第二任妻子，虽然劳燕分飞，却始终念念不忘；对于儿女，他宠溺爱护，对于老父孤母，他承欢孝敬；对于兄长留下的孩子，他都尽自己的能力照顾提携；唯一的例外是丧生于他命令之下的二哥弗雷德，而这个不能告人的秘密，也成为迈克一生中内心永不能平复的伤疤。

对于敌人，迈克永远不会有一丝的怜悯。弗雷德的背叛，已经过去了那么多年，安于泛舟垂钓的他，不可能对弟弟产生任何威胁，迈克仍然毫不犹豫地下达了兄长的死亡命令；他不能允许的，是教父的至高权威受到挑战，即使那个人是血浓于水的至亲。

每当机关枪的火舌喷舞，当黑暗的角落传来一声冷枪，一个又一个绊脚石被他从这个世间抹去，直到妻离子散，女儿年轻的生命被碾压成尘土，一代教父在无限的懊悔与痛苦中撒手人寰；但新的教父已经登基，黑帮的史诗仍将继续奏响。

后院的绿藤下，迈克走完了自己的人生，一如自己的父亲。两代教父之死，为三部曲串联起一个完整的环。生生不息，冤冤相报，太多的人生感悟可以在《教父》中被阅读，被思考，被反省。曾有媒体评出男人必看的十大电影，《教父》高居榜首，当之无愧。

3．法律文化

黑社会（Underworld Society）是指以获取非法利益为目的，有一套与法律秩序相悖的地下有组织的犯罪团伙。其雅称为江湖、绿林、黑帮。

第一代教父从小生长在意大利西西里，后逃到美国建立黑手党帝国。

在意大利，黑手党“我们的事业”多年来控制着西西里岛，不过，意大利南部卡拉布里亚地区的“恩特兰盖塔”的组织更加庞大，影响更加广泛。该组织是哥伦比亚与欧洲贩毒网络的重要一环。其主要特征：重视家族关系。“我们的事业”实行“无声战略”，避免内讧和相互争斗，大部分黑手党组织都严格遵循封建家族式的继承和管理方式。

《教父》讲的是黑帮内部权力的更迭和非法组织的合法化进程。他们铤而走险是为了生存，初衷是让日子过得更好，在这片土地上立足扎根，让子孙后代不再脑袋提在裤腰带上血腥地过日子，所以又渴望将黑钱洗白。

具有讽刺意味的是合法化的进程只能以非法血腥暴力来完成。迈克本是怀揣理想，父亲本是充满幻想的，儿子不参与家族事业，爸爸希望家里能出一个参议员，成为操控的人，而不是像他一样充当“打手”，所以他们互有默契。

枪声打碎了梦想，一切还是要用老方法才能实现，短暂的愤怒之后是无奈和坚定。

迈克的变化之大、手段之凌厉更在其父之上，他有强大的信念，父子俩站在同一战线上，拥有一个梦想。教父有一段经典的台词：“毒品和我们以前经营的事业都不一样，赌，女人，酒，这些是人们需要的，只是人们被教会不能做这些，但是毒品不一样，政府、警察最终一定会干预，它会在多年后毁了我们。”

第一代教父的白手起家，或多或少都有不能说的秘密，短时间积聚起来财富不是人生常态，即所谓财富都有“原罪”。

教父与其他牟取眼前暴利的人不同的是他目光长远和有终极愿景。别人是在图一时享乐，他是在谋百年后的出路。这些东西，他歇斯底里的女儿不明白，他温顺贤惠的老婆不明白，他莽撞贪色的大儿子不明白，只有他的小儿子是最清醒的一个，所以迈克不能有选择，也不能眼看着家族轰然倒塌。教父是神的使者，能成为教父非常人所为。

二十五 《法国贩毒网》（1971年）

导演：威廉·弗莱德金

编剧：霍华德·霍克斯、罗宾·摩尔

主演：吉恩·哈克曼、费尔南多·雷依、罗伊·施耐德、托尼·洛·比安科

类型：动作、惊悚、犯罪

制片国家：美国

语言：英语、法语

片长：104分钟

上映日期：1971年10月9日

奖项：1972年获得第44届奥斯卡金像奖最佳电影、最佳导演、最佳男主角、最佳改编剧本、最佳剪辑奖

1．影片介绍

《法国贩毒网》 （The Frence Connection）是根据罗宾·摩尔（Robin Moore）的作品改编的电影，作品取材于1962年在纽约破获的大宗毒品案。

影片中两名纽约警察锲而不舍地追查，终于破获一宗来自法国的大规模海洛因走私案。

在风光旖旎的法国马塞潜伏着一个贩毒集团。贩毒集团头子夏尔涅（费尔南多·雷依饰）操纵着全球最大的海洛因走私网，警方多方追查，仍无法将其缉拿归案，卧底警察也被残忍杀害。夏尔涅获悉电视明星德布罗将赴纽约联系拍片事宜，便利用他的合法身份进行大宗海洛因走私，将毒品藏在德布罗专用的林肯牌轿车里。据黑市行情，每公斤海洛因卖价8000美元，夏尔涅走私60公斤纯海洛因，加水稀释，再卖出去，可以赚3200万美元。

市警察局缉毒科的探员吉米（吉恩·哈克曼饰）和帕蒂（罗伊·施耐德饰）在一次酒吧寻乐时偶然获得了线索。他们通过努力摸清了整个脉络，并申请了窃听电话，得知贩毒老手萨尔将同夏尔涅会晤，马上进行跟踪，但被老奸巨猾的毒贩子甩掉了。一场与贩毒团伙斗智斗勇的持久战就此拉开帷幕。罪犯们将吉米视为心腹大患，欲除之而后快。

最后帕蒂在德布罗的汽车轴盖板中发现了120斤的毒品，警方欲擒故纵，直捣贩毒基地伍德岛。当毒贩们一手交钱、一手交货时，警车追来。毒贩们纷纷逃进楼房，紧接着是一场激烈的枪战，双方互有伤亡。

警察施放催泪弹，在烟雾的掩护下，吉米与帕蒂等冲进楼房……枪声渐渐平静了，毒贩们举着双手走了出来，唯独夏尔涅不见了，吉米提枪潜入，良久只听见一声枪响，而后是死一般的沉寂……狡猾的夏尔涅漏网了。

影片在1972年击败了艺术性超强的《发条橙》，荣膺最佳影片等5项奥斯卡大奖，其中很重要的原因就在于，它揭示了当时愈加泛滥的国际犯罪组织进行跨国毒品交易的现实，主题的时效性使它获胜。

彼得·伯耶尔曾是扮演吉米的最初人选，但他因经纪人阻止而未能出演，弗莱德金因无力支付与影片拍摄预算持平的高额片酬也不得不放弃理想人选保罗·纽曼。杰基·格黎森和纽约专栏作家吉米·布莱斯林也分别因制片方否决和拒绝在追车场景中亲自驾车而辞演，史蒂夫·麦奎因则因不愿再次出演警匪片而拒绝。弗莱德金希望西班牙演员弗朗西斯科·拉瓦尔能出演法国毒贩夏尔涅，但因他不知道演员姓名及选角指导的失误，再加上拉瓦尔在语言上的障碍，费尔南多·雷依最终得到了夏尔涅的角色。

2．影片解读

影片改编于罗宾·摩尔于1969年出版的纪实小说The French Connection: A True Account of Cops, Narcotics, and International。除了两位主人公外，该片中的很多虚构人物都对应着真实人物，如贩毒组织头目夏尔涅的角色原型是后来在巴黎被捕的毒枭吉恩·杰汉，法国电视明星德布罗的原型是曾在美国服刑4年的法国电视演员雅克·安琪文。

影片是美国20世纪60年代后期崛起，到20世纪70年代方兴未艾的“新好莱坞电影”运动的代表作。导演突破了好莱坞传统警匪片的格局，以新颖的手法，赋予影片明快的视觉风格和现代感极强的节奏。片中有着大量的枪战和暴力镜头，结尾部分的枪战场面尤为激烈。全片情节曲折，悬念迭出。自然音响和剪辑技巧的出色运用，起到了渲染气氛的作用。

影片亮点有两个，一个是手持摄影的恰当运用。手持摄影在今天的电影业已被用滥，但在这部老片子里，在警察追酒吧里跑出来的小喽啰以及开车追火车的时候，导演一边克制一边放肆地使用手持摄影完美地增加了追逐戏的紧张感和惊险度。尤其是追火车的一段，拍得很棒。

如吉米驾车追踪轻轨中的歹徒这场戏。架设在车内的主观镜头实时传递出急速行驶的汽车的危险感，再穿插客观镜头比照汽车与架桥上的轻轨并行的场面，把一场警匪斗智斗勇的好戏表现得淋漓尽致。吉米和帕蒂，这两个传奇的警探拍档在电影中的性格被塑造成一静一动，一个暴烈一个缜密，一个张扬，一个沉默，非常吸引人。影片着重表现的是张扬的吉米。

吉恩·哈克曼的表演的吉米，他的暴烈是一种生存需要，面对穷凶极恶的毒枭，任何一点软弱都会导致丧命。他生活的全部意义就在于缉毒。

另一个亮点是导演采用的现实主义角度，演得却是以铲除贩毒团伙为己任的一对纽约警察，影片塑造的警察形象也不完美：暴躁、滥用暴力、私生活放荡，片末还误杀了联邦探员。正是这些不完美，才使人们至今看这部影片仍不觉得乏味。

在导演阐述中，威廉·弗莱德金说，在他同演员排演时摄影师不在场，当真正拍摄时，导演要求摄影师自己根据演员的走位捕捉画面，以此呈现纪录片式的真实场景，因此摄影轨道便被更灵活的轮椅所取代。

警匪角力的几场戏也比较出色，其中，吉米、帕蒂和他们的同行对头穆德里克一同跟踪大毒枭夏尔涅，堪称标准的三角跟踪示范。三人在街上成三角排列，一人跟踪疑犯，另外两人在街对面尾随，以备随时交叉替换跟踪。这场戏的场面调度不逊于现在的大片。

大毒枭夏尔涅借助地铁摆脱吉米跟踪的一场戏成为跟踪与反跟踪场面的样板，在地铁即将出站的十几秒时间里，心知肚明的双方你来我往、你进我出，不知被后来的电影仿效过多少遍。

进入地铁车站之前，镜头分别对两人进行了跟拍，只有两次为了交代两人的实际距离，将吉米和夏尔涅并置在一个镜头内，夏尔涅好像是遥远的地平线，可以看到，但追不上，在进入地铁前，导演将吉米和夏尔涅匆匆走过街道的腿部特写交叉剪辑在一起，将这种概念推到极致。直到夏尔涅上了地铁又走下来，吉米也跟着下车，两人同时出现，这不是吉米的胜利，原本这种距离虽然给跟踪造成了麻烦，但不至于暴露自己，现在独立空间不存在了，夏尔涅站在前景靠右的位置，试图控制局势，吉米则显得措手不及。接着在吉米打电话的镜头中，夏尔涅主动走到原本只属于吉米的空间，进行第一次挑衅，暗示他已胸有成竹。最精彩的部分发生在夏尔涅再次登上地铁，吉米也跟了上去，他俩再次被放在一个镜头中，吉米处在前景的虚焦点中，夏尔涅虽然在后景中显得很渺小，但镜头将焦点清晰地给了他，吉米看似主动出击的行为并未占上风，结果，夏尔涅再次下车，几个动作来回反复，夏尔涅上车，车门关上，列车开走。夏尔涅对被耍没能跟上车的吉米招手挑衅，吉米气愤地跟车跑，摄影机跟着地铁将吉米远远地抛在后面，铁道的黑暗逐渐吞噬画面，在这场较量中，老谋深算的夏尔涅像魔术师一样，用一根手杖决定了胜负，黑暗战胜了正义。这场戏不是完全写实的，摄影机过于聪明，出现了太多含义，除了写实的打光、写实的音效外，地铁的这场戏是拥有写实外形的表现主义戏，导演传达的娱乐元素再明显不过了。

结尾这场戏，在阴暗、肮脏、充满玄机的库房里，吉米不顾周围的危险，他的表现与帕蒂形成鲜明的对比，他不想再一次被夏尔涅甩掉。影片最后一个镜头，摄影机静止在那里，任凭吉米独自一人走向画面深处充满危险的环境，孰是孰非，镜头没有再做任何表现，这使最后的枪声显得格外落寞与无可奈何……

影片在艺术创新之外，也有很高的思想成就。吉米的原型埃迪·伊根在影片中饰演了自己的顶头上司，粗暴地对待下属，这种安排既戏谑又反讽。影片结束前吉米枪杀了自己厌恶已久的同僚穆德里克。最后的一幕，吉米走向黑暗，枪声响起，影片结束，毒枭出人意料地逃脱，这种意在言外的留白产生出一种不可名状的思想张力。

《法国贩毒网》对以后的警匪片、枪战片、动作片都产生了重大影响，其中的搭档设置、警匪追逐、情节安排、场面调度、气氛营造等都堪称经典。

影片以群戏为主，导演以生活在各地的十多人的生活为重点，描绘出美国贩毒行业的多个层面，并深入刻画了人性本质。

对于影片中吉米驾驶庞蒂克勒芒轿车疯狂追逐高架列车的片段，出现在画面中的高架铁路是途经布鲁克林第86街的纽约地铁B线（后来的D线），列车司机和乘务员都是真正的纽约交通局职工，驾车横冲直撞的特技车手比尔·海克曼还在片中扮演了FBI特工。由于这段特技过于危险，所以剧组在拍摄之前并未得到相关部门的批准，而且拍摄现场的交通状况难以控制，特技车手只能依靠安在车顶的警灯和狂按喇叭才闯过红灯、高速穿过路口，在险象环生的拍摄中，由于时机选择不当，意外的撞车频频发生，这些真实的画面最终都被保留在影片中。为拍到吉米驾车狂奔时的车内情景，弗莱德金亲自坐在后座取景，而安全措施只有一个围在身边的气垫。

这是将世贸中心摄入镜中的第一部电影。

追逐场景中的地铁列车车厢是R-42系列的。在与汽车相撞的时候，列车车厢直接挂在Popeye汽车的上面，可以看到它是由老式的R-32车厢组成。

吉米和帕蒂的角色原型埃迪·伊根和桑尼·格鲁索不但在片中客串了角色，还向剧组提出了争取拍摄许可的宝贵建议，从而为追车场景的拍摄发挥了重要作用。影片中，列车司机科克因目睹杀手击毙乘务员而突发心脏病，在现实生活中，扮演科克的列车司机威廉·科克后来确实因心脏病突发而丧生。

电脑游戏《侠盗车手4》中“The Puerto Rican Connection”任务的设计灵感源于本片。

为体验警察的生活，吉恩·哈克曼和罗伊·施奈德曾跟随埃迪·伊根和桑尼·格鲁索外出巡逻，哈克曼还曾帮助两位警察在巡逻车中控制一位嫌疑犯，不过他不但没有感到过瘾，反而担心自己受到假扮警察的指控。

影片中吉米驾驶的1971年款庞蒂克勒芒轿车在美国电影学会的拍卖会上被说唱歌手大卫·拜纳以35万美元的高价买走。

发生在纽约时代广场大中央车站的场景仅有几分钟，但由于没得到交通局的批准，剧组整整拍摄了两天。该片中的6609号车厢现在被保存在纽约交通博物馆中。出现在该片第一段酒吧场景中的所有临时演员都是真警察。

3．法律文化

影片的内容有深刻的时代背景。在20世纪70年代，美国电影中以警察和刑事案件为题材的影片充斥影坛。而在此之前，出版社也相继出版了大量警察和刑事案件方面的纪实小说。这些影片和书籍，不少是揭露警察内部的腐败和变化。在充斥着暴力的美国，警察越来越成为以暴制暴的工具。警察的行动，也往往超越法律的限制，暴力已成为他们最常采用的执法手段。

在《法国贩毒网》这部以缉毒为内容的影片中，主人公警探吉米被塑造成一位以暴制暴的孤身英雄。他喜欢用自己的方式来对付贩毒分子，为此他被停了职。影片塑造的不完美的英雄形象，映照了真实的社会生活，也为影院里并不十全十美的观众，提供了慰藉。

4．法理分析

影片中涉及的走私贩毒数目巨大。不同的国家对此有不同的量刑标准，我国的情况基本如下。

走私毒品罪，是指明知是毒品而故意实施走私的行为。

走私毒品是指非法运输、携带、邮寄毒品进出国（边）境的行为。行为方式主要是输入毒品与输出毒品，此外对在领海和内海运输、收购、贩卖国家禁止进出口的毒品，以及直接向走私毒品的犯罪人购买毒品的，应被视为走私毒品。

二十六 《夏安人之秋》（1964年）

导演：约翰·福特

编剧：Mari Sandoz、詹姆斯·R．韦布、Howard Fast

主演：理查德·威德马克、卡罗尔·贝克、卡尔·莫尔登、萨尔·米涅奥、朵乐丝·德里奥

类型：剧情、历史、西部

制片国家：美国

语言：英语

片长：154分钟

上映日期：1964年10月3日

又名：John Ford's Cheyenne Autumn、The Long Flight

奖项：1965年获第37届奥斯卡彩色影片最佳摄影奖（提名）

1．影片介绍

影片《夏安人之秋》（Cheyenne Autumn）讲述了1887年美国政府与印第安人签订和约，答应援助遇到各种如天灾、疾病、粮食短缺等问题的印第安人驻扎在俄克拉荷马保留区。但是当得到印第安人的大片土地之后，美国政府就忽略了这项协约，于是夏安族的酋长不得已决定返回原来拥有丰盛农产的居住地。这样就破坏了协议，引起了军队和夏安族的冲突，使美国内部陷入动荡与不安中。美国政府与印第安人的摩擦日益增多，这时一位军官请内政部长化解了冲突，双方在此谈判，把印第安人原居住地划为了保留区，同意印第安人在这片他们之前生活的土地上居住生活，美国政府与印第安人之间终于建立了和平关系。影片以写实的手法充分诠释了当时的时代背景。

2．影片分析

约翰·福特是美国伟大和多产的导演之一。在1915年格里菲斯的名片《一个国家的诞生》中他扮演了一个三K党徒。1935年的《告密者》是他的成名作，1939年他执导了《关山飞渡》，此片对环境的利用及对人物的刻画都非常成功，开辟了新的西部片大制作风格。1940年他执导的《愤怒的葡萄》获得第13届奥斯卡金像奖最佳导演奖。1962年他执导的《双虎屠龙》是福特最优秀的西部片之一，影片以人物刻画见长，对人格、道德、法律、善恶等都有认真的探讨。《夏安人之秋》是一部气势恢宏的史诗性影片，是导演对美国印第安人迁徙历史的一种书写，在镜头细腻的描写下，人性的尊严被充分地表达了出来。影片对印第安人信守承诺、处境艰难、无声的抗议，以及面对强敌时的英勇无畏都有细致的展现。作品真实再现了那段历史，许多场景令人印象深刻。

影片的外景拍摄也很讲究，美国西部的壮美不言而喻，野生动物迁徙的镜头不亚于今日《动物世界》中的画面，战马奔驰的矫健姿态，在当今的影片中难得一见，影片的构图精美堪称典范。壮阔的英雄情怀烘托了对人性的刻画，或许这种情怀源自导演参加的第一次、第二次世界大战的经历。

3．法律文化

美国建国以后，制定了针对印第安人的法律。《印第安人迁移法》（Indian Removal Act），是美国政府关于印第安人迁移政策的一部分，于1830年5月26日由安德鲁·杰克逊总统签署为法律。1823年美国最高法院正式宣布，规定印第安人可以使用美国境内的土地，但不能享有所有权。然而南方诸州热切期望得到文明化五部族生活的土地的使用权，从而支持迁移法案的通过。当时最大的佐治亚州，陷入了一个与切罗基族关于管辖权的冲突，杰克逊总统希望通过迁移印第安人以解决佐治亚的危机。《印第安人迁移法》案是很有争议的，它在理论上被认为是自愿的，而实践中，美国土著人的领袖们是被迫签订了迁移条约。

显而易见，无论是否赞成印第安人迁移政策，印第安人都能意识到，该法案的通过意味着大多数印第安人将不可避免地迁移出各州。一些原本激烈抵抗的美国土著人领袖，开始重新考虑他们的态度，尤其在杰克逊总统1832年竞选获得连任之后。

虽然有重要的反对声音，大多数欧裔美国人赞成法案的通过。如传教士组织者杰里迈亚·埃瓦茨抗议该法案的通过；在国会上，新泽西州参议员弗雷德里克·西奥多·弗里林海森和田纳西州众议员戴维·克罗克特表示反对该法案。但该法案在激烈的辩论后仍被国会通过。

《印第安人迁移法》铺平了这样一条道路，成千上万的印第安人不情愿地、经常被以暴力的方式迁移到西部。该法案通过以后，第一个迁移条约《舞兔克里克条约》（Treaty of Dancing Rabbit Creek）于1830年9月27日签订，巧克陶族割让密西西比河以东的土地用以换取支付西部的土地。《阿肯色州公报》引用巧克陶族酋长（被认为叫作托马斯·哈金斯或者尼特凯奇）的话说，1831年巧克陶族的迁徙是“泪水与死亡的足迹”。《新埃可塔条约》（Treaty of New Echota）（1935年签订）导致切罗基族的迁移之路成为血泪之路。塞米诺尔人不同意迁移，1835年到1842年美国政府与塞米诺尔人之间的第二次塞米诺尔战争爆发，导致塞米诺尔人被强制迁移，只有少数人留下来。

影片《夏安人之秋》讲述的故事是这些事件的历史缩影。

二十七 《西部开拓史》（1962年）

导演：约翰·福特、亨利·哈撒韦、乔治·马歇尔

编剧：詹姆斯·R．韦布、约翰·盖伊

主演：亨利·方达、约翰·韦恩、詹姆斯·史都华、格里高利·派克、黛比·雷诺斯

类型：剧情、爱情、西部、冒险

制片国家：美国

语言：英语

片长：162分钟

上映日期：1962年11月1日

又名：《平西志》

奖项：1964年获第36届奥斯卡金像奖最佳原创剧本、最佳剪辑、最佳音响奖

1．影片介绍

影片《西部开拓史》（How the West Was Won）讲述了一家三代人，在西部开发时代背景下的艰难曲折，通过这个家庭从1839年至1889年半个世纪的迁徙经历，描述了美国西部的开拓历史。

他们从纽约出发，经历了内战、淘金热，路遇印第安人和西南部的流放者，经历各种艰难险阻，终于到达西部，并联合其他开拓者在平原上修建了铁路，把法律与正义也带到了边疆。

2．影片分析

影片《西部开拓史》是美国西部开拓历史的缩影，剧情虽已传奇化，但仍可看出影片所强调的“美国人的开拓精神”。全片情节复杂，但历史事实交代有条不紊，剧情跟随着一个作为西部开拓先锋的家庭发展，从移民西部的时代一直描述至20世纪初，前后历经三代，涉及这个家族有关的各式人物。

这部美国西部片中的史诗巨作，用三个银幕宽度的新艺拉玛体拍摄，压缩在小小的电视荧幕上欣赏，全景式气势会大打折扣。全片以三段故事介绍白人开拓美国西部的历史，影片幕前幕后都是豪华阵容，光导演就有三人，分别是约翰·福特（执导了《关山飞渡》 《青山翠谷》等，是奥斯卡金像奖获奖导演）、乔治·马歇尔（《假父真情》）、亨利·哈撒维（《大地惊雷》）。很多场面拍得十分壮观，摄影与音乐堪称一流。由于三台摄影机同时拍摄，而且灯光布景等因为画幅的增宽（2.59∶1）也随之改变，制作成本大为增加。米高梅最终不得不投入1500万美元。

演员也是全明星阵容：李·考布（《码头风云》）、亨利·方达（《愤怒的葡萄》）、格里高利·派克（《罗马假日》）、黛比·雷诺斯（《雨中曲》）、詹姆斯·史都华（《后窗》，他扮演的角色原定由贾利·古柏出演，但古柏在开拍前去世了）、伊莱·沃勒克（《独行侠决斗地狱门》）、约翰·韦恩（《搜索者》）、理查德·威德马克（《四海本色》）、斯宾塞·屈塞（《猜一猜，谁来吃晚餐》，由于身体欠佳，因此他只能在本片中担任旁白）。除此之外，群众演员超过了12000人，包括大量的印第安人。

影片分为五个章节，第一章《河流》、第二章《平原》、第三章《内战》、第四章《铁路》、第五章《不法之徒》。其中，约翰·福特执导了《内战》（南北战争），乔治·马歇尔执导了《铁路》，亨利·哈撒韦执导了《河流》《平原》《不法之徒》。

《西部开拓史》是电影史上第一部采用新艺拉玛技术拍摄的剧情片，由于同时用到了三架摄影机，整部电影无法拍摄特写，为了避免穿帮，在拍摄对话镜头、演员说台词时，演对手戏的演员的眼睛要看向对方眼睛内侧三分之一处才能不穿帮。因为摄影机庞大，因此在拍摄火车枪战时出现了意外，替身演员鲍勃·摩根在时速30英里的火车上受伤，最终失去了一条腿和一只眼睛。

3．拍摄背景

1949年，美国家庭拥有95万台电视机，到1952年，这个数字增至1100万台，好莱坞遭到空前打击。1948年美国每周平均观影人数是0.9亿人，1952年减至0.56亿人。电影巨头们为了寻找新的经济增长点伤透脑筋。此时，长岛奥伊斯特湾的一群工程师正在狂热地工作着，他们研究的是刚解密的二战电影训练设备，好莱坞的巨头们看到这个新技术之后非常震撼，但又觉得太过复杂和昂贵，不愿意投产。1952年9月30日，工程师们只能租用百老汇的一家戏院举行首映式，用他们的最新技术——新艺拉玛（Cinerama）放映。

新艺拉玛解放了银幕，开启了20世纪50年代的宽银幕热，全新的宽银幕美学渐渐走入人们的视野。

进入20世纪60年代，也就是新艺拉玛问世10周年之际，劳埃尔·托马斯建议其他制片公司用新艺拉玛的格式拍摄剧情片，米高梅公司在托马斯的建议下决定投拍《西部开拓史》。

2008年9月9日，《西部开拓史》蓝光正式发行，这套美国A区版从正片到评论音轨到动态花絮全部携带了官方中文字幕，满足了华语地区影迷的需求。

4．法律文化

美国的西部大开发也叫西进运动。早在北美殖民地时期，向西移民的活动就开始了。南部的奴隶主、北部的土地投机商和贫苦的老百姓，都希望在西部获得土地。英国政府为了把殖民地人民限制在能够控制的地方，于1763年颁布了禁止移民越过阿巴拉契亚山脉以西的公告令。美国独立革命粉碎了这一规定。

1783年英美议定了和平解决方案，英国把阿巴拉契亚山以西至密西西比河这一大片印第安人所有的土地，开放给了美国。1830年5月，安德鲁·杰克逊总统通过了《印第安人迁移法》，把印第安人迁到密西西比河以西。在这之后，他派军队把印第安人押送出密西西比河以东地区，殖民事业在这一地区迅速发展。

“旧西南部”（包括今肯塔基、田纳西、亚拉巴马、密苏里、密西西比、阿肯色、路易斯安那诸州）的土地，主要被种植园奴隶主占有，成为棉花的主要产地。“旧西北部”（包括今俄亥俄、印第安纳、伊利诺伊、密歇根、威斯康星诸州）的殖民开发，是由于1785年通过的土地条例（按低价出售公有土地）和1787年《西北准州地区条例》而迅速开展的。独立革命开始时这里只不过有几千名法国人，1810年移民已有27万多人，1860年增加到693万人，仅芝加哥城人口就有100万。这里是盛产谷物和养殖业发达的地区。

与此同时，美国也向密西西比河以西扩张，用购买和战争手段兼并了法国、西班牙、英国的殖民地和墨西哥的大片国土。1803年，美国乘拿破仑忙于应付欧洲战争之际，从法国手中以1500万美元价格购买了被称为路易斯安那的广大地区（面积约为83万平方英里）。1810年和1819年美国从西班牙手中夺得佛罗里达；1846年，又强迫英国订约，把美国北部北纬49度的国界线一直延伸到太平洋沿岸，排挤走了这个地区的英国人。1846年和1853年，美国与墨西哥发动战争，美国胜利后购买了墨西哥的大片国土，总计约95万平方英里。到1853年，美国已把它的国境线推进到太平洋沿岸，国土面积达303万平方英里（约785万平方公里），比宣布独立时的版图增加7倍多。密西西比河以西的人口在1840年以前还极稀少，1840年以后移民开始多起来，特别是1848年加利福尼亚被发现有金矿，对西部的开发是一大推动。1850年以后，这个地区经济取得发展，在美国发展中居于重要地位。此外，美国还继续向西扩张到与它本土不相毗连的地区。1867年美国以720万美元的代价从俄国购买了阿拉斯加，其面积等于美国原来的13个州的2倍；1894年，美国在檀香山推翻夏威夷王国，1898年爆发美西战争后，又兼并了夏威夷群岛。

美国领土不断扩大，吸引了外国移民。外国移民数量在1790 ～1860年有500多万人，1861 ～1913年达2700万人。阿巴拉契亚山以西的人口，1790年时只占全国总人口的3%, 19世纪时已增长到占49%。国外来的移民，对西部的开发，对美国整个经济的迅速发展，都起了巨大的作用。移民使美国能够进行大规模的农业生产，能够以巨大的力量和规模开发其丰富的工业资源，以至于很快就摧毁了英国的工业垄断地位。美国政府的土地政策加速了西部的开发。美国向西部的领土扩张和开发，对美国的政治、经济生活都有重大的影响。广大的西部土地被并入美国，使美国成为幅员辽阔、自然资源丰富的国家，具有发展经济的极优越的自然条件。它大大扩大了耕地面积，而且地处宜耕的气候带，使农业迅速发展起来；西部的开拓，带动了大规模铁路的建设和大批移民的流入，使美国形成了广大的国内市场。但不可否认的是，西进运动也是美国印第安人的血泪史。

影片《西部开拓史》讲述的就是在这个大背景下来到美国求生存的人们的生活。

二十八 《叛舰凯恩号》（1954年）

导演：爱德华·迪麦特雷克

编剧：斯坦利·罗伯茨、迈克尔·布兰克福

主演：亨弗莱·鲍嘉、何塞·费勒、范·强生、弗莱德·麦克莫瑞、赫尔曼·沃克

类型：剧情、爱情、战争

制片国家：美国

语言：英语

片长：124分钟/125分钟（西班牙）

上映日期：1954年6月24日

1．影片介绍

影片《叛舰凯恩号》（The Caine Mutiny）是根据赫尔曼·沃克获普利策奖的同名小说改编而拍成的影片，讲述了对一位海军上尉的军事法庭审理事件。严格地说，这是真正意义上的军事哗变，在凯恩号军舰上，因奎格舰长（亨弗莱·鲍嘉饰）的指挥有误，凯恩号军舰面临沉没的危险时刻，忠心耿耿的副手马克接管了军舰，使军舰脱离了险境。但马克因此和支持他的海军成员受到军事审判，他的律师如果想拯救他，唯一的办法就是证明奎格军官精神失常，无法很好地控制舰艇。

2．影片分析

影片中法庭辩论戏是全片高潮，一开始形势不利于马克一方，冷静睿智的律师在关键时刻扭转了局势，让掩盖自身性格缺陷的奎格在法庭上暴露了自身的弱点，正常人在接受交叉盘问时一般会手足无措，有些偏执和自大的奎格，很快就在法庭上把所有的事情都抖落了出来，结果是可以想象的，哗变的军官被判无罪。

影片到这里看似大团圆结局，然而影片更精彩的部分出现了，辩方律师格林沃出现在了这些军官庆祝的酒会上，他说，当你们在读书上学的时候（那时候正是战时）是谁在海上服役、作战，作为一个海军军官，奎格是了不起的，在出现“黄颜料”事件后，他也显示了悔意，想得到你们的谅解，可你们呢？拒绝了他！如果在法庭上公布这个信息，结果可就不是这样了。辩方律师格林沃还数落了海军中的败类——那位所谓的“海军作家”基弗，基弗不喜欢当海军，想借写小说成就自己，不想奎格当舰长后对他的行为进行了约束，因此基弗在私底下挑唆官兵，煽动对舰长的不满情绪，当舰艇遇到险情时，这种挑唆发挥了作用，马克铤而走险，挑战了舰长的领导权。可是在法庭上基弗这个幕后操纵者把自己说得很清白，要马克担责，此时马克后悔已晚。

律师格林沃公开指责马克等是不顾大局的自私的人，他对基弗说，这是你一生都抹不掉的污点。

战争期间，因为下属的哗变剥夺一名舰长的军权，对于整个海军的气势应该是极其不利的，其负面的影响也是可想而知的。

最后的结局是奎格离开了舰长职位，马克保住了性命，前任舰长官复原职。

影片还有几处亮点，法庭戏堪称影片高潮，台风袭击舰船的剧情也十分震撼、扣人心弦。

3．法律文化

军事哗变：是指武装力量的突然叛变，两人以上下级军事人员反抗或攻击其上级的公开行动，是国家军队集团少数人通过密谋，用军事暴力手段等非正常途径实现权力转移的行为。

影片中本性善良的马克，无论他是受人蛊惑也好，还是为了舰艇的安危也好，他从舰长手中夺得了权力，他的行为符合军事哗变的性质。军事哗变是重罪，以死刑论处。

在美国海军历史上哗变只有影片中这一次。

二十九 《混世魔王》（1944年）

导演：让·尼古拉斯科

编剧：埃里克·安卜勒、弗兰克·格鲁伯

主演：彼得·洛、西德尼·格林斯垂特、扎查瑞·斯考特

类型：剧情、悬疑、犯罪、黑色电影

制片国家：美国

语言：英语

片长：95分钟

上映日期：1944年7月1日

1．影片介绍

影片《混世魔王》（The Mask of Dimitrios）采用倒叙的手法，讲述了侦探小说家莱登在一次宴会上偶遇一位土耳其警察，他20多年来一直在追踪一个叫狄米屈斯的犯人，但最近这个人的尸体被冲到土耳其的海岸边。莱登被带去看了狄米屈斯的尸体，并且知道了狄米屈斯这个刑事罪犯如何成为一个要犯的。莱登被狄米屈斯这一角色深深吸引，决定写一本关于狄米屈斯的书。这个决定使他有了一次欧洲之旅，从希腊到瑞士，再到巴黎，他采访了各种遇见过和遭到狄米屈斯迫害的人。

在他的旅途中，他发现有一个神秘的人一直与他为伴，最后证实这个人是狄米屈斯以前的同伙彼得斯·特里特，他早些年被狄米屈斯出卖了。在和莱登交谈之后，彼得斯·特里特发现有理由相信狄米屈斯还没有死，并且和莱登计划敲诈狄米屈斯。

2．影片分析

影片始于作者发现骗子的尸体，以旁观者的视角追溯了骗子的生平，直到自己也被卷入骗子的危险生活。影片中骗子的情妇、警察和仇敌的叙述恰到好处地展现了骗子的多面性，骗子如同藏在面具后，人们看不清他的真面目。剧情没有巨大的创新，但胜在各种叙事手法的熟练和融合。

西德尼·格林斯垂特和彼得·洛自从拍摄了影片《马耳他之鹰》之后，几年间合作了多部电影，而他们之间的配合也越来越默契了。

3．法律文化

本片的主人公是靠撰写侦探小说为生的作家。正是他的好奇心驱使他不断地去调查了解真相，才有了影片一系列情节的发展。

侦探小说是通俗文学中最受欢迎的体裁之一，是以案件发生和推理侦破过程为主要描写对象的小说类型，又称侦探推理小说。据统计，以侦探小说为体裁的图书在欧美的销售量占到图书总数的15% ～25%。阿瑟·柯南道尔（1859～1930），英国杰出的侦探小说家、剧作家，被誉为英国的“侦探小说之父”，他塑造的福尔摩斯成为世界上最知名的虚构人物之一；而阿加莎·克里斯蒂的小说销售总量达到了20亿册（《2000版吉尼斯世界纪录》），这不能不说是一种奇迹。而侦探小说从19世纪末被引入中国以来，也是长盛不衰。

侦探小说是西方通俗文学的一种体裁，与哥特式小说、犯罪小说以及由它们衍生出来的间谍小说、警察小说、悬疑小说同属惊险神秘小说的范畴。侦探小说主要写具有惊人推理、判断智力的人物，根据一系列的线索，解破犯罪（多是凶杀）的疑案。它的结构、情节、人物甚至环境都有一定的格局和程式，因此它也是一种程式文学。由于传统侦探小说中的破案大多采取推理方式，所以也有人称它为推理小说。

三十 《卡萨布兰卡》（1942年）

导演：迈克尔·柯蒂斯

编剧：凯西·罗宾逊

主演：亨弗莱·鲍嘉、英格丽·褒曼、克劳德·雷恩斯、保罗·亨雷德

制片成本：约95万美元

拍摄地点：巴西

片长：102分钟

拍摄日期：1942年5月25日至1942年8月3日

上映日期：1942年11月26日

色彩：黑白

奖项：1943年获得奥斯卡最佳影片、最佳导演、最佳剧本奖

1．影片介绍

《卡萨布兰卡》（Casablanca）是根据舞台剧《人人都到里克那里去》改编的影片，是电影发展史上的一个里程碑，也是好莱坞电影的代表作。1987年好莱坞百年庆典时，重新评选美国电影史上的十佳电影，该片名列第三，第一是《公民凯恩》，第二是《乱世佳人》。

而2001年美国图书馆针对美国编剧协会会员进行一项非正式的问卷调查，结果，备受称誉的《公民凯恩》和《北非谍影》（即《卡萨布兰卡》），排在最佳剧本前两名。

《公民凯恩》历来被人们推崇，是奥逊·威尔斯25岁时自编、自导、自演的成名作，被认为是有史以来最伟大的作品之一。影片1941年获奥斯卡最佳剧本奖。此片超越了人们当时的认识和欣赏水平，创造了多视点、多角度、多侧面、多层次和轮回式的现代叙事结构，在电影语言的运用、拍摄技巧的革新等方面也取得了意义深远的突破。

卡萨布兰卡是北非摩洛哥境内的一个偏僻、鲜为人知的小镇，原是法国的殖民地，后被德军控制。

二战期间，卡萨布兰卡经历了两次重大的历史事件，使它变得有名气了。一是1942年11月8日，艾森豪威尔指挥盟国12万大军，在这里打了一个大胜仗，消灭了驻守在镇上的德军；二是次年年初，罗斯福与丘吉尔在这里举行了历史性的会谈。

从此卡萨布兰卡这个小镇的名字在欧美各国变得家喻户晓。《卡萨布兰卡》以此地作片名，为作品以后受到人们的关注奠定了良好的基础。

影片讲述了二战时期，商人里克手持宝贵的通行证，反纳粹人士维克多·拉斯罗和妻子伊尔莎的到来使得里克与伊尔莎旧情复燃，两人面对感情和政治的矛盾难以抉择。

2．背景介绍

影片《卡萨布兰卡》的拍摄本身就很富有戏剧性。1941年12月7日“珍珠港事件”的第二天，华纳电影公司一名审阅剧本的人听了罗斯福总统的广播讲话后，心情激动，打算物色一部配合反法西斯战争的剧本，凑巧看到了刚刚送到的舞台剧《人人都去里克那里去》的剧本。经他推荐，华纳电影公司买下了剧本的拍摄权。

制片人沃利斯和导演迈克尔·柯蒂斯对在此时拍一部反法西斯题材的同时又不失好莱坞特点的影片都很感兴趣，于是找来了爱普斯坦兄弟等三名写电影剧本的老手来加以改编，并精心挑选了不同国籍的著名电影演员扮演片中的人物。其中有扮演伊尔莎的瑞典女演员英格丽·褒曼、扮演里克的美国演员亨弗莱·鲍嘉、扮演拉斯罗的奥地利演员保罗·亨雷德、扮演司特拉斯少校的德国演员康拉德·维德特和扮演雷诺中尉的英国演员克劳德·雷恩斯。

此片中的配角也都由一流演员组成。尽管演员阵容强大，但影片在1942年5月开拍时，剧本只有半部，因此，影片只能按照先后顺序拍到结尾，给剧作者争取时间，改编后半部。由于拍摄进展顺利，后来是现写现拍，连导演都不清楚第二天的戏会怎样发展。特别是影片的结尾颇费斟酌，当时有几种可能：一是里克和伊尔莎出走，拉斯罗留下来继续斗争；二是拉斯罗和伊尔莎出走，里克被牵连入狱。

无论哪种可能，结尾伊尔莎都会走掉，但跟谁走未确定。这使英格丽·褒曼的表演更为逼真。因为她心中没有数，所以在里克和拉斯罗之间徘徊不定。

电影《卡萨布兰卡》最富于戏剧性的是在它全部完成之后，1942年11月8日，盟军在摩洛哥登陆，他们经过三天巷战攻克了纳粹控制下的卡萨布兰卡。这是西方国家对法西斯的第一次胜利，精于世故的制片人沃利斯不失时机地提前发行了影片《卡萨布兰卡》。盟军登陆后半个月这部影片便被送往登陆部队献映，一下抬高了影片的身价。

在第16届奥斯卡评选中，《卡萨布兰卡》获得了最佳影片、最佳导演、最佳男主角、最佳男配角、最佳黑白片摄影、最佳剧本、最佳音乐、最佳剪辑八项提名，最后获得了最佳影片、最佳导演、最佳剧本三项奖。

3．影片解读

导演迈克尔·柯蒂斯（1888 ～1962）是电影奇才，一生拍摄过160多部影片，《卡萨布兰卡》是他的代表作之一。迈克尔·柯蒂斯非常擅长把复杂的人物关系与矛盾纠葛有机地组织起来，在激烈的戏剧冲突与悬念设置中，为观众塑造鲜明而生动的视觉形象。

影片表达了主人公在爱情和道义之间所做的选择。影片在二战初期出现，具有反对孤立主义的象征意义。

出于战争的原因，导演没等剧本写完就匆忙开拍，中间编剧又被召到美国参加其他剧本的编写工作，《卡萨布兰卡》只好写一段，拍一段，谁也不知道结局如何。是让伊尔莎和里克留在卡萨布兰卡，还是让她同拉斯罗一起飞往美国，两个男人当中伊尔莎真正爱谁，导演和演员都不知道。最后，公司决定拍摄两个不同的结尾，试一下效果再做定夺。

当第一个结尾拍完之后，大家都喊道：“就是它，我们不需要另一个结尾了。”我们今天看到的就是第一个结尾：伊尔莎同拉斯罗一起飞往美国。

正常情况下人们都希望有情人能终成眷属。这个结尾带给作品很大的想象空间，拓宽了作品的内涵，产生了较高的审美价值。同时影片也为续写留下了可发挥的空间。

本片卓越的叙事手法、洗练的节奏和大明星的表演使其可作为电影教科书。

扮演里克的亨弗莱·鲍嘉是好莱坞著名的硬派小生，人称“硬汉”，他把一个表面冷静而内心复杂的里克演活了，使里克这个形象长久地留在了人们心中，也因此奠定了他的影坛地位。1999年他被美国电影学会选为“百年来最伟大的男演员第一名”。

扮演伊尔莎的英格丽·褒曼是世界级的一流演员，她以绝妙的演技和雄厚的实力，将女主人公炽热的情感和强烈的道德责任感表演得淋漓尽致。

《卡萨布兰卡》是艺术片与商业片成功结合的典范，不仅在商业上获得了成功，而且也受到了人们的喜爱。

（1）题材好，恰逢其时

作品拍摄于二战期间，在那个特殊的年代，凡是以二战为背景、以反法西斯战争为题材的作品都顺应民心，会产生一定的社会影响。

影片容量很大，没有正面讲战争，是从生活角度来反映、描述严酷的现实。我们看到战争使一对年轻的夫妇经历生离死别，也迫使有情人不能长相聚首。如果在和平年代，这一切都不是问题。影片通过三个人物的命运，揭露了战争的残酷和对人性的摧残，同时也表现了主人公一切从大局出发的崇高境界。

（2）选材选角恰到好处

和同类题材相比，影片的不凡之处表现在选材上。影片选取了特殊地名作片名，提升了影片的知名度。

从观影角度讲，战争题材的作品如果只有男性角色，不够吸引人；考虑到可看性，一般要加进女性角色，有女性角色，作品会更加凄婉动人。

其他影片也一样，比如莫言的小说《幸福时光》原先没有女角色，张艺谋在拍这部影片时考虑到观众的喜好，特意加进了女性角色的戏份。

（3）构思巧妙，具备了好看的一切因素

一是有悬念。两个德国信使被杀，被谁暗杀？通行证下落不明，在谁的手上？三个主人公两张通行证，谁去谁留？

一系列悬念被相继抛出，跌宕起伏，扣人心弦，不断强化观众的注意力，既增强了作品的张力，又使作品情节的其他部分从容展开，不慌不忙地叙述，使影片拥有了较为理想的总体节奏。

二是有爱情。反法西斯战争将三个人物卷入同一事件中，“三角形”的人物关系为塑造人物性格，揭示人物的内心世界，以及爱与恨、个人恩怨与民族大义等种种矛盾的构建、发展提供了便利。

影片中三大阵营（反法西斯阵线一方、德国法西斯一方、名义上归顺德军内心却同情进步势力的法国守军一方）之间构成了一个大三角关系，爱情小三角以阵营大三角为依托，使情节的安排更加丰满、合理，更加富有寓意。

三是有机趣、有幽默，有金戈铁马，也有轻歌曼舞。影片汇聚了许多元素，使观众在视听上得到享受，在情感上得到满足，在思想上得到启迪。

影片中还有很多个配角，联络员尤迦蒂，里克的雇员山姆、侍从、女友等，还有滞留卡萨布兰卡寻求帮助的一对年轻夫妇、做黑市生意的胖老板等，他们代表的都不仅仅是他们个人，而是代表着生活在各个阶层的人们，影片通过这些人物的命运来反映生活在那个特殊年代人们的生存状态。

同样，爱情小三角中的人物也分别代表了反法西斯革命党人、地下反法西斯革命党人、平民三种群体。影片对爱情的处理，也没有停留在爱情游戏的层面上，而是立意高远，通过他们在爱情生活上的波折磨难，反映法西斯对革命党人和人民的迫害。作品主题深刻，有血有肉。

同样，我们依次类推，在大三角中，雷诺队长代表着法国阵营一方，爱情小三角中的人物代表了反法西斯一方，纳粹少校司特拉斯则代表法西斯一方。

可以说，影片中每个人都是作为群体的化身或是具有象征意义的个体出现并发挥着作用。

作品语言机智、幽默。简洁也是它的一大特点，其中最著名的一句话是“世界有那么多城市，每座城市又有那么多酒吧，她偏偏走进了我开的这家”。

在结构安排上影片采用线型结构，以里克为主线展开。在线型结构上出现了多种重复，归纳起来有三种或三类重复。

第一，语言：用于刻画主人公的心境和情感。

里克与女友的对话：“昨晚你什么时候回来的？”“那么久的事我怎么记得？”“今晚什么时候回来？”“那么遥远的事我怎么知道？”这段对话表明里克当时的心境和生活状态。虽然里克有一位外貌与伊尔莎相似的女友，但是他内心并不是真的爱她。（只是在搪塞应付，他的内心有创伤。）

四次“永志不忘”的出现，语境各不相同，相互间是一种层层递进的关系，表达了里克对伊尔莎的认识、了解以及感情不断加深。第一次“永志不忘”两人相识不久，可以理解为初定终身的誓言；第二次“永志不忘”可以理解为确定婚约；第三次“永志不忘”可以理解为误会解除，冰释前嫌，感情加深；最后一次“永志不忘”虽是道别，但表达出的是一种刻骨铭心的爱。

第二，主题曲的重复弹奏增加了影片的艺术魅力和感染力。

两位主人公都请山姆为自己弹奏一曲《时光流转》，第一次使伊尔莎想起了里克，第二次使里克想起了伊尔莎，两次演奏形成一个完整的回应关系。在经过这样的铺垫后，人们对这支曲子具有的特定意义，在脑海中已经形成了某种概念，能够在特定情况下产生某种联想或条件反射。果然当伊尔莎夜间出门时，影片又一次响起了《时光流转》，这时人们很自然地想到了里克，影片镜头也自然地切换到了里克的酒店；当里克最后为通行证奔波时，影片又响起了一段《时光流转》，这时人们能够体会到里克正在为伊尔莎而奔波。

通过不断地重复，这支曲子就在观众的心中逐渐生了根。

当飞机起飞后，影片再次响起《时光流转》，这时虽然画面中没有两位主人公的身影，但是人们依然自然而然地想到了他们，并在心中涌起层层波澜，人们为他们没有能一起走而感到深深的惋惜。

这时音乐把作品的气氛推向了高潮，如果这时结束，效果更佳，这样能够给观众留下更多想象的空间，美学价值也更大，也会使观众在内心深处产生更多的焦虑：里克最后怎样了？他会那么幸运吗？

一种美好的愿望，就是一种期盼，不说出来感觉会更好。

目前影片的结局有政治意义，是为了说明正义终将压倒邪恶。但就当时的情况看，目前的结局，应该算是个奇迹，现实中不大可能实现。

从音乐角度看，中国20世纪50年代的电影也深受这种影片的影响，如《九九艳阳天》等。

第三，两次分离，善意的欺骗。

两次分离，一对有情人使用了同样的手法，善意地欺骗了对方。第一次是伊尔莎为了救里克，让他离开，明知自己走不了，还是约他到火车站见面；第二次是里克为了救伊尔莎，明知自己走不了，还是约伊尔莎到飞机场，为对方做出牺牲。

《卡萨布兰卡》是以里克的视角、情感流线为主线。因此他是该片的主角。伊尔莎则是里克情感线上的主角。

影片虽是线型结构，但是由于有了这些重复，作品显得富于变化、有张力，且多姿多彩。

整部影片给人一种美感，在美感中略有一份遗憾、一份忧伤。影片结束后，主人公的形象还不时在脑海中浮现，挥之不去。

影片故事架构上，民族大义与儿女私情的“大我”与“小我”之间产生矛盾冲突，本片深入人性心理层面进行了探讨。

（4）表演超凡脱俗

《纽约时报》在当年曾这样评价影片：“一部惊心动魄的影片……，片中的对白是绝妙的，演员的演技是第一流的，其中最突出的是鲍嘉和褒曼小姐的演出……这是本年度最动人最有力的影片之一”。

《卡萨布兰卡》是20世纪40年代至今还让人记得的好莱坞电影之一，电影中那种浪漫混合着危险的异国情调，把男女主人公在乱世重逢时各自身不由己的无奈和矛盾挣扎渲染得十分到位，荡气回肠。亨弗莱·鲍嘉那种外冷内热的沧桑男子形象和英格丽·褒曼的温柔个性，都为好莱坞浪漫类型电影的角色表演树立了典范。

（5）作品具有艺术价值

电影是八大艺术之一，衡量它的价值标准首先是艺术价值，其次才是商业价值。

现在很多影片以大片自居做宣传，其实是一种商业的炒作，真正的大片从本质上讲应该有这样几方面的特点：题材重大、内涵丰富、富有感染力。包括大制作、大手笔，都是指在这些方面具有创造性，而不是单以投资浩大为特点。

《卡萨布兰卡》虽是用95万美元拍摄的影片，但它题材重大、内涵丰富、富有感染力，成为好莱坞半个多世纪以来的经典。

4．法律文化

《卡萨布兰卡》之所以成为好莱坞黄金时代的杰作，与美国当时的时代背景和电影制作的大环境不无关联。

《卡萨布兰卡》是在1942年11月8日盟军登陆摩洛哥不久，于同年11月感恩节在纽约的首轮戏院上映。这是第一次在美国的电影院中出现自由法国的旗帜。对于介入战争一年的美国，这样一部展现前线故事的电影，无疑将受到人们的欢迎，这还是一部制作精良的电影。

《卡萨布兰卡》还是一个转变的故事（Conversion Story），是美国二战时宣传电影很重要的一个分类，着重体现人们如何从不作为、不愿意作为转变成愿意为国效力的过程。《卡萨布兰卡》描绘了里克从孤傲无情的逐利商人，转变成反法西斯的斗士。里克从孤立主义到投入其中（Interventionist）的转变，也暗合了美国在二战中的态度转变。

《卡萨布兰卡》是伟大的电影，也是一部伟大的政治宣传片。在二战中，美国的相关部门OWI（Office of War Information）和BMP（Bureau of Motion Pictures）高度影响了好莱坞的电影制作，关于战争内容的影片剧本会受到BMP的审查。在《卡萨布兰卡》的很多地方可以看到这种政治倾向留下的影子。比如说片头的战争地图，自由世界和奴役世界的对比，对美国自身作为山顶之城的塑造（当外面天翻地覆的时候，所有人都想搭上飞机去到美国）；里克的美式小咖啡馆还是莺歌燕舞，黑人钢琴师的加入也宣传了美国作为自由国度的多样性，虽然20世纪40年代的黑人毫无地位可言。

这些政治宣传被巧妙地融合在一段凄美的爱情故事中，同时也做到了不让观众反感。

三十一 《马耳他之鹰》（1941年）

导演：约翰·休斯顿

编剧：达希尔·哈米特、约翰·休斯顿

制片人：约翰·休斯顿

主演：亨弗莱·鲍嘉，玛丽·阿斯特，彼得·洛，沃尔特·休斯顿，沃德·邦德，格拉黛丝·乔治

片长：101分钟

上映日期：1941年10月18日

出品公司：华纳兄弟影片公司

制片成本：30万美元

拍摄日期：1941年6月9日至1941年7月18日

色彩：黑白

1．影片介绍

影片《马耳他之鹰》 （The Maltese Falcon）改编自侦探小说家达希尔·哈米特的同名小说，讲述了一位侦探在替雇主办案时，无意中涉及了一桩谋杀案并牵连到“马耳他之鹰”雕像的故事。

故事发生在20世纪三四十年代的旧金山，萨姆·斯佩德（亨弗莱·鲍嘉饰）和阿切尔是一对侦探搭档，他们的任务就是穿梭于城市之间，为形形色色的雇主办案。一天一位贵妇委托他们去寻找失踪的妹妹，据说贵妇的妹妹与叫作瑟斯的男子在一起。开始侦探们认为这是简单的寻人案件，但事情远不像想象的那么简单。

阿切尔在调查案子当晚就被杀死，接着瑟斯也死于非命。很快警方介入了，他们认为斯佩德可能与阿切尔的妻子艾娃有染，杀掉了合伙人。这让斯佩德不但没法办案，反而自身难保。斯佩德开始暗中探查案情，前去拜访贵妇，得知她的真名叫布里奇（玛丽·阿斯特饰），曾与古特曼以及小流氓威尔默等人倒卖过古玩。随着案情的深入，古特曼找到斯佩德，请他把无价之宝——“马耳他之鹰”雕像搞到手。斯佩德开始研究起这尊神秘的雕像，结果发现真相就藏在其中。

影片片头的字幕交代了鹰的来历。“1539年，马耳他圣殿骑士向西班牙查理五世朝贡，送给他一只浑身上下包裹着稀世珍宝的金鹰，但海盗拦截了这艘载有无价之宝的船只，马耳他之鹰的命运至今仍是谜团。”

其中有一个误读，圣殿骑士（Knight Templar）早在1312年就已经解散了，小说中应该是医院骑士（Knight Hospitaller），他们在1530年到1798年盘踞在马耳他，又被称为马耳他骑士。

2．影片解读

1941年约翰·休斯顿拍摄了他的导演处女作《马耳他之鹰》。这部电影开启了一个充满了犯罪、暴力、悬疑与阴影的电影时代。《大梦》《劳拉》《玻璃钥匙》等，一批拥有相似特质的电影开始占领美国银幕。这些在战争年代对美国大萧条时期的社会进行反思的、灯光阴暗、人物性格复杂、气氛低沉的电影，被大洋彼岸的法国人赋予了一个名字——Film Noir，即黑色电影。从此一个新的电影类型诞生了。

考察黑色电影的来源，从影像风格上说，是来自德国表现主义，注重阴影和不对称的倾斜构图，在故事结构和人物设置上，却是受到美国20世纪30年代黑帮片的影响。

《马耳他之鹰》以黑色电影题材，将神秘美女、难以理喻的怪人和谋杀案联系在一起，需要主角抽丝剥茧，解开层层谜团。影片节奏紧凑，对白机智，细节精致，表演无懈可击。作为第一部长片黑色电影，《马耳他之鹰》被学者视为黑色电影的开山之作。

影片还原了侦探小说家哈米特的同名小说，将原著中的神秘黑暗感原汁原味地展现在观众面前。诸多侦探小说常用的符号——神秘贵妇、难以理喻的怪人，还有连环凶杀案件等，都被完美展现；随着剧情的深入，人物关系、情节线索被全方位调动起来。

影片塑造了影史上第一个冷峻、智慧、完整的硬汉侦探形象。

斯佩德保留了20世纪30年代黑帮片中黑帮人物亦正亦邪的特质，也保留了社会边缘人的身份；但不同的是，他更加消极，更加精明，他了解自己的弱点，并知道如何克服。同时，他没有目标，只有自我，作为一个侦探，有着探寻真相的勇气，却不站出来挑战体制，挑战社会；虽然少了黑帮分子的那份豪气，但他是在黑色的时代存活下来的人物。

在《马耳他之鹰》中，导演休斯顿对亨弗莱·鲍嘉饰演的达希尔·哈米特笔下的这位侦探，投入了很多心血和自己的解读，使斯佩德成为标准的硬汉侦探的形象。

在哈米特的小说中，斯佩德是一个残酷到冷血的侦探，基本没有情感，冷静行事。

在约翰·休斯顿的电影里，这些属于社会底层人的粗俗印迹和台词被抹去了。电影里的斯佩德，机智、冷静，有着深藏不露的对事物和社会的洞察力，但同时又是罗曼蒂克、自我矛盾的。一方面他向往爱情与稳定；另一方面他又看到在这个时代环境中家庭与爱情的本质。在他的生活中，所有的人都尔虞我诈，他必须痛苦地做出选择，让理智战胜情感。尽管斯佩德是浪漫的，但他终究还是现实的，这也使得硬汉侦探，会有搭档，会有爱人，但终究还是孤独的。

这些特质，成就了黑色电影侦探的经典形象。如同当时大多数的黑色电影一样，在这个类型中所有的侦探都是如此，个性坚毅、值得信赖，有反体制、反社会的情绪。这样的人物设计，接近男士观众的审美需求。

3．法律文化

影片中的贵妇布里奇虽然美貌，却是狠毒的女一号。

鹰最初在瑟斯的手上，为了得到那只鹰，布里奇找到斯佩德，想让他派出警探阿切尔跟踪瑟斯，如果两人交手，阿切尔死了，瑟斯就会被逮捕，她坐收渔利；然而阿切尔没有与瑟斯交手，于是布里奇就自己用瑟斯的枪打死了阿切尔。而瑟斯又被古德曼派人杀死了，布里奇得知这个消息后，就投靠了斯佩德，希望通过他来对付古德曼一伙。

最终布里奇没有得到鹰，也没得到钱；杀人就得偿命，法律责任必须负。片尾布里奇走进电梯，电梯门的栅栏就像监狱一样，将她罩在里面，斯佩德看了一眼，就走开了，他并没有见色忘义。

三十二 《一个国家的诞生》（1915年）

导演：D. W．格里菲斯

编剧：D. W．格里菲斯

主演：丽莲·吉许、梅·马什、亨利·B．沃斯奥

类型：剧情、爱情、历史、战争、西部

制片国家：美国

语言：无对白

片长：190分钟（16 fps）/125分钟（video version）（美国）/187分钟（DVD）（美国）/165分钟（阿根廷）

上映日期：1915年2月8日（美国）

又名：《重见光明》（The Clansman）

1．影片介绍

影片《一个国家的诞生》（The Birth of A Nation）讲述了美国南北方黑人与三K党的两个家族在内战前后的命运冲突的故事。

美国南北战争时期，南方庄园主卡梅伦一家过着安逸的生活。卡梅伦和斯通曼家的孩子同在一所寄宿学校读书，假期中斯通曼家的男孩子们来南方卡梅伦家做客，年轻的本杰明·卡梅伦（亨利·B．沃斯奥饰）和埃尔西·斯通曼（丽莲·吉许饰）在接触中互生情愫。不久南北战争爆发，本杰明参加了南方军队，奔赴前线，与北方昔日好友奥斯丁·斯通曼（拉尔夫·李维斯饰）成为对手。战后，黑人烧杀抢掠，本杰明组织三K党，对黑人进行报复，粉碎了他们建立所谓的黑人王国的阴谋。本杰明与埃尔西这对患难情侣也终于走到了一起。他们的结合，预示着一个新的国家的诞生和统一。

影片时长3个多小时，正式演员与群众演员用了1800人，马匹3000只，开创了在白宫拍摄电影的历史。这部由美国电影巨匠D. W．格里菲斯导演的鸿篇巨制也是世界电影史上最重要的里程碑，是默片时代的经典之作。

2．影片分析

D. W．格里菲斯的这部作品的意义在于，让电影从技术玩物上升到了艺术层面。影片借用意大利史诗电影的格局和风格，形成了好莱坞电影的模式。作品以南北战争为背景，个人情感在政治帷幔前忽明忽灭，不用宏大的战争场景，让受众和从影者见识到电影的伟大力量和无限可能。

影片片长3小时，持续上映15年，观众达到1亿多人次，是史上首部真正意义上的商业片，也是第一部全面的长篇叙事巨制。它是电影初兴时期艺术手法的集大成者，采用了丰富的拍摄手段和剪辑技巧，成功发挥了蒙太奇的叙事作用，使影片中的故事充满节奏感和史诗氛围。其中“最后一分钟营救”的叙事镜头，成为以后好莱坞商业片经常使用的套路。

但是，该片在对历史诠释的角度上备受争议，它把三K党塑造成英雄，把倡导废奴的林肯塑造成操纵选举、假公济私的恶棍，部分内容蔑视有色人种，凡此种种，遭到历史学家的批判。影片上映时引起了激烈的武斗，本来已经销声匿迹的三K党也在同一年东山再起。

3．法律文化

影片虽有建树，但也因对三K党的美化而颇具争议。

三K党（Ku Klux Klan，缩写为KKK），是美国一个奉行白人至上主义、有代表性的民间组织。三K党也是美国最悠久、最庞大的恐怖主义组织。因三个字头都是K，故称三K党。

三K党成员每次公开露面时，总是头戴白色尖顶头罩、身穿白色长袍，以掩盖他们的真实身份，因此，又被称为白色联盟和无形帝国。从19世纪到20世纪30年代，三K党的存在严重威胁着美国境内，特别是南部各州的黑人居民。21世纪初，三K党成为极端种族主义者的代名词。

第二节 英国

纵观英国电影发展史，在电影诞生的120多年当中，英国的布赖顿学派、格里尔逊开创的英国纪录电影运动以及自由电影运动等都为世界影坛贡献了巨大的精神财富。而福尔摩斯、007、哈利波特等银幕形象也成为世界电影殿堂中的经典，是世界电影文化中不可或缺的一个重要的组成部分。在当今世界，国家间的合作越来越密切，在一部作品中可以看到多元的合作，有时候也不能简单判断一个作品应该归属于哪一国。在英国电影这个单元中，为了方便叙述，主要是以影片的文化基因特征进行划分。

一 《福尔摩斯先生》（2015年）

导演：比尔·康顿

编剧：阿瑟·柯南·道尔、米切·库林、杰弗里·哈彻

制片人：伊安·坎宁、安妮·凯瑞

类型：犯罪、剧情、悬疑

主演：伊恩·麦克莱恩、米罗·帕克、劳拉·琳妮、哈蒂·莫拉汉、帕特里克·肯尼迪、罗杰·阿拉姆、真田广之

出品公司：See Saw Films

发行公司：米拉麦克斯影业公司

制片国家：英国、美国

片长：103分钟

上映日期：2015年6月19日（英国）

1．影片介绍

影片《福尔摩斯先生》（Mr. Holmes）改编自米切·库林于2005年出版的小说《心灵诡计》。故事背景设定在1947年，讲述了退休后的夏洛克·福尔摩斯（Sherlock Holmes）与管家及管家的儿子住在萨塞克斯郡一个寂静的小村庄，发现了一起几十年前的悬案，因而下定决心要解开真相的故事。

1947年的英格兰，93岁的大侦探福尔摩斯（伊恩·麦克莱恩饰）已经退休，隐居于英格兰萨塞克斯郡的乡下别墅，与他相伴的是他的管家芒罗夫人（劳拉·琳妮饰）和管家的儿子罗杰（米罗·帕克饰）。

退休后的福尔摩斯当起了养蜂人，开始回忆并记录自己过往的经历，在回忆、记录、教小罗杰养蜂的日子里，福尔摩斯先生与自己逐渐衰退的心智与记忆力做着抗争；他在回忆录里记录了一件让他至今都受到困扰的旧案，罗杰成了他最忠实的读者。

因为对旧案的耿耿于怀，福尔摩斯决心在没有华生帮助的情况下，侦破这起几十年前的悬案，这是他人生中的最后一次历险。

影片中安望向一家动物标本店的橱窗，店主名叫Ambrose Chappell，这个名字来自希区柯克的影片《擒凶记》。

影片中福尔摩斯隐居的房屋地点位于东萨塞克斯的海滩小镇Winchelsea，小镇外表是按照中世纪的样子建起来的；沙滩场景则是在40英里开外著名的七姐妹白崖拍摄的。

因影片中老年福尔摩斯当起了养蜂人，扮演者伊恩·麦克莱恩便参加了伦敦蜂蜜公司的养蜂技能补习班，所以在拍摄过程中，他没有被蜜蜂叮到。

熟悉《福尔摩斯》小说系列的读者知道，原作阿瑟·柯南·道尔（Arthur Conan Doyle, 1859～1930）想给福尔摩斯一个开放式的结局，因读者的群起反对，最终改成引蛇出洞的假死，这样《福尔摩斯》系列出现了两个结局，即：福尔摩斯的这个虚构人物出现了两种不同的延续性。

《福尔摩斯先生》是米切·库林的6部小说中，第二部被搬上大银幕的小说作品，他的第一部被搬上大银幕的小说是由特瑞·吉列姆执导的《涨潮海岸》。

按照柯南·道尔研究会官方小说设定资料看，福尔摩斯49岁宣布退休，53岁、58岁两度复出，之后彻底过上了隐居生活。60岁之后的福尔摩斯的生活远离尘世，唯一的乐趣是与蜜蜂为伴，甚至写了本叫《养蜂实用手册，兼论隔离蜂王的研究》的书，柯南·道尔研究会官方的小说故事在此戛然而止。

柯南·道尔很无奈，世界上的作者都希望自己笔下的人物不朽，自然死亡是最差的选择。比如阿加莎笔下的大侦探波罗，他在自己策划的一场谋杀后，痛苦又满足地含笑而死，这个结局给读者的震撼是难以言表的，也将波罗这个比利时小个子推向了永恒的神坛。

影片《福尔摩斯先生》，从演员到制片方都被打上了地道的英国标签，充分保持着英国影视作品中故事千丝万缕、人物关系错综复杂等特点。

2．影片分析

《福尔摩斯先生》是一部关于智慧与智商、盛名与现实、虚构与真实，以及岁月流逝的故事。

影片基调充满诗意，又有淡淡的忧伤。在英国乡村美景与悠扬配乐的衬托下，故事徐徐展开。伊恩·麦克莱恩的个人魅力，以及他与其他几位演员的精彩表演撑起福尔摩斯在三个时空的故事：巅峰时的自负，出游日本的慌张，归隐田园的老态。

伊恩·麦克莱恩在三段故事里抽丝剥茧的细腻演绎，让福尔摩斯从神坛走下，来到了小男孩的身边，成为一个真实的人。那种年龄带来的谦卑，使福尔摩斯先生即便走下神坛、英雄迟暮，也依然是位迷人的、令人尊敬的绅士。

导演比尔·康顿忠于原著中对“福尔摩斯”这个符号性形象之外的延伸表达。作品为观众呈现了一个不一样的福尔摩斯形象，及他用一生的智慧实现自我圆满的过程。导演故意不让华生露出真面目，但又无时无刻不提醒着观众他的重要性。

福尔摩斯是聪明、敏锐的象征。他一生嫉恶如仇，破案无数，是正义和逻辑理性的化身。然而，他在垂垂老矣的时候，不再愿意用犀利的方式点破真相，他发现，在精彩推理、明察秋毫的“除恶扬善”之上，还有一种更高的“善”的境界。

他也是在办案中逐渐领悟了这种境界。

大侦探经手了最后一个案子，跟踪了神秘女子的可疑行踪。他自然又一次不负众望，道破了真相。然而他虽然洞察了人的动机，却没有体会人的痛苦，非常专业和理性地恪守了职业准则，却导致了更大的悲剧。这触动了大侦探，引发了他对为什么破了案，还有好人会死的思考。深深的内疚让他从此隐退。

归隐的大侦探需要人照顾，照顾他的管家的儿子罗杰聪明伶俐，热情善良。然而为生计奔忙的母亲却不了解罗杰的才华和想法。罗杰对不理解他的母亲恶言相向，虽然占理，但确实给人造成了伤害。

福尔摩斯又一次看到了过去的自己，想到了当年自己造成的伤害。终于，大侦探打破心墙，超越与管家雇佣关系的界限，让原本一生无望的好孩子罗杰有了走向光明未来的可能。

面对记忆力不断下降的状况，大侦探远赴日本寻求良方，却遭遇一个因误会而生的谴责。本是清白的福尔摩斯自然指出了真相。远道回国之后，辛苦带回的良药似乎没什么效果，但神秘女子和小男孩的故事是心灵的良药，改变了大侦探。

一生明察秋毫，只认客观事实的他，提笔编了个故事寄往日本，以维持住那伤心的母子几十年的精神支柱，哪怕他们曾经把他骗过去加以指责。

三个故事交织在一起，说的其实是福尔摩斯自己的故事。虽然举世无双的侦探头脑不断衰退，但从恪守职业准则，到打破心墙，学会奉献而帮助身边的人，再到虽然受到冤枉，也把善意送到千里之外；这样一个一辈子理性、自负的侦探，一下变成了一个洞悉人心的美好之人，在这个影片中持续散发出耀眼的光芒。

影片中暗含着两个隐喻：蜜蜂和岩山椒。

第一，蜜蜂与黄蜂。影片一开始就谈及“蜜蜂与黄蜂完全不同”这个隐喻。开始福尔摩斯让小男孩远离窗边黄蜂；结尾处罗杰为了拯救蜜蜂，被黄蜂蜇伤。那蜜蜂是什么？黄蜂又是什么？

首先，蜜蜂与黄蜂的区别是：蜜蜂的倒刺会脱离自己身体；而黄蜂的倒刺依然留在自己身上。

无论是蜜蜂还是黄蜂，都具有“锋芒”。具体到福尔摩斯，是他咄咄逼人的推理、逻辑，让周围的人感到惧怕。他也认为，是他自己的推理害死了一个叫安的女人，而且这个案件对他来讲是毁灭性的，直接导致他在以后的岁月里没有去接手任何案件。

这个特性很像黄蜂，把“毒”留在自己身上。这就是为什么开头福尔摩斯劝孩子远离窗户时，只说结论，并没有推理，他害怕自己的锋芒，更怕随之而来的影响。所以安那次事件之后，他认为自己是黄蜂：冷酷、精准、无情，伤害别人也伤到自己，而且毒性一直在。

片中的福尔摩斯一直在养蜜蜂，他相信蜂王浆可以治疗衰老，让自己回忆起当年案件的细节。结合他一直拿在手里的蜜蜂水晶球来看，蜜蜂对于他来说是正面的，或必不可少的。回想一下结尾，福尔摩斯把6件对他有意义的物品（对应6个人）放到地上，组成了一个正六边形，那正是蜂巢的基本形状。

因为福尔摩斯当时已经明白，身边的人与情感才是最重要的东西，所以可以等同于爱。

蜜蜂的一大特点就是忠诚，雄蜂孜孜不倦地把花蜜送到蜂后那里，象征着华生、麦考夫、哈德森太太这些人用爱来影响着他，这才是他真正应珍惜的东西。所以他相信蜂王浆能恢复记忆，因为，那是爱的结晶。是这些人成就了福尔摩斯，而他，就在蜂巢的中心。

福尔摩斯既是“黄蜂”又是“蜜蜂”，这是怎么回事？因为，福尔摩斯本来就是具有“两面性”的。片中罗杰的母亲只看到了他“黄蜂”的一面，福尔摩斯用推理揭露了她的私心，并且让罗杰“不务正业”，甚至被蜇伤。而罗杰是真正理解福尔摩斯的：对他的推理和故事感兴趣、与他一起养蜂、帮助福尔摩斯回忆。于是罗杰被蜇伤的事件就可以解释得很明白：罗杰为了蜜蜂被黄蜂蜇伤，象征着罗杰为了保护“爱”却被“锋芒”所伤（这正是安所做过的，当面倒掉毒药瓶，却选择卧轨）。年迈的福尔摩斯为了证明自己对这家人的关爱是真心的，所以为蜜蜂辩解。而且，正如黄蜂的毒是留在自己身上的，先前的“毒”（拒绝安）已经影响了他的后半生，他不能再让毒气攻心了，他要为爱辩解与争取些什么，他要救回失去的爱。

第二，岩山椒与战争。影片一开始，福尔摩斯坐车经过美丽的草原，一架被毁的飞机的机翼矗立，暗示着本片对战争主题的探讨。

福尔摩斯，生于1854年1月，逝于1957年1月，享年104岁，这对于一生用脑的天才来说真是不容易。片中他93岁时正是1947年，那时二战刚刚结束不久，战争对于本就万念俱灰的老人更是雪上加霜，估计在某种程度上也影响了他的记忆。

发现蜂王浆对恢复记忆无效后，他转而去日本寻找岩山椒。具有讽刺意味的是，岩山椒生长的那片土地正是广岛，抗衰老的养生品居然是从一片死亡之地生长出来的。为了忘记安的事件对自己的影响，他无功而返。岩山椒隐喻着他以毒攻毒的过程。

在前一个隐喻里，黄蜂的那一部分应该是指战争的影响。因为战争，人与人之间产生了隔阂，导致安的抑郁；因为战争，日本人与亲人天各一方；因为战争，福尔摩斯一直没有发现自己真正的症结所在，战争遮盖了爱的光芒，也只有用爱来拯救。

其实，对于忠实的福尔摩斯迷来说，只有从一个老人的视角，感受到他的伤痛与孤独，才能慢慢理解影片中要铺陈的情感线和对战争的控诉，这也才是真正的主线，完成福尔摩斯对自我的救赎。

3．法律文化

夏洛克·福尔摩斯是由19世纪末的英国侦探小说家阿瑟·柯南·道尔塑造的一个才华横溢的虚构侦探。福尔摩斯自称是名刑侦顾问，其他警探或私家侦探遇到困难时常向他求救。福尔摩斯也不负众望，能够足不出户解决很多疑难问题。大部分案子是故事集中讲述比较困难，需福尔摩斯出门调查。福尔摩斯善于运用观察与演绎推理和法学知识来解决问题。

阿瑟·柯南·道尔一共写了4篇中篇、56篇短篇的《福尔摩斯》系列小说。最早的两篇分别是1887年《毕顿圣诞年刊》刊登的《血字研究》、1890年《理本科特月刊》登出的《四签名》。而1891年开始在《斯特兰德杂志》上的系列短篇小说连载，使福尔摩斯名扬天下。直到1927年，柯南·道尔先生才再写出续集。故事的发生年代集中在1875～1907年，福尔摩斯接手的最后一案发生在1914年，也就是影片《福尔摩斯先生》中提到的这个案件，因为这个案件使福尔摩斯下决心退隐乡间，以养蜂、写作打发时光。

所有故事几乎全部是以福尔摩斯的朋友及传记作家约翰·H．华生医生的角度叙述的。只有两篇是由福尔摩斯亲自叙述、两篇是以第三人称撰写的。

二 《王牌特工：特工学院》（2015年）

导演：马修·沃恩

编剧：简·古德曼、马修·沃恩、马克·米勒、戴夫·吉布森

主演：塔伦·埃格顿、科林·费斯、塞缪尔·杰克逊、迈克尔·凯恩、马克·斯特朗

类型：喜剧、动作、犯罪、冒险

制片国家：英国、美国

语言：英语、阿拉伯语、瑞典语

片长：125分钟（中国大陆）/129分钟（美国）

上映日期：2015年1月29日（英国）

1．影片介绍

影片《王牌特工：特工学院》（Kingsman: The Secret Service）讲述了一个英国资深间谍从街头找回了自己前同事的儿子，而此人是一个街头小混混，在对他实施了一系列培训之后，街头小混混变成了一个像绅士一样的超级间谍。

哈里（科林·费斯饰）是英国秘密特工组织金士曼中的一员，在一次行动中，他的战友不幸牺牲，哈里将一枚徽章和一个电话号码交给了战友年幼的儿子艾格西（亚历克斯·尼科洛夫饰），叮嘱他将来如果遇到了什么麻烦可以拨打这个号码，并告知这样的机会只能使用一次。

一晃眼17年过去，破碎的家庭让艾格西（塔伦·埃格顿饰）成为一个无所事事的小混混。一日，因为违反交规，遭到逮捕的艾格西使用了手中珍贵的电话号码，赶来救助的哈里在艾格西玩世不恭的外表之外，发现了他善良的本质和极高的天赋。于是，哈里决定将艾格西培养成为新一代金士曼，因为未来他们需要共同面对的是强大而又邪恶的亿万富翁瓦伦丁（塞缪尔·杰克逊饰）。

艾格西通过了一连串具有挑战和危险性的考验，证明了自己王牌特工的能力，并迅速成长为超级特工，协助哈里铲除强敌。

导演马修·沃恩为了执导本片，放弃了执导《X战警：逆转未来》的机会。

在选角方面，导演马修·沃恩出其不意地让“60后”文艺男、英国绅士代表人物科林·费斯来演秘密特工，其原因是没人会想到科林·费斯会来演动作片；在剧情设置上，导演加入了反对以出身论资格的血统论的元素，强推街头小混混艾格西加入王牌特工培训班。而艾格西没有顺理成章地通过审核的原因出在一条他错认为是斗牛犬的哈巴狗上；超级大反派吃饭时也要在精致的银质餐具和琼浆玉液间推出大盘麦当劳。这些都证明导演不按常规出牌。

首次演出动作戏的科林·费斯，每天训练三个小时，全片几乎所有动作戏他都亲自上阵，不用替身。

2．影片分析

这是一部向经典特工片致敬的影片，其中不乏向《007》《谍影重重》等经典特工电影致敬的台词和片断；除了致敬经典之外，导演还将大家熟悉的类型电影，在不降低格调的前提下进行颠覆，用不同的、有趣的方式去呈现，使电影充满娱乐性，同时又以现代的角度捕捉20世纪六七十年代间谍片的精髓。

影片既有英国间谍片的儒雅风范，也有“麻雀变凤凰”的励志故事。影片中科林·费斯这位奥斯卡影帝，扮演的是智慧惊人的超级间谍哈里，拥有高科技全副特工装备，西装革履的他尽显绅士风度，而他戴着墨镜、拄着雨伞出现在电影中时，更突显出英国男人的独特风采，完美地诠释了什么叫作“西装是现代骑士的盔甲”。

饰演成年艾格西的演员塔伦·埃格顿是影坛的一位新人，初登大银幕，也有着极佳的表现。与历任担任007主角的性感男不同，塔伦·埃格顿1989年出生，拍这部影片时还没出道，在哈里的言传身教之下，电影中的这位街头小混混被成功改造成了具有英国绅士儒雅风范的超级间谍，这个曾经放荡不羁的小人物，实现了“麻雀变凤凰”的转变。

嘻哈之流，是绝对进不了傲慢英国人的法眼的。大反派瓦伦丁从头到尾都以嘻哈打扮亮相。他用来招待贵宾晚宴的主菜，是巨无霸汉堡，这是英国人对有“山姆大叔”之称的美国人没文化底蕴的嘲讽。

开启嘲讽模式的马修·沃恩不满足于超级英雄干掉宇宙大坏蛋的小伎俩，在他的镜头下，政治家们朝秦暮楚、唯利是图的嘴脸被放大到了极致。为了一己私欲，这些“暴发户”式的所谓“社会精英”，在即将到来的人类浩劫与灾难面前依然能够谈笑风生、饮酒作乐，唯一做出抗争、表现出誓死不合作态度的是一名北欧公主（英国也是君主立宪制国家）。片尾这些“暴发户”权贵们的集体爆头烟花秀，虽然荒诞不经，但在颠覆之外，还有传统的传承。影片通过台词和影像片段向《谍影重重》等经典特工片致敬，包括诸多炫酷的特工武器和装备，让人眼花缭乱，畅快淋漓的动作戏更是过瘾。

影片运用了很多英国流行音乐，包括英国摇滚乐队Dire Straits以及英国传奇演唱组合Take That的歌都被选入影片。Take That演唱的Get Ready For It被导演选中作为片尾曲。片中还妙用一些音乐来烘托荒诞的情节，比如，血腥的爆头戏，在进行曲的衬托下变得恶趣十足。

3．法律文化

在这部影片中，大反派瓦伦丁犯的是大罪，不仅危害国家，还威胁到人类的生存。

我国对危害国家安全罪的解释是：危害国家主权、领土完整和安全，分裂国家、颠覆人民民主专政的政权和推翻社会主义制度的行为。

危害国家安全罪是一个概括性罪名，是对各种危害国家安全的犯罪行为共同特征的概括。各种具体罪名各有其具体构成要件和特征，分别被规定在刑法分则第一章中的12个条文里。危害中华人民共和国国家安全的犯罪行为，是中国刑法中规定的危害性最大的一类犯罪，因此，刑法分则在第一章就对危害国家安全罪进行了规定。

三 《007：大破天幕杀机》（2012年）

导演：萨姆·门德斯

编剧：尼尔·珀维斯、罗伯特·韦德、约翰·洛根

主演：丹尼尔·克雷格、朱迪·丹奇、哈维尔·巴登、拉尔夫·费因斯、娜奥米·哈里斯

类型：动作、惊悚、犯罪、冒险

制片国家：英国、美国

语言：英语

片长：143分钟

上映日期：2012年10月26日（英国）

奖项：2013年获奥斯卡最佳音效剪辑、最佳原创歌曲奖

1．影片介绍

007系列从1962年的第一部《铁金刚勇破神秘岛》到2012年的《007：大破天幕杀机》共有23部作品，2015年上映了第24部《007：幽灵党》。

007系列讲的是英国情报部门的故事，男主角詹姆斯·邦德英俊潇洒有魅力，完成了一个又一个被认为是不可能完成的任务。许多著名的演员出演了这一角色，比如康纳利、皮尔斯·布鲁斯南等。

影片中的假想敌人是苏联，展开的是几个超级大国之间的间谍战， 007们为国家而战，获取的是国家高级机密。

007邦德常有美女相伴，这些邦德女郎有着特殊的身份和使命，她们个个冷血，杀人不眨眼。

尽管每一部007电影的开篇都被打上了米高梅/联美电影公司的厂标，但事实上，所有的007电影，都属于布罗克里家族式经营的小制片公司——EON制片公司。

1960年，007小说的版权代理人、一无所有的阿尔伯特·布罗克里与哈里·萨尔茨曼大胆选用苏格兰人肖恩·康纳利扮演邦德，三人合作了9年，拍摄了8部大获成功的007电影，而后哈里·萨尔茨曼出让了公司股权，阿尔伯特·布罗克里成了独一无二的幕后大老板。

从第一任邦德肖恩·康纳利厌倦007电影宣布退役之日起，每一任邦德的人选就成了全世界影迷最关注的话题。但是，拥有最终决定权的是布罗克里家族的成员。

在007电影诞辰50周年之际，第23部007系列电影《007：大破天幕杀机》（Skyfall）上映，打破了英国首周票房纪录。

丹尼尔·克雷格2005年拍摄完史蒂文·斯皮尔伯格的《慕尼黑》（Munich）后成为第六任007的扮演者，他是历史上第二位金发的詹姆斯·邦德，他扮演的007系列作品有：《皇家赌场》（2006）、《量子危机》（2008）、《大破天幕杀机》（2012）和《幽灵党》（2015）。

影片《007：大破天幕杀机》讲述军情六处一张记载了潜伏于全世界恐怖组织内部所有特工信息的硬盘丢失，詹姆斯·邦德（丹尼尔·克雷格饰）受命前去追击，找回硬盘，挽回损失。在执行抢夺硬盘任务的过程中，协助詹姆斯·邦德的特工伊芙开枪误伤詹姆斯·邦德，使匪徒得以逃脱，而邦德则受伤掉入水中，生死不明。追索硬盘的行动也以失败告终。

身为邦德上司的M夫人（朱迪·丹奇饰）受到情报安全委员会新主席马洛利（拉尔夫·费因斯饰）的质疑，成为政府调查的对象。心有不甘的M夫人拒绝被解雇，一定要查到幕后真凶。此时，总部MI6突遭攻击，M夫人的办公室爆炸，她办公室的手下被炸死。

艰难存活下来的詹姆斯·邦德从电视新闻中看到了爆炸的消息，秘密前往M夫人的公寓，要求恢复身份，再次参与调查行动，追查真凶。在伊芙（娜奥米·哈里斯饰）和新搭档Q博士（本·卫肖饰）的协助下，邦德追寻着某前CIA特工的踪迹来到繁华大都会上海。

在这一过程中，特工的名单不断被泄露，邦德展开了新一轮生死冒险。在神秘女子赛芙琳（贝纳尼丝·玛尔洛饰）的协助下，邦德终于抓捕了幕后主使人，发现此人竟是军情处早前的优秀特工席尔瓦。席尔瓦当年执行任务时被敌人抓捕后，宁死都没有透露出是受军情处和M的指使差遣，最后却遭M夫人的背叛和抛弃，心灰意冷之际，他便拿出随身携带的特工专用自杀毒药服下，虽然受尽了毒药的折磨，却并未如愿死去，醒来后决定对M夫人和军情处进行报复。虽然被俘，但是席尔瓦用他专业的办法成功逃出了军情六处的新基地。邦德再次踏上了追捕席尔瓦的旅程。

一番拼搏之后，失落的席尔瓦决定开枪和重伤的M夫人一起同归于尽，不料被邦德一刀杀死，而M也因为重伤不治，流血过多，死在了邦德的怀中。因为邦德成功破案立功，拯救了军情处，所以新的领导消除了之前的想法，决定重新恢复邦德的职务，邦德再次踏上保卫国家之路。

2．影片分析

由奥斯卡最佳导演萨姆·门德斯执导的《007：大破天幕杀机》是007系列50周年纪念大作，也是首部登陆IMAX银幕的邦德电影。有22部系列作品在前，“邦德”成为一个时代的象征。时代在变，邦德归来，杀机再起，影片更多表现的是情怀。

以往的007系列，邦德充满了符号感、偶像感，西装革履，只喝马提尼酒，不论战场还是情场，他都是胜利者。可是，英雄也会有迟暮。这次的邦德不再所向披靡，他和众多普通人一样，也会面临危机。中年的邦德魅力不减，男主演丹尼尔·克雷格除了赋予邦德依然敏捷的身手、旺盛的精力外，还开始食人间烟火了，接地气了。

与以往风流倜傥、高富帅的邦德不同，这次邦德变身中年优雅文艺男，影片对“邦女郎”的形象也进行了“弱化”，不再把亮点集中于一点，而是分化成邦德的黑人女助手、神秘的红颜知己，甚至还在影片开头设计了一个救了邦德的土耳其女人。

以往板着脸、对邦德颐指气使，更常让他背黑锅的顶头上司M夫人，在此片中一反常态，戏份出彩，M夫人的扮演者、好莱坞女星朱迪·丹奇已经78岁高龄，这个铁一样的女人死在了邦德的怀里，因此成了最感人、最鲜活的一个“邦女郎”。

《007：大破天幕杀机》运用了中国元素，将故事搬到了中国上海，是007系列片中第一部到中国内地取景的影片，也是将上海夜景拍得最美的一部好莱坞大片：霓虹灯光与玻璃镜面交相辉映，折射出了朦胧迷人的镜像，007与对手的肉搏被虚化，科幻与复古风格交替出现，将紧张刺激的节奏发挥到极致。

有一段发生在澳门的动作戏，夜色中，邦德乘坐张灯结彩的龙舟，抵达一处古色古香的赌场，鲜红的中国风格在大银幕上分外惹眼，剑拔弩张的气氛在诡异的异域更加强烈。

影片没有放弃间谍动作片的传统积淀，也适时地迎合了时代的改变，改变与怀旧在影片中互为进退，这次，邦德不再和美女们缠绵，而是在怀旧中自我反省，打起了“感情牌”。邦德的形象不再遥不可及，他首次流下了男儿泪，他也有颓废、脆弱的时刻，是有血有肉的男子汉。这是人性化的转变，宛如凤凰涅槃，惊艳动人。

3．法律文化

007影片的兴起，和冷战时期大的时代背景分不开。当时世界相对封闭，情报战是超级大国在国际事务中占得先机的重要手段之一，因而催生了007这个系列影片的产生与发展。但是随着世界格局发生变化，世界由以前的两极变为多极，获取情报的途径也更加多元，导致007系列的影片的热度也随之降了下来，影片的风格也开始发生变化。

这部50周年纪念作没有了功能齐全的007车，也没有了花哨的特工用具，更没有了漂亮的“邦女郎”，多的是一份纪念与怀旧和对特工的存在的思考。编剧也在电影中时刻提醒着007不再是全能的，丹尼尔·克雷格版的007已经不是绅士，而是开始拼体能了，在这部影片中，邦德因为受伤，身手也不再敏捷，电影伴随着经典不变的主题曲，让人去思考这是一个时代的过去，还是邦德的重新开始？

4．法理分析

007系列主打间谍战，他们是为国家而战，为了本国的利益在特殊的战场上搏击，但是一旦失手，被敌方逮捕，007们获得的罪行就是间谍罪，或是危害国家安全罪。

一般而言，我国对间谍罪的定义是指参加间谍组织或者接受间谍组织及其代理人的任务，或者为敌人指示轰击目标的行为；根据刑法的规定，间谍罪是行为犯罪，并不以实际上发生法定的危害结果作为犯罪成立的要件，只要实施了间谍行为，即构成本罪。

四 《冷山》（2003年）

导演：安东尼·明格拉

编剧：查尔斯·弗雷泽、安东尼·明格拉

类型：爱情、战争

主演：裘德·洛、妮可·基德曼、芮妮·齐薇格

片长：154分钟

上映日期：2003年12月25日（美国）

出品公司：米拉麦克斯影业公司

奖项：2004年获第76届奥斯卡最佳女配角奖

1．影片介绍

《冷山》 （Cold Mountain）是根据查尔斯·弗雷泽同名小说改编的影片。

影片讲述了美国南北内战时期，一个名叫英曼（裘德·洛饰）的南部士兵身受重伤，他逃离部队，历尽千辛万苦只为了见心爱的意中人艾达（妮可·基德曼饰）一面。而艾达则在山影交错的乡间度过了独立的蜕变期，学会如何与粗粝尖锐的生活对抗挣扎，并与山区女孩露比在战乱期间的冷山相互取暖，艰难而快乐地生活着。

穿越连绵战火，冷山，是他们之间唯一的联系的纽带和情感的寄托地，在这里，即使旧日所有的信仰都已破灭，也仍能疗伤止痛。

2．影片分析

电影《冷山》的导演和编剧安东尼·明格拉（1954年1月6日至2008年3月18日），是中国观众熟悉的英国知名的剧作家、导演、制片人。2004年他曾因宣传《冷山》来过中国，2006年再次来中国，参加上海国际电影节。他一生坚持只拍摄自己编剧的电影。

1996年，他根据同名小说改编、拍摄了电影《英国病人》，蜚声国际影坛，该片获得了超过30项国际大奖，其中有9项奥斯卡奖，包括最佳电影和最佳导演奖。

2003年，安东尼·明格拉接任英国电影学院院长一职。除了电影，他还参与戏剧、广播和电视剧创作。

1984年，明格拉被伦敦影评人协会授予年度最具潜力编剧奖；1986年，他的《曼谷制造》（Made in Bangkok）获得英国年度最佳剧本奖。

其他自编自导的影片《一屋一鬼一情人》（1991年）和《天才瑞普利先生》（1999年）也都赢得了许多国际大奖，其中有5项奥斯卡奖提名和10项英国电影和电视艺术学院奖提名。

在《冷山》这部影片中，光荣、责任、忠诚这些严肃抽象的主题依托于飞舞的弹片和人物生活化的对白，影片一点点还原出19世纪北美动荡不安的图景。

以美国南北战争为时代背景，《冷山》将查尔斯·弗雷泽同名小说中那段带有浪漫气息的悲剧，大气磅礴地升华为了光影的艺术，在贯穿始终的萧索冰冷的色调中，电影用残酷的战争来反衬人类最美好的情感，男女主角在历经苦难后重逢，又行将面对生离死别，爱情让人感到是如此的纯粹和美好。

影片采用双线叙述结构，展现了残缺的悲剧美。讨人喜欢的悲怆或柔软的乡村民谣、大气磅礴或美轮美奂的精致画面、让人怦然心动耐人寻味的台词、台前幕后的强大阵容，都让人感受到这是一部充满诚意的制作。

影片绝美的配乐，可以让人体会到影片的精髓：坚强、圣洁、惨烈、气势磅礴。

影片《冷山》于2002年7月15日在保加利亚首都布加勒斯特城外的Potigrafu村开拍，当地变成了弗吉尼亚州彼得斯堡的战场。作品重现了发生在1864年7月30日的克雷特战役，交战双方共有6300人在战火中丧生，其中北方军的伤亡尤为惨重。

这场战役的场景耗时3周拍摄完成，是明格拉拍摄过的最壮观的场景之一。为了逼真地重现战场，制作设计师费瑞提特地到彼得斯堡寻找灵感。

在Potigrafu，费瑞提带领手下挖战壕、铺铁轨、建要塞、修工事，还搭建起一座临时战地医院，其中，最为引人注目的是战役中的一个巨型弹坑。

当时北方军为突破重围，曾挖地道进入敌方腹地，用炸药在地下炸毁了整个要塞，从而形成了一个长170英尺、宽60～80英尺的巨型弹坑。

在拍摄瞬间炸死350人的大爆炸场景时，为了再现真实场景，影片特效技师共使用了4000升汽油和100公斤高爆炸药，明格拉同时开动了4台摄影机拍摄。

为进一步增强战场的真实感，剧组没有雇用临时演员，他们得到罗马尼亚军方的协助，由1000多名罗马尼亚军人扮演交战双方的士兵。制片方请来的南北战争历史学家和情景再现专家充分关注战场上的每个细节，以保证作战风格忠于史实。

3．法律文化

南北战争（American Civil War）即美国内战，是美国历史上唯一一次内战，参战双方为北方美利坚合众国和南方的美利坚联盟国，最终以北方联邦胜利告终。战争之初，北方为了维护国家统一而战，后来，演变为一场消灭奴隶制的革命战争。

南北战争是工业革命后的第一次大规模战争，在此期间确立了战术、战略思想、战地医疗等现代战争的标准。参战的350万人中绝大多数为志愿兵。战争造成75万个士兵死亡、40万个士兵伤残，相关协会估计阵亡人数可能更多，不明数量的平民也遭到波及。

五 《卡桑德拉大桥》（1976年）

编剧：罗伯特·凯兹、乔治·潘·考斯马托斯

导演：乔治·潘·考斯马托斯

演员：索非亚·罗兰、里查德·哈里斯

片长：120分钟

制片国家：意大利、西德、英国

1．影片介绍

《卡桑德拉大桥》（The Cassandra Crossing）是由乔治·考斯马托斯执导，里查德·哈里斯、伯特·兰卡斯特、索非亚·罗兰等出演的灾难片。

影片讲述了在火车上被感染鼠疫的一部分人和未被感染的人一起对抗有关方面的封锁的故事。

三名罪犯想炸掉位于瑞典的国际卫生实验室，他们到实验室后却有两名罪犯被警员击毙，警员不小心将美国放置于此的鼠疫病毒打碎并溅到最后一名罪犯身上，这名罪犯乘火车逃走。

这种病毒感染得非常快，很快整个火车上许多人都被传染上了这种病毒。国际警局为使这种病毒不传染给其他人，对火车进行控制。为了掩饰和消灭病毒，国际警局要求将火车开到处于危桥状态的卡桑德拉大桥并毁掉。

这时，国际卫生实验室的一名医生发现高浓度氧气可能会杀死病毒，但国际警局不是很相信，仍然要将火车在卡桑德拉大桥炸毁。列车上的一名医生也发现了病毒情况在好转，同时察觉了国际警局可能要销毁火车，在同火车上的军队进行一番交涉后，他们终于将火车分成两节，前面的一节火车在过桥时坠桥爆炸，后面的一节则平安停了下来。

2．作品分析

影片在叙事上采用的是剧作模式。经典的剧作模式，采用的是二元对立的冲突法。而在众多的灾难片中，生与死的矛盾都是凌驾于所有矛盾之上的大前提。在《卡桑德拉大桥》中，1000多名无辜乘客的性命就是正邪相争的赌注。

像所有灾难片一样，生与死的矛盾必是以邪不压正的结局来解决。《卡桑德拉大桥》描写了以医生强伯伦（里查德·哈里斯饰）为代表的人道主义阵营与以麦坎奇上校（伯特·兰卡斯特）为代表的只顾“国家利益”、视生命如草芥的军事官僚阵营的抗争，正义一方终于挽救了一辆列车上大批旅客的生命。

经典模式涉及“三一律”。

三一律（classical unities）是西方戏剧结构理论之一，亦称“三整一律”，是一种关于戏剧结构的规则。该理论先由文艺复兴时期意大利戏剧理论家琴提·奥约于1554年提出，后由法国新古典主义戏剧家确定和推行。它要求戏剧创作在时间、地点和行动三者之间保持一致性，即要求一出戏所叙述的故事发生在一天（一昼夜）之内，地点在一个场景，情节服从于一个主题。法国古典主义戏剧理论家布瓦洛把它解释为“要用一地、一天内完成的一个故事从开头直到末尾维持着舞台充实”。

根据这个理论，首先，经典灾难片都有一个时间上的死限：它也许是一颗正在读数的炸弹，也许是快马加鞭的最后一分钟营救，也许是时速120公里（《生死时速》）、水下300米或者高温150度，诸如此类。对于《卡桑德拉大桥》而言，是一个赫然在目的数据：60%的死亡率。

其次，是封闭的空间。比如死亡之城（《恐怖地带》）、死亡列车（《新干线大爆炸》）、死亡巨轮（《泰坦尼克号》）等。

《卡桑德拉大桥》可谓把“三一律”用得淋漓尽致：一辆不被允许中途停车（既阻断了与外界交流，又保证了与死限分秒接近）的列车满载着随时可能被恶性传染病传染的乘客驶向一座将要坍塌的大桥。

灾难片暗合三一律是因为：大难当头，只有有限的三维才能使文本获得一种向内膨胀的张力。

《卡桑德拉大桥》的价值还在于，利用三一律的有限来描摹可能性的无限。好的剧作不仅期待矛盾的解决，更看重解决的过程。

影片设置了数对矛盾：医生（强伯伦大夫）与军人（麦坎奇上校）的矛盾，强伯伦大夫与前妻珍尼弗（索非亚·罗兰饰）的矛盾，军火商妻子尼古拉夫人与情人罗比的矛盾，还有偷运毒品的罗比和国际刑警那瓦罗警长的矛盾。

除了人与人之间的矛盾之外，还有职业性的矛盾：医生与疾病，军事机密与以书写“真相”为天职的作家，军火商与军人，军火商与军火，以警察为代表的法律权力与军事权力，以及犹太老人卡普兰与波兰集中营。

设置这些矛盾可以使人物关系获得层次，同时使事态发展变得更为丰富。

影片开始的病菌泄漏是第一个突转。

医生治好了疾病是从非生到生，真相引而待发，这是第二个突转。

最后为了保守秘密使事故不显现，军人不惜荼毒生命。

权力与反人道主义是同一方向，但这时我们惊喜地看到了第三个突转——生还者带着秘密逃离火车，犯规与事故终于显现，人道主义与“真”相结合，实现了理想主义的结局。

在这三次突转的过程当中，数对矛盾得到了解决：强伯伦医生和妻子言归于好，尼古拉夫人与情人罗比反目，警察抓到毒犯，罗比牺牲而得到救赎与赦免，犹太老人卡普兰自毁于集中营旧址。

也有留待场外解决的矛盾：生还者将如何得到当地政府和国际上的救助；珍尼弗将得到灵感写出下一本曝光事实的畅销书，被“上面”严密监视的麦坎奇上校也许面临撤职查办的危机……不过这些事都不是特别迫切，不涉及生命，属于有限的三维时空之外，与灾难无关，与影片本身无关。

《卡桑德拉大桥》的结构模式——多重矛盾和多次突转的设置——本身也成为灾难片的经典形态，影响了后来的影片。同时，影片中性格鲜明、笔触简练的群像和人物性格化的高度技巧也成为类型片模仿和学习的典范。

灾难片习惯在人人自危的死亡威胁的氛围中开始，以大规模的死亡场面结束，当然有的是属于天灾，比如《泰坦尼克号》，这一是出于商业目的，制造奇观；二是模拟逼真的恐慌情绪，让人感同身受，以便进入情境。

《卡桑德拉大桥》中的强伯伦医生，是任何灾难片中都会有的、从自我动机出发的英雄。在责任感和献身精神之外，他自救与救人的反应是出自本能。

在灾难面前，不管别人怎样，他总是要拯救亲人或者爱人，一不小心又拯救了世界。

灾难降临，束手待毙者必死。英雄振臂一呼，应者云集。

片中的个人英雄主义积极的意义在于：它（英雄主义）—他（英雄）—我（观众）三位一体，把主动权和勇者必胜的信念“缝合”到了观众的身上。

观众安全地坐在电影院里，远观人世伤痛，暗自庆幸，也为走出影院时扑面而来的幸福感而陶醉。几乎每一个人都会设想：如果是我面临灾难，我将何去何从？影片中的英雄无疑会成为人们心中最好的榜样，这就是影片的价值和意义所在。

《卡桑德拉大桥》有着明显的冷战背景色彩。

冷战时期的核竞赛威胁，让世界和平岌岌可危，人类文明随时面临毁灭。人们经受着心理上的惊吓和现实中的危险。

《卡桑德拉大桥》中，危难中奔驰的列车，就是处于危险中的世界的缩影。从这个意义上讲，哪怕只有一个幸存者，他带走的，也将是整列火车上的人存在的证据。

以《卡桑德拉大桥》为代表的灾难片，是一种可容纳多重信息的电影类型。在灾难片中，政治因素、哲学思考、社会批判等内容全部被商业化。它借用模式批判异化的国家机器或国际政治关系，也汲取政治电影的营养，是借助存在主义对当代人生存境遇、荒诞感、绝望、恐惧感的形象表达。

3．法律文化

人道主义，源于欧洲文艺复兴时期的一种思想，提倡关怀人、尊重人、以人为中心的世界观，主张人格平等、互相尊重。法国大革命时期，它被具体化为“自由”“平等”“博爱”。

人道主义精神，具有相对的崇高性、超现实性，因为精神就主要作用于超现实性的一面。精神往往超出现实的意义，多指愿望的东西，在常规的情况下，精神往往是空间的一种观念。人道主义精神，更着重体现以人为本的，以人类自身功能观念意义上的一种良知，及其在这个意识的支配下，形成一种以高度文明为基础、以人类和谐发展为目的的普世观。

人们可以这样认为，红十字会、世界卫生组织就是在这样的一种人道主义精神的支配下成立，不管你生活在什么样的政治制度下，红十字会、世界卫生组织为你而努力，都是应该的。当人们受到战争的伤害、疾病的威胁及因自然灾害而遭受损失的时候，这两个机构都有义务、有责任。因此，人们又看到，人道主义精神确实具有超现实性，因为，人类永远也不可能生存在一个完美的盛世当中，永远都有矛盾、有对立。没有矛盾、没有对立的社会是不存在的，也是不客观的。更没有这样的时代。

由此看来，人道主义精神是让人类共同崇拜信仰的一个观念，在这个观念意识的作用下，人类的一切行为及其规范，都将在这个范畴内进行。

六 《尼罗河上的惨案》（1978年）

导演：约翰·古勒米

编剧：安东尼·沙弗尼

主演：彼德·乌斯蒂诺夫、简·伯金、玛吉·史密斯、贝蒂·戴维斯、米亚·法罗、洛伊丝·奇利斯

片长：140分钟

上映日期：1978年9月29日（美国）

色彩：彩色

原创音乐：尼诺·罗塔

制片国家：英国

1．影片介绍

《尼罗河上的惨案》（Death on the Nile），是改编自阿加莎·克里斯蒂的同名代表作的影片。《尼罗河上的惨案》是阿加莎·克里斯蒂最杰出的代表作之一。故事讲述了行进在尼罗河上的一只游艇上发生的三起杀人事件及比利时侦探赫尔克里·波洛对事件的调查，最终波洛将游客召集起来，揭示了三起案件的真相。

拥有巨大财富的林内特·里奇韦小姐（洛伊丝·奇利斯饰）同新婚丈夫西蒙·道尔（西蒙·麦克金代尔饰）一起登上“卡纳克号”游艇，开始他们的蜜月旅行。当游船在尼罗河溯江而上时，年轻、美丽又有钱的林内特在睡梦中遭到枪杀，桌上价值五万英镑的项链也不翼而飞。

船上的人陷入恐慌之中，谁都有嫌疑。正在船上度假的比利时侦探波洛先生（彼德·乌斯蒂诺夫饰）立即在船上展开调查。

在谋杀案发生之后，豪华游轮上接着又出现了第二个、第三个死者。游船上的每个人都有杀人动机，嫌疑最大的是林内特的情敌杰奎琳·德·贝尔福特（昵称杰基）（米亚·法罗饰）；唯一没有嫌疑的，是死者的新婚丈夫西蒙·道尔。最终的结局出人意料。

此片获得奥斯卡最佳服装设计金像奖。

2．影片分析

《尼罗河上的惨案》摄制于1978年，在此之前，第一部群星荟萃的以克里斯蒂原作拍摄的电影《东方快车谋杀案》取得了极大的成功，《尼罗河上的惨案》沿袭了这部影片的模式：谋杀同样发生在一个封闭的空间，作为旅行者中一员的波洛，不情愿地承担起了破案的任务。两者的不同之处在于，在东方快车上，似乎没有人有谋杀的动机，而在尼罗河里的游船上，每个人好像都有杀死美丽的女继承人林内特的理由。

影片《尼罗河上的惨案》中演技出众、风度翩翩的大牌明星也十分引人注目。至少有五位奥斯卡奖获得者参演。大侦探波洛的扮演者是美国著名影星、剧作家彼德·乌斯蒂诺夫，他曾以《斯巴达克斯》和《托普卡皮宫》两获奥斯卡最佳男配角奖。波洛的助手雷斯上校由大卫·尼文饰演，他曾以《分开的桌子》一片获奥斯卡最佳男主角奖。林内特的情敌杰奎琳的扮演者是当时好莱坞崭露头角的新星米亚·法罗。此片是一部不可多得的精品。

在以视觉形象为主的电影画面中，影片成功地做到了以下两点。

第一，调动观众的参与意识。影片成功地将大侦探波洛放在故事的发展之中，这个构思，对调动观众的参与意识起到了关键作用，观众无形中也以事件当事人的身份关注着事件的发展。

即波洛在影片中代表了观众，观众不自觉地把自己放在波洛的位置，参与其中。他们像波洛一样，观察游船上的各色人等。波洛的思索，就是观众的思索，波洛的分析、判断，也被观众当作自己的分析、判断。这种不露痕迹地把观众带入的手法很高明。

其实这个带入手法在中央电视台1996年创办的谈话类栏目《实话实说》中就有成功的使用。节目通过主持人崔永元的引导，让嘉宾与场上的观众针对社会某一热点问题展开激烈争论与交流，最终达成共识。

观众在看节目的过程中也自然地参与其中，和场上的观众一样统一了看法和认识，而二者都没有感觉到自己被引导，认为这个共识是自己判断做出的。

在这里，电视机前的观众无形中也把场上的观众当成了自己。这样看电视的人越多，传播的辐射面就越大，从而让栏目发挥了比较好的社会导向功能。

第二，在悬念中运用电影手段进行推理。影片死了三人之后，“谁是凶手”成为观众感情与心理上迫切寻求的答案，推动着情节的发展。在这个大悬念下，每个可能成为嫌疑人的人，就是接踵而来的小悬念。

影片充分挖掘视觉手段潜能，每一个可能作案的人，随着波洛的推理，都在银幕上“演”了一次作案过程，使其更加逼真，让观众感到既紧张，又真实。

随着凶手的频繁出手，破绽越来越多。波洛最终令人信服地推论出真正的凶手是林内特的丈夫西蒙和他的同谋者、以前的情人杰奎琳。这一结论出人意料，又在情理之中。

电影做了影像化推理，使推理过程充满了娱乐性。

作为推理片，创作者并没有一味地铺陈情节，而是注意到了人物性格的刻画。影片中的波洛机敏、深沉、幽默，个性鲜明。影片最后，他从“发浑”的酒、有枪眼的披肩、留有红墨水的指甲油瓶等细节入手，联系某些人的特殊语言，探幽发微，找出内在的联系，剖析精准、得当，显示了大侦探神通广大的过人魅力。

波洛的扮演者彼德·乌斯蒂诺夫是一位多才多艺的艺术家，在这部影片中，他的表演又达到了一个新的高度。

影片对另外两个人物西蒙、杰奎琳的描绘也别具一格，表现出了他们谋财害命的残忍、狡猾、老练，也表现出了他们犯罪活动的内因。最后，两人在绝望之后，相互拥抱着开枪毙命的自杀结局，表现了他们对“爱情忠贞”的一面，展现了人物复杂的内心世界。

影片中人物的对话富有文学色彩和幽默感，性格特征明显，也成为吸引观众欣赏作品的重要因素之一。

3．法律文化

《尼罗河上的惨案》讲述的是犯罪问题。

正值青春年华的林内特小姐，继承了父亲的巨额财产之后，陷入了一个危机四伏的险恶环境中。

社会中财富分配的不均和人们对财富不择手段地追求，以及由此引发的社会矛盾等，是林内特小姐送命的真正原因，也是这部影片折射出的严峻的社会现实。

阿加莎·克里斯蒂的侦探小说以构思精巧、情节离奇、推理缜密著称。影片比较细致、准确、全面地表现了作家的创作风格和创作特征。

行驶在尼罗河上的“卡纳克号”游船上集中了所有可能谋杀拥有巨额资产的林内特的人。影片开始，创作者用大量篇幅对各色人等的心态进行了描绘和烘托。他们以不同的态度、方式表现了与林内特的不同关系：有被林内特损害名誉的，有被她粗暴诽谤的，有被她父亲弄破产后沦为佣人的，还有自封“马克思主义者”要把林内特“干掉”的“革命”青年。最明显要对林内特报复的，是被她抢去了爱人的杰奎琳。影片借此烘托气氛，渲染环境，起到了设疑云、布迷雾的作用。

之后，创作者采用了步步紧逼的方法将情节逐步推向高潮。餐厅中，杰奎琳向她以前的情人、林内特现在的丈夫开了一枪实施“爱情报复”，剧情陡转。深夜，又是一声枪响，林内特被枪杀。接着，林内特的女佣路易斯·布尔热被割喉致死。

案情立刻趋向复杂。

谁是真正的凶手？作为推理片，逻辑推理必不可少。于是大侦探开始缜密的推理调查。

《尼罗河上的惨案》用谋杀来制造悬念。百万富翁的女继承人林内特头部中了一枪，死在她度蜜月的游艇上，她的那条价值五万英镑的珍珠项链也不翼而飞了，表明这是一桩谋财害命案。正值波洛寻找破案线索时，林内特的女仆被杀死在房间中，她手里握着一张一千法郎的一角，显然她发现了凶手，并进行敲诈而被杀死。值得庆幸的是，奥特勃恩太太是这件凶杀案的唯一目击证人。正当她要说出凶手时，却被窗外的一颗子弹击毙。最后，侦探波洛揭露了这一离奇曲折的真相，他详细讲述一些通常易被人忽视的蛛丝马迹，譬如：凶杀案发生当晚喝了“发浑”的酒，在尼罗河里找到的有枪眼的披肩，林内特的梳妆台上留有红墨水的指甲油瓶以及墙上用血刻写的大写字母J……波洛精心地把这些表面看来毫无关联且错综复杂的线索摘理清楚，最后推断正是杰奎琳和西蒙合谋杀害林内特。这让读者有始料未及之感（解谜结束）。最后结局同其他侦探小说一样，真凶杰奎琳和西蒙自杀。

4．法理分析

影片的主犯与从犯为了一己私利杀人，犯下了故意杀人罪。

故意杀人，是指故意非法剥夺他人生命的行为，属于侵犯公民人身民主权利罪的一种。

故意杀人是中国刑法中少数性质最恶劣的犯罪行为之一。我国《刑法》第二百三十二条规定：故意杀人的，处死刑、无期徒刑或者十年以上有期徒刑；情节较轻的，处三年以上十年以下有期徒刑。故意杀人罪是行为犯罪，只要行为人实施了故意杀人的行为，就构成故意杀人罪。由于生命权利是公民人身权利中最基本、最重要的权利，因此，不管被害人是否实际被杀，不管杀人行为处于故意犯罪的预备、未遂、中止等哪个阶段，都构成犯罪，应当立案追究。

第三节 印度

印度是电影大国。印度的孟买被人们称为“宝莱坞”，以此比喻印度电影产量高。印度电影大多自产自销，注重民族性，大量的歌舞出现在影片中，为其本国民众所喜爱。其影片长度大都在3小时左右。

一 《流浪者》（1954年）

导演：拉兹·卡普尔

编剧：Khwaja Ahmad Abbas

主演：拉杰·卡普尔、纳尔吉丝、普利特维拉·卡普尔、沙希·卡普尔

类型：剧情、爱情、歌舞

制片国家：印度

片长：193分钟

上映日期：1954年1月25日（瑞典）/1956年4月7日（美国）

1．影片介绍

影片《流浪者》（Awara）讲述了印度等级社会的黑暗现实，歌颂了纯洁的爱情和人道主义。

印度上流社会有名望的大法官拉贡纳特信奉这样一种哲学：“好人的儿子一定是好人，贼的儿子一定是贼。”这种以血缘关系来判断一个人德行的谬论害了不少人。

一天，法院正在审理一起谋杀案件，原告是法官拉贡纳特，被告是流浪者拉兹，罪行是拉兹闯进拉贡纳特的住宅，企图刺死拉贡纳特。可是拉贡纳特万万没有想到，那个想要杀死他的年轻人拉兹竟然是他的亲生儿子……

事情还要追溯到十几年前法官拉贡纳特审理的一起案件，根据“罪犯的儿子必定追随其父”的荒谬理论，思想偏激的法官拉贡纳特错判强盗的儿子扎卡有罪，无辜的扎卡设法越狱，之后为生活所迫，最终竟沦为真正的强盗，但他仍一心想要报复法官拉贡纳特。

扎卡首先绑架了拉贡纳特的妻子，发现她已有身孕，于是就放了她，但是社会上出现了一些有关他的妻子不忠的谣言，拉贡纳特迫于家族的压力，绝情地赶走了即将分娩的妻子，在一个凄风苦雨的夜晚，法官拉贡纳特的儿子拉兹降生在贫民窟。

从小与母亲生活在贫困、屈辱之中的拉兹，在强盗扎卡的诱导下，成了一个小偷。长大后，在一次行窃中，拉兹意外地遇见了童年时的好友丽达，他们真诚地相爱了。皎洁的月光下，俩人在平静的海面上荡起小舟，享受着爱的滋润，爱情给拉兹带来了新生的渴望，他决心痛改前非，要用劳动来养活自己和母亲。然而，工厂却因为拉兹曾经是贼而开除了他，扎卡也在不断地胁迫他就范。

一天，回到家中的拉兹意外发现，扎卡为了躲避警察的追捕而想扼死自己的母亲，为保护母亲，拉兹失手杀死了扎卡并因此被捕。

当拉兹得知负责这起案件的法官拉贡纳特就是自己的亲生父亲，并知道了自己的身世后，便设法从狱中逃了出来。满腹悲愤的他前去行刺拉贡纳特未遂而再度被捕。在法庭上，已成为律师的丽达为拉兹做了精彩的辩护。拉兹的悲惨经历证明了法官拉贡纳特的血统论是如此的荒谬。

《流浪者》是由卡普尔家族第二代传人拉杰·卡普尔于1951年自编、自导、自演的一部影片。拉杰·卡普尔扮演男主人公拉兹，他的父亲——印度著名演员普利特维拉在片中扮演拉兹的父亲——法官拉贡纳特，拉杰·卡普尔的三弟沙希也参加了演出，他扮演的是童年时代的拉兹，当时他才9岁。《流浪者》公映后，轰动一时，并于1953年获得戛纳国际电影节大奖，此后数十年中，拉杰·卡普尔又以非凡的才华和高深的造诣，创作了许多脍炙人口的影片，成为举世闻名的电影大师。

2．影片分析

印度电影《流浪者》于1955年在中国公映，由长春电影制片厂译制，是最早被引进中国的印度电影。

《流浪者》和其主题曲《拉兹之歌》《丽达之歌》等插曲都深受中国观众的喜爱。《拉兹之歌》在中国最轰动的时期是在20世纪70年代末，那是在一代人遭受了苦难经历之后。

《流浪者》反映印度等级社会的现实，歌颂纯洁的爱情和人道主义，是影片受到欢迎的原因之一。

《流浪者》的创作背景是在印度现代社会废除种姓制以后，人民身上被烙上了阶级印记。片中主人公拉兹的母亲怀着身孕，在一个雨夜里被出身望族的丈夫赶出门，只因腹内的孩子来历有些可疑（母亲在初孕时曾被一名叫扎卡的劫匪劫持过）。母亲再三哭诉自己的清白，可是拉兹父亲的家族不能容忍自己家族名声被人侮辱，于是，拉兹和他母亲成了牺牲品。

拉兹和母亲住在贫民窟里相依为命，母亲再苦再累也要供拉兹上学读书，希望他长大也能像拉兹的父亲一样成为一名大法官。在学校里，拉兹认识了美丽的同桌丽达，她不像别的同学一样瞧不起穷苦的拉兹，她喜欢聪明善良的拉兹，两小无猜的他们成了好朋友。这时拉兹还不知道，丽达的养父，就是他自己的亲生父亲。

后来，拉兹因家庭贫困辍学了。他的身边再也没有读书声，没有美丽的丽达陪伴。他被流氓头子扎卡收为弟子，扎卡教会他一身高超的偷盗本领。拉兹并不知道，扎卡选中拉兹，是为了对他的父亲实行报复，扎卡当年劫持拉兹的母亲是报复的第一步，他的目的是让法官的儿子变成像他一样十恶不赦的贼。他成功了，拉兹成了贼，而且是手段高超的贼。在一次偶然的机会中，拉兹和丽达再度相逢，拉兹偷了丽达的钱包，翻看钱物时才发现他和丽达儿时的合影。他装作见义勇为者，把钱包又还给丽达。这时的丽达，更加甜美可爱，并且已经是大学法律系学生，就要毕业了。拉兹对丽达表明身份，丽达看着眼前英俊的男人，想起儿时善良朴实的拉兹，心里泛起涟漪。

拉兹和丽达相爱了，当丽达在月光下唱起那首令人心醉的《丽达之歌》时，拉兹却在自己的家里犯下杀人重罪。强盗扎卡被警察追赶，误闯到拉兹家中，拉兹的母亲认出这个人就是当年劫持过自己的扎卡，她怒不可遏地要去向警察告发，就在扎卡要杀掉拉兹的母亲时，拉兹从外面回来，看到扎卡威胁自己的母亲，一怒之下，手刃恶魔扎卡。

法庭上，丽达为自己的爱人和正义和自己的养父大法官唇枪舌剑，当大法官得知拉兹就是他的亲生儿子时，他的心灵受到巨大冲击。

拉兹的父亲良心发现，来看望儿子。宣判结果出来了，由于丽达的辩护，拉兹被减轻刑罚，法院判处3年监禁，丽达来探监，与拉兹互诉爱意，表示会等待拉兹。

影片《流浪者》被称为印度电影史上的经典之作，宝莱坞电影的里程碑。拉杰·卡普尔参考好莱坞电影的技法，融入印度传统的歌舞和通俗剧，缔造出宝莱坞电影的特殊风格。这部长达三个小时的电影情节曲折离奇，通过一个复杂的故事昭示了一个极富哲理的社会问题，从开始的人伦亲情悲剧到社会写实，再转成黑色电影和卓别林式喜剧，中段又变成浪漫到极点的爱情剧，然后又是悲喜交加的恩怨纠葛，加上不时点缀的动听歌曲和华丽歌舞，充分展现宝莱坞电影特有的“大杂烩”风格。

音乐歌舞在这部影片中除恰到好处地发挥着活跃气氛的作用之外，还有一些特殊的作用。

闪回作用。影片采用倒叙手法，在音乐歌舞中，把人们带回到对往事的回忆，又通过《拉兹之歌》把人们的思绪带回现实中。

转场及概括作用。一首《拉兹之歌》贯穿了拉兹的童年到青年，在这样的场景转换中，概括了主人公拉兹的命运和人生经历，手法简洁，极具感染力和表现力。

音乐和其他艺术手法结合在一起使用。在反面人物扎卡伴随着低沉的音乐声出现在银幕上时，观众先看到的是人的阴影，然后才看到了人。这种艺术效果对观众在心理上产生的影响是巨大的。

3．法律文化

作品《流浪者》通过拉兹个人的不幸命运，分析了造成其犯罪的根源，其中，社会偏见是导致他走上犯罪道路的一个重要因素。作品警示执法者要慎重判案。其实，扎卡、拉兹都是拉贡纳特持“血统论”偏见的直接或间接的受害者。扎卡原本是良民，但是因为他父亲是强盗，被拉贡纳特以有罪论处，获刑，出狱后他为了报复社会对自己的不公走上了犯罪道路。作品对拉兹这个人物内心的刻画非常细腻。拉兹做坏事之前不敢看儿时的朋友丽达的照片，这说明他是有良知的，而且天性善良。

法官判案不公或误判，造成一些人与社会的对立，成为社会不安定的因素之一，这也是社会学家关注的热点。影片成为一个探讨社会问题的片种，《流浪者》在20世纪50年代就有这样的思想高度非常难得。

2002年美国的《头骨搜集者》就是反映这样问题的一部影片。作品讲述一个美国顶级犯罪学家判案水平高超，但是他遇到一个连环杀人案，对手杀人手段残忍，并且以杀人作为游戏与其较劲，这个杀手当年就是因这个顶级犯罪学家判案失误，毁了他清白的人生，最后以杀人作为一种手段与法律较量。

二 《摔跤吧！爸爸》（2016年）

导演：涅提·蒂瓦里

编剧：比于什·古普塔、施热亚·简

主演：阿米尔·汗、法缇玛·萨那·纱卡、桑亚·玛荷塔、阿帕尔夏克提·库拉那、沙克希·坦沃

类型：剧情、传记、运动

制片国家：印度

语言：印地语

片长：161分钟（印度）/140分钟（中国大陆）

上映日期：2017年5月5日（中国大陆）/2016年12月23日（印度）

1．影片介绍

影片《摔跤吧！爸爸》（Dangal）是2017年在中国大陆比较热门的一部印度励志影片。影片根据真人真事改编，讲述了曾经的摔跤冠军父亲培养两个女儿成为女子摔跤冠军，打破印度传统的励志故事。男主角马哈维亚（阿米尔·汗饰）曾经是印度一名赢得全国冠军荣誉的摔跤运动员，在出于年纪原因结束职业生涯后，他最大的遗憾就是没有能够替国家赢得世界金牌。壮志未酬的马哈维亚将这份希望寄托在了后代身上，然而妻子接连给他生了四个女儿，其中大女儿、二女儿分别取名吉塔（法缇玛·萨那·纱卡饰）和巴比塔（桑亚·玛荷塔饰）。让马哈维亚感到意外的是，两个姑娘长大以后展现出了杰出的摔跤天赋，他幡然醒悟，就算是女孩，也能够昂首挺胸地站在竞技场上，为国家和她们自己赢得荣誉。

在马哈维亚的用心指导下，吉塔和巴比塔开始了艰苦的训练，两人进步神速，很快就因为在比赛中表现不俗而成为当地的名人。为了获得更大的进步，吉塔在取得全国摔跤冠军荣誉后，进入了国家体育学院学习，在那里，她面临了巨大的诱惑和更多的选择。

2．影片分析

在印度社会，女性地位低下，女人从事摔跤行业是一件非常“出格”的事情。影片中的两个女儿，起初不喜欢摔跤，是在父亲的逼迫下，进行训练，当她们感悟到父亲的苦心后，从一种理解的角度，接受了父亲为自己安排的人生。影片塑造了一位能够突破传统思维束缚的高尚英雄父亲形象。

故事一开始，马哈维亚这个退役摔跤手就在办公室里，进行了一场即兴摔跤比赛，他赢了，这叫英雄的亮相；后人常说起他过往的辉煌战绩，这讲述的是英雄过往的传奇。在做了以上的铺垫后，影片开始演绎英雄现在的传奇，马哈维亚顶住邻居的非议和女儿的顽皮，突破传统观念的束缚，训练两个女儿成为优秀的摔跤手，她们先后拿到全国摔跤冠军。女儿进入国家队之后，马哈维亚不放弃对孩子的教导，最后以自己的技能和经验帮助女儿赢得了世界金牌。

印度电影每年产量巨大，但真正能获利的，只有百分之十几，《摔跤吧！爸爸》在制作上远超印度电影的平均水平。

3．法律文化

影片中的两位年轻的女性在实现父亲的梦想的同时，也为自己赢得了新的人生，为此她们的人生命运得以改变。就如影片中一个14岁就出嫁的邻家女孩所言，她们的父亲是在做真正爱他的孩子的事情。

众所周知，印度是一个重男轻女情况比较严重的国家，妇女在社会中的地位普遍不高，特别是生活在社会底层的人们。而让自己的孩子以摔跤的方式为国增光也是生活在社会底层的人才会做出的选择。

印度社会贫富两极分化也比较严重，这与它长期实行的种姓制度有关，虽然这个制度现在已经被废除，但是影响还在。

种姓制度，又被称为贱籍制度（Caste System in India，或作印度卡斯特体系），是曾在印度普遍存在的一种以血统论为基础的社会体系，其中以印度最为严重。

种姓制度以统治阶层为中心，划分出许多以职业为基础的内婚制群体，即种姓。各种姓依所居地区不同而被划分成许多次种姓，这些次种姓内部再依所居聚落不同被分成许多聚落种姓。这些聚落种姓最后再分成不同外婚制的氏族，如此层层相扣，形成一套散布于整个印度次大陆的社会体系。因此，种姓制度涵盖印度社会绝大多数的群体，并与印度的社会体系、宇宙观、宗教与人际关系息息相关，可以说是传统印度最重要的社会制度与规范。

种姓制度最初是随雅利安人入侵印度而创立的社会制度。原本的种姓制度并非要划分阶级及人的高低贵贱，而是要确保雅利安人本身的执政权和保持各种工作都有一定的人数。

然而随着马木留克、蒙兀儿等外来征服者统治印度，种姓制度为了政权需要经历过许多调整，并且在英属印度时期为符合殖民者需要，被固定、僵化，成为森严的体系。由于该体系中的不平等与近代西方兴起的民主制度与人权思想大相径庭，因此常被人批评为反现代化的落后制度，甚至被视为妨碍印度社会进步的“毒瘤”。

1947年印度脱离殖民体系独立后，种姓制度的法律地位被正式废除，各种种姓分类与歧视被视为非法，然而在实际社会运作与生活中，种姓制度体系仍扮演相当重要的角色。

第四节 中国香港

香港电影是华语电影的先驱。华语电影分为香港电影、大陆电影、新加坡电影和台湾电影。20世纪80年代末90年代初，一些香港导演离开香港到好莱坞发展，让世界影坛见识了香港导演身上所具有的别具风彩的东方神韵。

一 《英雄本色》（1986年）

导演：吴宇森

编剧：陈庆嘉、吴宇森、梁淑华

主演：周润发、狄龙、张国荣、朱宝意、李子雄

制片地区：香港

片长：95分钟

上映日期：1986年8月2日（香港）

1．影片介绍

《英雄本色》改编自香港导演龙刚于1967年执导的同名电影。

香港某个国际伪钞集团重要成员宋子豪（狄龙饰）和Mark（周润发饰）情同手足。一次，宋子豪带着手下谭成（李子雄饰）去台北秘密交易，不幸被谭成出卖，中枪受伤，被捕入狱。

为替宋子豪报仇，Mark孤身赴台，被仇家打瘸，他在江湖的地位随之一落千丈。不久，宋子豪的父亲也离开了人世。

视宋子豪为偶像的宋子杰（张国荣饰）是名警校学生，当他得知哥哥的真实身份后，他对其恨之入骨，发誓要将黑帮势力斩草除根。

宋子豪刑满出狱，不顾Mark的劝阻，决心弃暗投明。

但不管他怎么做，都得不到已是警官宋子杰的谅解。此时谭成已成帮会老大，他找宋子豪想再度合作，遭到拒绝，于是谭成放言会害宋子杰，被逼走投无路的宋子豪决定与Mark联手，共抗强敌。

“做人有原则，就什么都不怕。”“他有勇气去改过，你有没有勇气去接受？”这些铁骨铮铮的话，都出自1986年吴宇森编剧、执导的言志之作《英雄本色》。

《英雄本色》在当年香港电影金像奖评选中获得最佳影片、最佳男主角两大奖项，在台湾金马奖评选中，吴宇森被评为最佳导演。

2．影片分析

在拍摄《英雄本色》之前，吴宇森曾与香港导演张彻合作，做张彻的副导演，张彻的电影精神对吴宇森影响很大。

张彻年轻时所处的电影工业时代是一个重女轻男的时代，张彻当导演后，把电影标准改变了，创立了新派武侠电影，他让电影重新变得阳刚起来。受张彻的影响，吴宇森崇拜古今中外的侠客精神，对革命志士、对国家有贡献的人、有牺牲精神的人非常敬仰。吴宇森所崇尚的精神在张彻的电影里都能找到，张彻电影中那种大仁大义、豪迈的精神对吴宇森很有吸引力。

后来，吴宇森离开邵氏到嘉禾发展他的导演事业，正当他的事业蒸蒸日上时，他被外放到台湾两年做监制，不能拍片，吴宇森很是郁闷；当他遇见徐克后，两人决定重拍《英雄本色》。

和张彻一样，吴宇森的作品充溢着阳刚之气，喜欢塑造悲情英雄，用慢镜头表现枪林弹雨中的主角时，配以主角脸上愤怒的表情。

与张彻不同的是，吴宇森的“英雄片”中的景观多以当代都市为背景；新式机械武器、汽车（汽艇）追逐取代了“刀光剑影”；武林门派的争霸，换成了黑帮的利益之争；“江湖”也落实为当时错综复杂、明争暗斗的香港当代社会。

吴宇森“英雄片”中的戏剧冲突建立于“江湖”男性的恩、怨、情、仇，男性为了追求个人的义气、地位、信心、尊严，完成道义责任，付出了沉重的代价，乃至生命。比如《英雄本色》中的四位男士虽饱经抑郁、落寞，也不放弃对“义气、地位、信心、尊严”的追求。在这里义气对应小马哥，地位对应阿成，信心对应子豪，尊严对应阿杰。

影片将正派的忠义角色设计为黑道中的有道之盗，即“盗亦有道”；反面角色是违道或无道之盗。他的影片的道德标准建立在两个层面上，首先是正邪之分，其次是忠奸之分；但正邪的界限常常变得模糊，最终的选择是正义战胜邪恶，影片真正要赞美和张扬的是忠诚和情谊。

《英雄本色》是吴宇森电影创作生涯中有重要影响的影片，在此片创作时，吴宇森豪气毕现，多年来在影坛积郁的失意与抱负浸润在每一个画面里，精细的分流与流畅如歌的剪接无懈可击。这部大场面、高质量的作品震撼了观众和电影人。他和徐克合力打造的“小马哥”穿风衣、戴墨镜的人物形象，在以后的作品中一直保持，并影响了20世纪八九十年代中国大陆电影中的黑帮人物形象。

吴宇森把自己的才华、个人抱负都发挥到作品中，拍得很人性化，把自己的心情和感受写进剧本里，甚至他把自己曾经说过的话也放入影片中。当时还没有人能够把黑帮片做成这样一个个人化的电影，吴宇森做到了。

《英雄本色》在20世纪80年代后期掀起一股拍“英雄片”的热潮。在拍完《英雄本色Ⅱ》（1987年）之后，吴宇森陆续拍摄了《喋血双雄》（1989年）、《喋血街头》（1990年）、《纵横四海》（1991年）、《辣手神探》（1992年）四部“英雄系列片”，奠定了他的“暴力美学”风格。这些影片和《英雄本色》在港台及海外引起热烈反响，吴宇森成为香港最著名的动作片导演之一，并由此走向世界，雄踞好莱坞大导演之列。2001年3月，好莱坞邀请全世界电影界名流选出100名最具实力的导演，吴宇森排名第7位，李安位列第63位。

《英雄本色》最基本的价值观是：做人讲信用、有承担，对朋友有义气，对家人有情。导演吴宇森正是有这样一个创作的价值观，提高了作品中人的尊严和价值，赋予作品一个较高的文化品位，才受到大众的欢迎。

《英雄本色》是香港影坛的里程碑，影片中弥漫着强烈的江湖义气和浓浓的兄弟情，吸引了大批观众前去观赏。这个影片使失意的吴宇森和周润发横空出世，周润发因扮演“小马哥”一夜之间成为影迷的偶像。

这部自始至终都洋溢着浪漫的英雄主义情怀的“英雄片”与同类题材的黑帮片相比，在展现情、义方面都更深化了一步，对人物性格刻画深刻，形式新颖。

在《英雄本色》中，吴宇森对警匪片模式进行了沿用与改写。除了成老大、宋子豪、小马哥和才叔这几个可构成典型的强盗片叙事模式的人物外，吴宇森还设置了宋子杰、父亲、女友和警长等人物，这些人物与“强盗”的构成关系就呈现出警匪片模式：在法律两边的人如何对法律进行破坏和修复。

影片突出了法的威严和“义”字当头的矛盾。强盗在片里被赋予了一种侠士的风骨。他们与警察不再是以往的针锋相对、水火不容的关系。

片中正反的界定模糊，人物关系丰富，情感也更为复杂，人物形象真实、可信，散发出独特的魅力。

电影弘扬的是与传统一脉相承的价值观和道德情操。虽写底层小人物，他们却有着大人物的抱负和胸怀，明确的人生目标；人不能选择出身和环境，却可以把握自己的命运。

在选择演员方面，吴宇森听取了徐克的建议，选用了过去风光，后来没落，但仍然坚守原则的狄龙；周润发原来在电影中是客串角色，后被改为主演。在影片里导演拍自己，演员演自己。

《英雄本色》走了一条和当时香港电影业盛行的喜剧风格完全相反的路，总结了人生的百态，让观众感受到电影的能量。很多观众在影院里看《英雄本色》很感动，看到周润发吃盒饭的镜头流泪，证明电影是需要用真实来感染观众，与其交流，从而达到最佳审美效果的。

吴宇森在很大程度上是把他和徐克的友情放在了周润发身上，把自己的感受写在了电影里。

当时周润发被称作票房“毒药”，狄龙这位昔日的明星沉寂了多年，而张国荣、李子雄等风华正茂，也想通过一部作品来展示才华，当以吴宇森、周润发为首的群雄相聚时，他们把各自压抑的情绪、才华释放了出来，以沉郁的调子，真实呈现出男人在受到委屈和误解时的悲愁心态。可以说，《英雄本色》为他们最终的爆发提供了一个宣泄机会。

整部影片，从人物角色到情节，甚至是战斗的场面都充满着真切的情感。片中的女性角色为表现他们的兄弟、父子情起到了铺垫作用。吴宇森相信，充满人情味的东西可以打动每一个人，最后的英雄是人情的英雄。

影片故事的核心是情和义。作品中，警察是有道之警，匪是盗亦是有道的英雄。吴宇森把中国古人最具代表性的品格“侠、义”附着在他作品中的英雄人物身上。

兄弟看重的是忠诚、牺牲和体谅，为朋友赴汤蹈火在所不惜。

他们在“义”的追赶下，走向拼杀的血路，直至最后生死一搏。虽然前途艰险，要付出生命，还是决定踏上这不归路，友情是树立男人尊严的途径。

吴宇森《英雄本色》系列中的小马哥，把这种江湖义气表达得惊天动地。

吴宇森给观众展示的是“英雄神话”，同时也展示了每个男孩从玩玩具枪开始就有的梦想，以及对社会、制度和个人进行了反思。他不仅在警匪类型片里注入中国的侠义精神，还将中国功夫融入现代枪战场景之中。演员不仅打得刺激，还演得赏心悦目，体现出他“暴力美学”的风格。

比如，小马哥在枪林弹雨中动作敏捷，在放慢的镜头影像中又充满了舞蹈的美感。观众用近似欣赏的眼光，观赏着他的搏击，毫无惧色。这种表演和镜头的运用，使他在影片中灿烂夺目，具有非同寻常的视觉冲击力和观赏性，从而成为吴宇森“暴力美学”的经典。

“暴力美学”有约定俗成的特定含义，它是起源于美国，在香港发展，成熟起来后影响世界的一种艺术趣味和形式探索。它挖掘出枪战、武打动作和场面中的形式感，将其中的形式美感发挥到炫目的程度，忽视或弱化其中的社会功能和道德教化效果。

暴力美学发源于美国电影，但就其摒弃表面的社会评判和道德劝戒而言，就其浪漫化、诗意的武打、动作的极度夸张走向彻底的形式主义而言，是在香港完成的。

它成熟以后又反过来波及美国。《英雄本色》、《低俗小说》（Pulp Fiction, 1994年）、《杀手雷昂》（The Professional, 1994年）、《变脸》、《天生杀人狂》（Natural Born Killers, 1994年）、《黑客帝国》等影片都是暴力美学的代表性作品。这一美学理念反过来，也影响了华人导演，比如，李安的《卧虎藏龙》、王家卫的《一代宗师》。

暴力美学表面上弱化或者摒弃了社会评判或道德劝诫，但就电影社会学和心理学来说，它是把美学选择和道德判断还给观众的电影观。它意味着电影不再提供社会楷模和道德指南，电影也不承担对观众的教化责任，电影只提供一种纯粹的审美判断。

对于每一位导演而言，其镜头中的暴力美学体现出来的风格各不相同。

对吴宇森来说，所谓的动作、美感，就是舞蹈。他对动作追求的是一种动态的美感，在动作（暴力）中表现侠义和浪漫。就镜头语言而言，他喜欢用出人意料的升格镜头，在小马哥为宋子豪报仇的枫林阁枪战中，可以看到这一点。在宋子豪出狱后再见成老大和小马哥一幕中，不仅突出镜头运动的节奏，强化英雄的气质和风采，也烘托出友谊情感和悲壮浪漫的诗意情境。

《英雄本色》《纵横四海》《喋血双雄》是吴宇森“英雄片”的代表作品，奠定了他的暴力美学风格。

在《喋血双雄》中吴宇森用极为自信的手法，让暴力世界中弥漫出无法言语的浪漫，华丽而又控制自如的镜头、精练的对白以及舞蹈般的枪战动作令人为之倾倒。片尾在教堂里的生死决战，代表了他的暴力美学的精髓：烛光中映出的圣母像，背景中掠过的白鸽，一对最不该成为朋友的生死之交，共同执行着自己心中的正义。吴宇森说，这就是他最想用镜头来表达的东西，哲学式的电影，骑士般的主角，也表达了他心中的理想。

吴宇森的创作也与当时的大环境有关，1979年至1983年，香港出现了新浪潮，香港新浪潮时期的导演们不单拍出了一系列令人惊叹和清新可喜的经典电影，而且对电影充满了浪漫的情怀和敬意，使人觉得电影是自由，是导演个性的表达。

吴宇森除了对香港新浪潮的导演们尊敬外，对法国电影也情有独钟。

吴宇森的警匪片受法国电影大师让·皮埃尔·梅尔维尔（Jean-Pierre Melville, 1917～1972）很大的影响。梅尔维尔为警匪片另辟蹊径，他的电影含蓄、冷静，在高潮段落没有煽情及故作的惊险，甚至片中主角的性格也一如影片的性格——冷静而又沉着，比如，他1968年的影片《独行杀手》（Le Samourai）中由阿兰·德隆扮演的男主角杰夫（Jef Costello）。吴宇森很喜欢《独行杀手》, 20多年以后，影片中杀手和女琴师的关系被他重新改写，成为自己的电影《喋血双雄》中的部分故事情节。

梅尔维尔将节奏控制得有张有弛。影片中孤独的男主角那份孤寂清绝的感觉，有着法国存在主义的味道。影片中风格化的影像，城市夜景，幽闭的景框（楼梯，门窗等），低调布光、阴影，深焦镜头与非对称构图，对吴宇森的作品有或多或少的影响。

吴宇森在人物的服装造型上也继承了梅尔维尔《独行杀手》中的人物造型：穿风衣、戴墨镜及一顶德州帽。而小马哥穿一袭黑风衣和嘴角叼着火柴棒也已成为经典形象。影片在主题上也以侧重抒发兄弟情、父子情为主。

需要指出的是，吴宇森的警匪片与梅尔维尔的影片也有很大的不同。

梅尔维尔的影片中有强烈的美国风格，节奏却极为法国化；吴宇森的《英雄本色》虽受其影响，却是地道的“香港制造”。梅尔维尔的影片纯粹、宁静，写暴力却少见暴力镜头，呈现为过程的极度简约，比如，主人公都弹无虚发；在吴宇森则成了喧哗、淋漓、暴力的放大和浪漫化，有人调侃说吴宇森的电影现在已经打出了一亿多发子弹。

在好莱坞商业片和香港武打片中，暴力的过程是最刻意表现的部分，务求酣畅淋漓，最大限度地满足观众的感官享受。

在吴宇森的作品中我们可以看到较煽情的场面和情绪的渲染，在梅尔维尔片中只有一片灰白的阴郁；吴宇森片通常最后是邪不胜正，好人的枪法和他的命一样好，而梅尔维尔的电影缺乏道德审判，即使片中的主角（匪徒）最后的命运是难逃一死，也无法说明影片中有一种价值观存在，他们的死只是一种宿命的安排，没有价值判断。

所以，由于有价值观存在，吴宇森的影片给人的正能量更多，影响更大。

1993年吴宇森赴美国好莱坞发展，将他的“暴力美学”风格延续到好莱坞。1997年吴宇森凭借执导的动作片《变脸》获得全美华裔艺术基金会金环奖；2000年他执导的谍战片《碟中谍2》获得全球电影年度票房冠军。

2006年吴宇森回归华语影坛，尝试不同电影创作风格，彰显其导演功力。他2009年获得上海国际电影节华语电影杰出贡献奖金爵奖，同年凭借战争片《赤壁》获得中国电影华表奖优秀境外华裔导演奖，2010年获得第67届威尼斯国际电影节终身成就奖，2014年执导了战争片《太平轮》, 2015年获得第28届东京国际电影节武士奖。

3．法律文化

按类型划分，《英雄本色》属于黑帮电影。

黑帮电影是类型片的一种，与警匪片不同，黑帮电影虽然经常出现警匪元素，但侧重点为黑帮本身的势力扩张与内部斗争，与警匪片侧重表现正反冲突有所不同。

黑帮电影尤擅长描写世界各国因社会贫富不均，从而衍生出的黑帮争斗故事。其代表作有《教父》《黑社会》《英雄本色》等。

黑帮电影，已经成为类型电影重要的一支。20世纪20年代，《小恺撒》的上映，曾经引起电影是否为犯罪诱因的争执，为电影审查史上声名显赫的《海斯法典》制定，扫清了道路。

《海斯法典》颁布于1930年3月，是美国电影分级制度出现之前各州相关部门审查美国电影的一部电影检查法。主要内容有：遵守禁酒令，不得宣扬烧酒；不可详细描述谋杀、盗窃、抢劫的方法；不得出现拷打场面；不得表现不道德的性关系；不得表现黑人与白人的两性关系；不准出现堕胎或分娩的镜头；不准出现裸体镜头；不准出现男女唇间接吻；不许对国旗不敬；不许出现粗暴对待动物的场面；等等。1966年正式取消。

事到如今，到底黑帮电影是否会诱导犯罪，仍然是难以认识的问题。

不过流行文化研究学的成果认为：黑帮电影是现代工业社会机械体制压力下，人们在精神领域寻求逃避的一个出口，与其说跟犯罪有关，不如说跟“浪漫”有关。在香港黑帮电影《英雄本色》里，懒散落魄的前黑帮杀手披着风衣，毫不犹豫地赌生死，无视规则而以内心为行为规则，成为现代社会中人们无法实现的梦想。

黑帮电影在20世纪80年代几度鼎盛，江湖英雄辈出。在各国电影审查制度和观众需求的双重挤压下，逐渐形成自己独特的叙事模式：作为电影主人公的黑帮大哥，虽然杀人越货，罪该万死，然而他总有一个个人的理由令观众信服，有另类高大的人格让观众同情。

《教父》中的教父，以其热爱家庭的行为观念来对美国中产阶级进行感召，而教父对朋友的热忱，是对现代社会人情淡薄的一种反衬。黑帮电影也以顺应电影审查制度的方式，让法律最终战胜犯罪。

二 《法外情》（1985年）

导演：吴思远

编剧：吴思远

主演：刘德华、叶德娴、秦沛、刘兆铭、蓝洁瑛

类型：犯罪

制片国家：香港

语言：粤语

片长：101分钟

上映日期：1985年9月26日

1．影片介绍

影片《法外情》（Outside the Law Love）的情节曲折感人，讲述了老妓女刘惠兰（叶德娴饰）因正当自卫杀死了出身名门的嫖客曾某，因她出身卑微，仅有刚从伦敦大学法学院毕业的刘志鹏出于正义，愿为她出庭辩护。

刘志鹏（刘德华饰）自幼在孤儿院长大，他上进好学，在英国伦敦大学法学院专攻刑法，以荣誉毕业生毕业，取得律师执照后返回香港发展。刘志鹏少年得志，未婚妻的家庭与法界渊源颇深。此时，香港发生了一宗轰动的凶杀案，50多岁的老妓女刘惠兰涉嫌杀死一名嫖客，因嫖客是权贵富人之子，无人愿意为她辩护，她也想一死了结。职业道德和正义感驱使刘志鹏接下了此案。

初为律师的刘志鹏在老关（刘兆铭饰）的帮助下，寻找证据，逐渐抽丝剥茧，案件的真相开始明朗，但受到未婚妻父亲的反对，也因忙着寻找证据，他与未婚妻的关系变得紧张起来。

惠兰意外看见刘志鹏有自己当年赠与儿子刻有“鹏程万里”的怀表，知道刘志鹏就是自己送到玛利亚院长主持的孤儿院的亲生儿子。当年惠兰从事舞女职业，默默地以无名氏叔叔的身份资助着刘志鹏，为刘志鹏筹措了赴伦敦大学法学院读书的学费与船票。惠兰担心这份关系曝光，会对刘志鹏的名誉、身份造成损害，她护子心切，拒绝刘志鹏替自己辩护。

刘志鹏没有办法接受惠兰临阵拒绝自己辩护的举动，还好，在老关的劝说下，惠兰终于同意让刘志鹏为自己辩护。法庭上，刘志鹏思路清晰，指出指控证人的矛盾之处，并依据线索推论死者是一名性变态嫖客。刘志鹏找出同遭虐待的妓女出庭作证，也找到死者的心理医生作证。然而心理医生却在法庭上否认死者是自己的病人，刘志鹏在孤儿院的同学在该心理医生的诊所担任护士，她拿出病历证据证明死者确实是病人。

检察官（秦沛饰）托人至欧洲找到已经退休的原孤儿院院长玛利亚，让其出庭作证刘志鹏与惠兰是母子关系。根据英国律例规定，律师与委托人之间不能有亲属关系，这样就可以要求法官撤销诉讼。玛利亚手按着十字架，坚决地否认了刘志鹏与惠兰的母子关系。在陪审团的同意之下，法官宣判惠兰是遭死者虐待，出于正当防卫，失手杀死嫖客，以无罪当庭释放。

剧终时，刘志鹏始终不知道自己与生母惠兰的关系。

2．影片分析

影片《法外情》是吴思远1985年的作品。该片在当年的香港票房达1100多万港币，备受好评。

影片也是刘德华从影多年最受人赞赏的电影作品之一。当时刘德华刚加入电影圈不久，虽然初出茅庐，然而演技不逊于前辈，与叶德娴演绎出一段感人至深、赚人热泪的母子情；加上故事讲述一名低级妓女被诬蔑杀害一名富有商人，提出当时低下阶层对社会贫贱富贵巨大差异的控诉及法与情之间的矛盾，让观众产生极大震撼与共鸣。

3．法律文化

这是情与法的抉择。影片《法外情》通过讲述一名妓女被诬蔑杀害富商的故事，反映出富裕阶层与生活在社会底层的市民之间迫害与反迫害的抗争，影片对此提出控诉，内容触及法与情之间的社会现实矛盾。

在这个影片中最终的选择取决于良知，在良知的作用下，恶人得到了惩处，正义得到了伸张，电影也对不法者起到了震慑的作用。

三 《新龙门客栈》（1992年）

监制：徐克

导演：李惠民

编剧：徐克、苏叔阳、张炭、晓禾

摄影：刘满堂、黄岳泰

武术动作指导：程小东、元彪

主演：张曼玉、林青霞、梁家辉

片长：88分钟/103分钟（美国）

上映日期：1992年

摄制公司：潇湘电影制片厂/香港思远影业公司联合摄制

1．影片介绍

1992年的《新龙门客栈》（Dragoning）改编自1967年公映的胡金铨导演的武侠电影《龙门客栈》。

作品讲述了明朝中叶的天顺年间，东厂大太监曹少钦（甄子丹饰）将兵部尚书杨宇轩陷害致死，并以流放其儿女为饵，引出杨宇轩的部下周淮安（梁家辉饰），妄图将其旧部一网打尽。江湖侠女邱莫言（林青霞饰）受恋人周淮安之托，经过浴血厮杀，救出杨家儿女，并相约在大漠边关的龙门客栈会合。没想到，乔装后的东厂高手也尾随而至。

影片中以经营黑店为生的老板娘金镶玉（张曼玉饰）对周淮安暗生情愫，而周淮安已心属邱莫言。曹少钦的大队人马向龙门客栈杀来，店内又有东厂高手纠缠，加上大漠天气莫测，周淮安等人无法脱身。周淮安探知客栈内有一条出关密道，为救杨氏遗孤，周淮安以与金镶玉结婚为条件，查出密道之所在，并与邱莫言等人相约新婚之夜从密道逃离。但曹少钦的大队人马杀到了。

万里黄沙之间，生、死、爱、恨交织之时，周、邱、金三人众志成城，联手将恶徒诛杀，邱莫言因此牺牲。周淮安决意远离中原，金镶玉一把火将客栈烧毁，追随周淮安绝尘而去。

2．影片分析

徐克最擅长的本领之一就是新编，在《新龙门客栈》之前，他就已成功改编了《青蛇》《梁祝》和《黄飞鸿》系列等，并打上了自己新的视觉语言的印记，引发新武侠电影的热潮。

1992年出品，由徐克监制的《新龙门客栈》也不例外，他在原型《龙门客栈》框架的基础之上，用他个人成熟的实验创新，加上新的卖点，改编出瑰丽、奔放的影像和侠情世界，获得了商业与艺术的成功。

胡金铨的《龙门客栈》讲述的是忠臣旧部救孤的故事，情节设置跌宕起伏、扑朔迷离，结构缜密、张弛有序。影片在人物关系上没有传统冲突中的善恶分明的二元对立，而是设置了多边的矛盾与冲突。

《龙门客栈》也可以被看成中国古代间谍片，是胡金铨为了迎合当时外国007间谍风潮而拍的影片。明代是中国历史上特务集团最强大的时代，特务集团由宦官操纵，强大到行动不必由皇帝批准，宰相也无可奈何。正因为《龙门客栈》充满悬疑布局，才会那么吸引观众。

《龙门客栈》中的动作与武功受京剧的“开打”启发，有浓重的京剧意蕴，摄影及剪辑被加以电影化，同时影片配合运用京剧的音响、音乐、韵律和高度程式化的形体调度，并用锣鼓声伴奏营造戏剧张力，别有一番韵味。

徐克的《新龙门客栈》，虽有了本质上的变化，但是他运用了《龙门客栈》的丰富资源，传承了《龙门客栈》传统的戏剧式结构与戏剧情节，引入惊险片的叙事技巧——悬念，进行了成功改造。

影片运用技术进步，对动作的独特展现是它突出的特点。有一个经典段落：黑夜里，身着长裙的金镶玉与一个东厂特务在房间中周旋，一连16个短镜头，堆砌成流畅的剪接。摄影镜头本身具有运动性，它毫无察觉地追随着动作。虽然镜头频频切换，但由于演员紧贴着镜头展示动作的细节，构图简单、影像清晰、武术设计漂亮，加上旋转的裙脚与长褂马裤，最终急促的节奏和曼妙的姿态结合成为压倒的动作，令人紧张而又愉悦。

这个蒙太奇段落最具代表性和表现力，具有丰富的视觉表现，去掉冗长多余的信息，加快了节奏。影片还采用了慢动作，形成诗意。

影片的精髓在于：对动作暴力作为一种审美对象加以抒情性摹写，并对动作姿态和细节进行形式化展现，使动作从故事场面凸显出来，产生独立的美感。

除了运用原片的资源外，徐克也借用了自身的创作经历来创作这部影片。《新龙门客栈》中大多数人物形象都可以在他之前的影片中找到原型，全片就像是回锅炒冷饭，充分利用挖掘类型资源，然后优化组合。比如，《东方不败》中的林青霞女扮男装；《笑傲江湖》中扮演反派的明朝太监重现江湖，连演员都一样。

在《新龙门客栈》里，周淮安、邱莫言与金镶玉三人之间的情感纠葛和性格冲突成为剧情发展的动因。为救忠臣，他们放弃个人感情，与种种势力斗智斗勇，形成激烈的矛盾冲突。

《新龙门客栈》的结构是线性的叙事结构，由于片中人物关系复杂，人物命运的悬念有极强的吸引力。在最后大漠决战的高潮部分，大敌当前，男女之间的三角恋关系瞬间发生变化，转为同心协力共同对敌，各种矛盾在此刻全被推向了正、反双方的总较量。

此片的细节设置巧妙，在生死攸关的时刻，影片设置了一些令人意想不到、拍案叫绝的绝招来克敌制胜。比如，武功高强的东厂曹少钦，被毫不起眼的小鞑子剔掉了一手一脚的血肉；周淮安靠子母剑，赢得了来之不易的最后的胜利。

影片结尾邱莫言为了保护周淮安，葬身大漠。在如血的夕阳下，周淮安带着孩子奔赴远方，金镶玉烧了龙门客栈，与小鞑子前去追赶周淮安。影片就此结束。这种未完的结局，是商业上为拍续集而采取的一种策略，也表现出艺术上与众不同的超越类型的特征。

3．法律文化

在我国很多影视剧里都出现了明朝东厂，而且东厂的太监武功高强，背后势力强大，就如本片中明朝中叶天顺年间，东厂大太监曹少钦竟然将兵部尚书杨宇轩陷害致死。

查阅一下历史，我们可以发现，东厂的设立者是明成祖朱棣。在发动“靖难之役”夺取了侄子的皇位后，朱棣的精神一直处在高度紧张中。一方面，建文帝未死的流言不时出现，另一方面，朝廷中的很多大臣对新政权并不十分支持。为了巩固政权，朱棣迫切需要一个强有力的专制机构，他认为设在宫外的锦衣卫使用起来不是很方便，于是想建立一个新机构。在朱棣起兵的过程中，一些宦官和和尚出过大力，比如著名的郑和、道衍。所以在他心目中，他觉得宦官比较可靠，而且他们身处皇宫，联系起来也比较方便。

明成祖迁都北京后，建立了一个由宦官掌领的侦缉机构，因其位于东安门北侧，即今王府井大街北部东厂胡同，就被命名为东厂。

东厂的职能是“访谋逆妖言大奸恶等，与锦衣卫均权势”。起初，东厂只负责侦缉、抓人，并没有审讯犯人的权利，抓住的嫌疑犯要被交给锦衣卫北镇抚司审理。但到了明末，东厂也拥有了自己的监狱。东厂的首领被称为东厂掌印太监，也称厂主或厂督，是宦官中仅次于司礼监掌印太监的第二号人物。

除此以外，东厂中设千户一名，百户一名，掌班、领班、司房若干，具体负责侦缉工作的是役长和番役，役长相当于小队长，也称档头，番役就是俗称的番子。

东厂的侦缉范围非常广，朝廷会审大案、锦衣卫北镇抚司拷问重犯，东厂都派人听审；朝廷的各个衙门也有东厂人员坐班，监视官员们的一举一动；一些重要衙门的文件，如兵部的各种边报、塘报，东厂都会派人查看；连普通百姓的日常生活，柴米油盐的价格，也在东厂的侦察范围之内。东厂获得的情报，可以直接向皇帝报告，相比锦衣卫必须采用奏章的形式进行汇报，更便捷。

到了明中后期，东厂的侦缉范围扩大到了全国，远州僻壤，也出现了“鲜衣怒马作京师语者”，搞得举国上下人人自危，民不聊生。在与锦衣卫的关系上，东厂是后来者居上。因东厂厂主与皇帝的关系密切，又身处皇宫大内，更容易得到皇帝的信任。东厂和锦衣卫的关系，逐渐由平级变成了上下级关系，在宦官权倾朝野的年代，锦衣卫指挥使见了东厂厂主甚至要下跪叩头。

四 《一代宗师》（2013年）

导演：王家卫

编剧：王家卫、邹静之、徐浩峰

制片人：吴思远、王家卫

类型：动作、剧情

主演：梁朝伟、章子怡、王庆祥、张震、宋慧乔、张晋、赵本山、小沈阳

片长：111分钟（3D内地）130分钟（2D内地）

上映日期：2015年1月8日（3D内地）, 2013年1月8日（2D内地）

1．影片介绍

《一代宗师》（The Grandmaster）是香港导演王家卫执导的影片，讲述了民国期间“南北武林”多个门派宗师级人物，以及武学宗师叶问的传奇一生。

广东佛山人叶问（梁朝伟饰）是咏春拳掌门人。他年少时家境富庶，师从咏春拳第三代传人陈华顺学习拳法，师傅“一条腰带，一口气”的告诫，支撑着他走过兵荒马乱、朝代更迭的年代。妻子张永成（宋慧乔饰）泼辣干练，二人夫唱妇随，琴瑟和鸣。

1936年，佛山武术界乱云激荡。八卦掌宗师宫羽田（王庆祥饰）年事已高，承诺隐退。其所担任的中华武术会会长职位，引起各派武林高手的关注与觊觎。包括白猿马三（张晋饰）、关东之鬼丁连山（赵本山饰）、咏春叶问等。高手们将目光聚焦在正气凛然的宫羽田身上。拳有南北，国有南北乎？最有德行之人，才堪会长重任。

（1）创作背景

一次，王家卫偶然看到叶问离世3天前拍摄一段视频，叶问在打拳中的一个停顿引起了王家卫对武术的兴趣。在对众多武术门派了解后，王家卫想通过筹拍《一代宗师》来再现民国武林的生态。

为了获取更多历史资料，他用3年时间拜访了全国各地的各种门派的百余名民间功夫宗师，既有咏春、形意、太极等广为人知的拳种，也有八卦、八极、通背等鲜为人知却不容小觑的武林门派。

有些宗师被王家卫的诚意打动，打破门派限制，将对自家徒弟都有所保留的绝技倾囊相告。在拜访中，还有一些感人的故事给王家卫很大启发，也为他的电影注入了武林绝技的精髓。

王家卫拍《一代宗师》的初衷是从“咏春” “叶问”开始，在他“宗师之路”的旅程中，通过拜访各路宗师，王家卫对这部电影的设想已不再局限于“咏春”这一个门派，而是由“一条街”变成“一个时代”。

《一代宗师》将与叶问同时代的中国各派宗师都纳入镜头中，对高手进行全景式扫描。

王家卫的“宗师之路”起于香港，展于内地，横跨南北，见于《一代宗师》。在“四大拳派”的主脉络下，通过几十位民国武者的群像设计和数以万计的时代细节展现，力图还原时代风物、细节，再现时代群像、品格。

（2）拍摄筹备

影片从开始筹备到正式开拍花了10年时间。

梁朝伟为拍《一代宗师》尽了全力。梁朝伟并非学武出身，他如同一张白纸，开机前便随叶问的关门弟子梁绍鸿苦练功夫，最终具备了咏春功夫的坚实基础，为此他还推掉了很多片约。

为演好功夫高手叶问，他的精神和身体都“备受摧残”，拍摄中胳膊不慎被武师踢断。而海报展示的雨中激战的画面，虽时间不长，王家卫却拍了一个月。

其实不只梁朝伟，影片中其他主演，只要涉及功夫，都在前期进行了大量的训练，包括章子怡、宋慧乔。张震也为了这部电影苦练3年八极拳，2012年在长春举行的全国八极拳比赛中，张震拿了八极拳比赛一等奖。

尽管赵本山在《一代宗师》中戏份并不多，但是王家卫为了精益求精，经常将一些拍好的部分推倒重来，赵本山去了剧组10次，只拍了一场戏。

在王家卫到沈阳为《一代宗师》选角时，小沈阳并不在演员表之列，后来赵本山为给徒弟创造更多的学习机会，也带着小沈阳一同秘密进组。

（3）拍摄过程

1997年，刘镇伟、王家卫开始筹备《一代宗师》剧本，最终因为电影公司缺少经费暂停。2002年宣布片名和主演。2009年12月12日到2010年4月18日，《一代宗师》在广东开平赤坎影视城拍摄，此外还在沈阳、长春等地取景。

《一代宗师》里面共涉及8位武林宗师，其中，在铁岭蒸汽机博物馆拍摄的是北方武林宗师的比武镜头。

为了追求完美，影片拍摄速度极慢。每天进入片场时，王家卫只带一张纸，纸上有20多行字，一天下来最多拍摄两行左右，大部分时间都在重拍。

王家卫为了防止偷拍，在离拍摄现场50米左右处就围上了警戒线， 30米安排一位工作人员巡视，剧组车辆上写的是其他片名。

他拍戏的时间也不固定，常常喜欢白天休息，凌晨后赶拍。剧组为每一位主演都挑选了替身，即便是有记者混入现场也未必能见到演员的真面目。

（4）3D版本

影片3D版于2015年1月8日在中国内地上映，该版是在北美的版本上进行修改而成的。

在拍摄时，王家卫打算无论动作设计还是人物设置都按照3D的标准来做，但当时条件有限没有实现。后来，200多人的美国团队用了近一年的时间完成了3D版的制作。除了保证在技术、动作、功能上能顺利实现转制，很多意境、抽象的东西都是王家卫全程把关。谈及转制3D的初衷，王家卫引用《一代宗师》的台词“念念不忘，必有回响”作为解释，认为这是圆了自己的一个梦。

转制3D版本和之前上映的版本有两处不同。

2．影片分析

《一代宗师》开始就是一场时间不明、地点不明的打斗。由于这场动作戏和后面的故事没有情节上的直接联系，这一场戏被视为提喻。

中国武术文化传承在《一代宗师》中被王家卫用影像展现了出来：一段尘封的武林往事，一个由盛转衰的武林。王家卫的长镜头运用和富有诗意的台词，都使影片与传统的功夫动作片有所不同。

这是一部有野心的电影。王家卫期望将国恨家仇、情义爱恋、南北武林等内容承载在影片中。

前有甄子丹的叶问武打形象，王家卫又让梁朝伟饰演叶问这一角色，看似冒险，其实这时的核心内容已经发生了转变。

《一代宗师》的关键词落在了“宗师”二字上，宗师是一种武学境界，不是拳脚。

其中叶问的形象是民国初沿海中产阶级的典型打扮：中式长衫布鞋，显得从容不迫；一顶西式礼帽暗示了他的时髦。

叶问拜师学武是因兴趣爱好，动机很单纯。开拳的时候，师傅说，“一条腰带，一口气”。练武凭的就是一口气。

王家卫借《一代宗师》缅怀“逝去”的武林。片中广东佛山的“共和楼”是这个武林的缩影，发生在这里最精彩的一段戏是叶问于1936年挑战北方高手宫羽田。1926年到1936年，那时候的“共和楼”是销金窟，也是英雄地，卧虎藏龙，那是武林最好的时光，也是近代中国最好的时光，北伐成功，国家统一，是民国史中的“黄金十年”；然而，这一切都被1936年的中日战争打破了。

宫羽田和弟子马三是北方武术的代表，有绝技64手，邀请南方武师挑战，叶问代表南方迎战。对阵宫羽田之前，叶问和各位南方武师层层过招，王家卫借此向观众普及了许多武林绝技，如八卦掌、形意拳、杂家、咏春，以点窥面，可知中华武术博大精深。

宫羽田在“共和楼”办隐退仪式是为了让年轻人出头，主动把名声让给晚辈，让年轻人担起传承武术的重任。年轻的叶问当仁不让，追风赶月不留情，博得满堂喝彩。

《一代宗师》是王家卫的第二部武侠题材电影，与第一部《东邪西毒》表现出相反的立场，台词也是对立的：欧阳峰绝望地说，山的后面不过是另一座山；而叶问说，过了山眼界就开阔了，一念既出，万山无阻。前者见山是山，后者见山不是山，反映出两种人生境界。

宫羽田和叶问比武的时候，也比了“想法”。宫羽田佩服中华武术会会长叶云表的话“拳有南北，国有南北吗？”这是站在政治的角度看武林。叶问则认为天下之大何止南北，这是站在宇宙的角度看武林，跳出人世，境界更高一层。

政治上的分合是暂时的，武学是永恒的。武学的传承不是一个门派的传承，是中华武学精神的传承，是从扎上腰带起练的一股浩然正气、对技艺的不断追求探索创造、对武学精髓的领悟。招数门派的不同是外在的，习武者内在的追求是相通的。

叶问在“共和楼”赢了宫羽田，春风得意。宫羽田的女儿为家族无败绩的荣誉挑战叶问，在“共和楼”摆下霸王夜宴。这一战，叶问没赢，知道了山外有山，叶问想要见一见传说中的宫家64手。两位武学高手从此惺惺相惜，频繁通信。

1936年，抗战爆发。叶问失去了经济来源，失去了亲人。“共和楼”被日本人接管，如同中国的江山，山河未变，但“共和楼”上的“青天白日”旗变了“太阳”旗。

正当南粤武林同仇敌忾捍卫“三民主义”的时候，东北的武林各自为阵，发生了大变故。宫羽田被投靠伪满州国的弟子马三所杀，宫二小姐走上了复仇之路，并立下誓言终生不结婚、不传艺。

故事的下半部分发生在1950年后的香港，叶问在这里靠教人习武为生，他的妻子留在了内地。

张震演的角色在香港开了白玫瑰理发店，同时传授八极拳的功夫。他第一次出场是在火车上被追杀，遇上宫二好心救了他，第二次出场是在香港，雨夜里剽悍打退追杀他的人，第三次是和香港小黑社会之人三江水交手，打到对方哭着拜师。他的身份更像是香港的黑社会成员。香港的几个黑社会都和当年的国民党有很深的渊源，张震演的这个角色应该是国民党的杀手。这类人1949年后不能待在大陆，又与台湾的当权者不合，加上手中有点军队或其他势力，就在香港落脚，开始还有政治目的，渐渐地变成普通帮派，控制经济，在政治上也不那么尖锐了。

宫二小姐在东北为父报仇杀了马三后，也到了香港，和叶问相逢。此时宫二没有了当年的锐气，叶问还在不断追求武学。他曾经想北上东北见识宫家的64手，但战事爆发，没有去成。

从前叶问要见识64手，有切磋武艺的想法在里面，现在更多的是想要继续绝学的心态。时势变迁，多少绝学失传，甚至没有在史书上留下痕迹，好像从来没有存在过一样，这让热爱武术的人心痛不已。

大时代给每个人都留下不可磨灭的创伤。武学，渐渐走向了消亡。

叶问和宫二最后见了面，一群漂泊异乡的人在东方之珠听着粤曲《风流梦》。

作为宫家武术的最后传人，她选择留在自己的岁月里，把武学传承的重任托付给叶问。

宫二是武林的挽歌，她的永别标志旧式武林的终结。叶问既是旧式武林的代表，又是新时代武术的传奇。

3．法律文化

在国家法制体系之外，武林中人还有自己立的规矩，需要遵守，从而使行业秩序井然。他们在这些规矩里会融入一些传统文化、做人的道理，也包括一些世俗的观念，当然更有一份情怀在其中。

所谓名不正则言不顺。影片中宫二要为父报仇，因为她事前定过亲，迟早要嫁到婆家，不能算作宫家的人，所以名不正，打都不能打；宫二若是去打马三，就是坏了规矩。因此，她只能过独行道，退亲不嫁人，才能够永远保留宫家二小姐的身份。宫家是武林世家，这就是世家风范。宫羽田知道女儿执拗的性子，所以留下遗言让其不问恩仇，可惜女儿执意要为父报仇。

宫羽田说老猿挂印的真谛在回头。马三当时理解为，老爷子叫他回头。但实际说的是什么？他后来被宫二打败，说“我现在明白了”，到底明白了什么？

老猿挂印，是马三杀宫羽田的那招，膝盖打击对方胸口，是致命的。但出招后需回头避让，否则有破绽。

当时，宫羽田虽老，但也不至于接不住。他没躲膝撞的挂印，马三没有“回首望”，宫羽田托他下巴推出去，是希望徒弟能有所领悟，不仅领悟武学的招式，更领悟做人的道理。马三却以为师傅没防住挂印是年纪大了，动作慢了。

后来宫二用了父亲的同一招打败了马三。

马三明白了老爷子并没有“慢”，是用一条命换取浪子回头。老爷子只想让马三回头，牺牲了自己的性命，也让宫二不问恩仇。